Le poesie della raccolta "Nymphaea alba" nascono strettamente collegate alle illustrazioni dell'autrice, come estese didascalie che narrano lo sguardo e lo interpretano. Un senso di completezza quasi sussurrato che inverte il processo di creazione, laddove immagine e parola si uniscono per ideare un quadro unico. E così "l'acqua si tinge del rosso del mio cielo".

"Io sono il Fuoco" nasce dalla necessità di raccogliere gli scritti di anni tumultuosi, pieni di vita e non vita, psicofarmaci e tentativi di farcela da soli. Il bisogno di ordinare e prendere in mano il Dolore hanno portato a questo scritto, che può divenire ausilio per chi si lascia stupire da ogni cosa nonostante la propria intima disillusione, mai davvero troppo disillusa quando si fa Poesia, quando si fa Arte, quando si parla di Amore.

"Poesie per natali precoci" è una raccolta di poesie "itinerante", sensazioni messe su carta tra Sarzana, Milano e Lugano, tra le pareti di una casa, il luogo della quotidianità e quello del lavoro. La Liguria e la campagna che arde alle sue spalle, dove ogni giorno un paese prende fuoco per abbandono. La famiglia. La rabbia di non poter fare niente per cambiare le cose. E poi Milano. Il Piccolo Teatro. L'accademia. I compagni. Il palcoscenico che ti risucchia, ti fa a brandelli e poi ti sputa. La metropoli che va avanti con o senza di te. Infine Lugano. Sogno di una notte di mezz'estate. Un mondo sospeso. Il lago che ti accende la fantasia. Il lago in cui puoi annegare di malinconia se non stai attento. Poesie per natali precoci. Quelli di ognuno di noi.

"Distante, così vicina" è una silloge sull'amore in tutte le sue sfumature: il poeta descrive in maniera lirica e coinvolgente le attese dovute alla distanza, mentre immagina l'incontro con la donna amata che si trasfonde metaforicamente nella natura. E poi ancora l'accostarsi al suo corpo e la meraviglia degli occhi, specchio di un sentimento condiviso nel momento in cui l'abbraccio diventa reale. Ecco che i versi di Rancatore diventano un dolce approdo alla tenerezza, alla celebrazione di un fuoco interiore che rende infinita ogni contemplazione.

Semplice e oggettiva, simbolica e naturalistica, discorsiva e prosastica: la poesia di Cesare Pavese è un tiepido prolungamento della nostalgia crepuscolare di stampo gozzaniano, è l'incedere fruttuoso e malinconico nei campi e nelle strade cittadine, un dipinto impressionista che rivela la solitudine quale virtuosa privazione del bisogno o come temibile condanna esistenziale. E talvolta il vuoto si riempie di versi lunghi e cadenzati, in una tenera indulgenza verso tutto ciò che è fisicamente presente agli occhi del poeta, traduttore onnisciente e solitario di interstizi sotterranei.

Memorie e arcani maggiori, amori sperati o consumati fino all'osso, famiglia e radici, dinamiche passate e presenti possono portare una giovane donna, divisa fra diritti di ogni sorta ed emozioni travolgenti, a narrare in versi preghiere al futuro, oracoli o analisi: l'infanzia inusualmente introversa, l'adolescenza fatta di pochi confini posti fra sé e gli altri, l'universo relazionale pontile incostante e sfuggente, il domani così poco immaginabile in una società sempre più veloce e disattenta. Tuttavia, l'autrice riesce a ritrovare l'indipendenza emotiva, la coscienza del proprio valore scevro da infiltrazioni altrui, e una fede ferrea che va oltre il pensiero comune. Un processo che è atto politico e femminista: liberarsi dai preconcetti cuciti addosso dalla realtà che narra della donna o troppo impaurita o priva dei suoi caratteri intrinseci. È atto politico comprendere l'inesistenza di ogni limite: si può essere donna, forte e debole, potente e vulnerabile, poetica e politicamente scomoda, giurista da manuale ed emotiva senza timore. Così, fra i distratti, avanza un'osservatrice aggravata.

Esordio di feroce passione, Fatalità è un inno di appartenenza sociale e sentimento impetuoso. Ada Negri, "vergine rossa" della lirica nostrana, esprime l'opposizione fra mondo e soggetto con un approccio profetico e inquieto. L'alternanza di endecasillabi, settenari e rime baciate determina il vasto sguardo dell'autrice che si immerge nelle miserie di un popolo oppresso, vinto e travolto, abbracciandolo con il conforto di una tenera madre. Il sentimento e il dolore, canto dopo canto, riflettono originalità e dolcezza. Fatale amore, desiderato e negato, conteso e travolto; ogni poesia è speranza che sussurra a gran respiro il "primo grido, incomposto e violento" della sua anima.

Le vergini folli, silloge di sonetti pubblicata nel 1907 e suddivisa in cinque sezioni - Anime, Spiragli, Il signore, Profili, Verità -, tramite il leitmotiv principale dell'opera, ovvero la verginità, scava nel sottosuolo delle insicurezze, le frustrazioni e i desideri di giovani donne appartenenti all'ossimorico universo conventuale, fatto di spose senza nozze, impegni e rinunce, luci e ombre, facendo germogliare nel lettore spunti di riflessione sulla condizione femminile di inizio Novecento.

La raccolta Inediti - pubblicata postuma nel 1942 dopo il ritrovamento dei familiari nella casa natale del poeta di un quaderno scolastico inaspettatamente pieno di scritti - mette in luce la poliedrica poetica di Campana, tanto radicata nella tradizione letteraria quanto innovativa. A comporre istantanee ricche di suggestioni sono il rapporto viscerale con il paese d'origine Marradi, la quotidianità della vita fiorentina, l'adorata Genova, l'esperienza a Buenos Aires, e ancora i temi cari all'autore: la notte, la natura coi suoi colori, l'amore, l'arte, il viaggio, la follia. Poesie e pensieri in cui, tra versi ermetici e versi di altrettanta immediata espressività, emergono i sentimenti e le idee che ne accompagnarono la travagliata esistenza.

La materia e la trascendenza, il confinamento dell'io e la sua espansione, il sentimento doloroso dell'esistenza e la celebrazione della sua bellezza: il canto di Rainer Maria Rilke è un viaggio mistico, rielabora la condizione umana del divenire, la ricerca della salvezza quando ci si confronta con la propria dimensione più oscura e soprattutto con la morte. L'ultimo approdo resta un mistero, seppur trasceso da quel sentimento divino - incarnato da presenze eteree - che è la via del "mutate mente", la poesia che si fa preghiera perché "in verità cantare è altro respiro. È un soffio in nulla. Un calmo alito. Un vento".

"Equinozi" è un percorso a spirale in quelli che sono stati gli incontri che nell'arco di alcuni mesi hanno attraversato l'autrice. La coincidenza e l'autenticità di un incontro non è insita nell'incontro stesso, ma è sempre espressione del valore che l'osservatore proietta sulla persona o sul paesaggio appena conosciuti. Così Agata Sala fa di un'alba un precipizio, di una schiena una gravina, percorrendo la linea marcata dello stato emotivo e confondendola con i simboli che il mondo dei fenomeni le offre come nuovo alfabeto. La sfida, qui, è decifrare ciò che piomba alle porte dello spirito e cercare di descriverlo, servendosi di parole umane, con il rischio di semplificarne l'essenza. In egual modo è il processo in cui la poesia diventa un'arma contro la banalizzazione del reale: così in questa raccolta l'autrice cattura, oltre alla profondità degli stati emotivi, anche immagini concrete e di facile lettura riempiendole di spirito. Ogni cosa, fisica e metafisica, ha una sua gravità.

E se davvero Ulisse non fosse mai tornato? Un eroe ancora in giro ai confini del mondo, una Penelope dimenticata nelle sue trame virtuali. In ogni caso, siamo le nostre scelte e in mezzo c'è un universo di pensieri palpitanti. Questa silloge è un corollario di tanti punti di non ritorno, catturati da un'ambra multiforme, dalle tonalità sarcastiche, malinconiche o disincantate. Versi apparsi da una nuvola di fumo, da un risveglio impetuoso, da una pioggia battente sulle macerie di un'occasione persa. Una telecamera emozionale sempre connessa, alla ricerca del momento imperfetto che può dare un senso a tutto. O forse solo suggerire una nuova partenza.

"Trame tra terra e mare" vuole essere prima di tutto un viaggio. Un viaggio alla scoperta di una regione periferica, quale è la Puglia, vista non con sguardo idilliaco ma nella sua contraddittorietà tra turismo, progresso, apertura e ipocrisia, arretratezza e inquinamento. L'opera è divisa in due sezioni, Terra e Mare, che racchiudono al proprio interno dei brevi poemetti, pezzi di vita raccontati in metrica. Terra parte dalla più profonda disillusione, dal legame apparentemente fatale con un paese che non sembra aver nulla da offrire, neanche vie di fuga. Qualunque possibilità di riscatto, di ripartenza, rimane disillusa. L'orizzonte appare scuro, tinto da un profondo pessimismo che però non nega la vita, ma la esalta. La bellezza della catastrofe, della caparbietà e di uno sguardo critico sul presente, cerca di sbocciare nei componimenti, che giocano tra vari metri e varie musicalità.

"Cavallucci" è una silloge moderna, nello stile e nel contenuto: i versi della poetessa rincorrono la contemporaneità, il sentire comune e quello personale, interiore, coinvolgendo il lettore in una spirale di sostantivi e verbi incalzanti fino a farci percepire istanti di tenerezza e rabbia, di dolore e amore, verso se stessi e verso un mondo che pian piano sta scivolando via dai nostri occhi, in un abisso sconosciuto, quanto il nostro cuore.

La poesia di Lorenzo Della Morte s'innesta su una serie di attimi rubati e mai più restituiti, che vanno a inserirsi in una collana madreperlacea, composta di esperienze vissute o sfumate. Non c'è posto per rimpianti o vincoli, tutto scorre nel lento fluire del susseguirsi degli istanti, che portano la nostra mente a essere mera spettatrice della realtà che osserva e allo stesso tempo pittrice appassionata di quegli scorci intuiti al passaggio. Successo e delusioni si mescolano e alternano, riportando un sorriso sulle labbra di chi si ferma a rifletterci.

Una poesia intensa e riflessiva, un viaggio interiore senza sconti: Valentina De Marco affronta le proprie ombre attraverso la memoria personale e la consapevolezza della condizione umana, cercando di analizzare con coraggio e audacia poetica l'inquietudine interiore e quel senso di solitudine capace di sciogliere e accogliere ogni stato d'animo, individuale e collettivo.

I versi di Francesca Petetta sono un inno all'amore e a tutte le emozioni che comporta, dall'entusiasmo vitale dell'incontro, anche sensuale, a un senso di doloroso abbandono che fa della mancanza un'inedita contemplazione del tempo. Volontà etica e passione conducono a un rifiuto consapevole della passività per intonare un canto elegiaco e nostalgico da cui emerge la realtà diaristica di un proprio dramma interiore.

Melodramma Carsico è speranza, illusione, tradimento, passione. Un amore torbido che si nutre di carne e sangue, mettendo in risalto il fascino del male, del proibito,della romantica avversione verso l'oggetto del proprio desiderio. Le protagoniste di questi versi sono eroine melodrammatiche che si muovono nello spazio della modernità, consumandosi e distruggendo anche quello che di buono c'è. È quel senso di orribile splendore che Shelley, guardando la Medusa caravaggesca, definì "la tempestosa leggiadria del male".

Quando nessuno vede è un viaggio attraverso le infinite sfumature dell'amore: dalla sofferenza all'indecisione, dalla paura alla leggerezza con cui si affrontano i sentimenti e la vita stessa. I contrasti e le contraddizioni assumono un ruolo centrale per riuscire a definire se stessi nell'eterno divenire delle sensazioni. Eppure la speranza e la voglia di amare di nuovo s'impongono come forza vitale, perché all'oscurità si mescola sempre un po' di luce, dentro e fuori di noi.

"I fiori all'innocenza" è un viaggio lirico negli stati d'animo dell'autrice, la cui interiorità si riflette nelle immagini preziose che la natura offre a uno spirito affamato di bellezza. Il linguaggio si trasforma ed evolve a ogni poesia, così come negli anni cambia il punto di vista della poetessa, soggetta ai mutamenti che il tempo porta con sé, intessendo un dialogo con un oltre sconosciuto e con il passato, che si ripresenta in momenti perfetti, incastonati nelle effigi della nostra interiorità più pura.

"Eppure / luogo infame / luogo caro / luogo reciso / averti nel cuore / non uccide / come averti negli occhi". Questi versi di Carlotta Corsi ci introducono nel suo mondo, ci svelano la prospettiva dei suoi occhi che osservano la terra, a cui la poetessa non sa negare un abbraccio doloroso. La sua poetica si snoda attraverso un andamento elegiaco e solenne, in cui il verbo si fa portatore di un nuovo, idilliaco canto. Perché se la brevità è la caratteristica drammatica della vita, l'insegnamento di una metamorfosi interiore è la meta cui ambisce la poesia, liberatorio rifugio universale per ogni essere umano.

I ricci sono essenzialmente creature solitarie, ma al risveglio dal letargo devono cercare il contatto con il mondo esterno se vogliono sopravvivere. Gli aculei di cui sono dotati per autodifesa potrebbero costituire un impedimento se non utilizzati anche per stabilire il giusto spazio fra sé e gli altri. In fondo, si tratta di calibrare quella medietà nei rapporti umani senza subire il dolore inflittoci dagli "aculei", che indurrebbe all'isolamento nelle proprie rassicuranti tane. Con La tana del riccio, Rosa Pugliese prova a descriverci quel perenne essere in bilico sul burrone fra solitudini e relazioni, paura e sperimentazione, distanza fisica e vicinanza sociale.

Disamore, D'amore e Vite da sfatare, tre sezioni poetiche per Parole e altre incertezze, la prima raccolta di Enrico Barbato: un viaggio fatto di immagini viste dal finestrino di un treno, un percorso tortuoso e incerto dove i punti di riferimento sono le parole e la loro forza evocativa. L'autore scava nelle memorie del sottosuolo dei rapporti umani, tra la semplicità che è difficile a farsi e la paura del domani, fotografando una generazione alla ricerca di un posto nel mondo.