Questo libro, una rara raccolta di preziose pitture botaniche, è realizzato in occasione della mostra antologica dedicata alla pittrice marina virdis dallo spazio arti floreali, che opera nel centro storico di roma, animato da leda violati. il volume-catalogo accoglie 35 opere tra le più significative della produzione artistica di marina virdis e raccoglie scritti di specialisti del settore.

Questo libro fa seguito al precedente volume 'Dio non abita più qui? Dismissioni di luoghi di culto e gestione integrata dei beni culturali ecclesiastici' il volume presenta il panorama, finora in gran parte sconosciuto, del patrimonio architettonico e culturale delle Comunità conventuali in molti Paesi del mondo.

Il volume, che raccoglie contributi di alcuni tra i maggiori studiosi italiani e internazionali, offre un'aggiornata panoramica sul ruolo del disegno di architettura nella fucina del Barocco romano, dove si approntano innovazioni destinate a vaste ripercussioni e dove agli apporti determinanti di figure centrali come Bernini, Borromini, Cortona, si affianca un'elaborazione diffusa di architetti e maestranze. Veicolo di diffusione di progetti e modelli nel nuovo contesto globale nonché strumento di studio nelle accademie, il disegno d'architettura si arricchisce di modalità rappresentative di grande complessità, assieme a tecniche, materiali e strumenti adeguati alla spinta propulsiva di un linguaggio che si sta gradualmente costituendo come internazionale. Contributi di Mario Bevilacqua, Anna Bortolozzi, Fabio Colonnese, Joseph Connors, Marcello Fagiolo, Lorenzo Grieco, Francisco Martínez Mindeguía, Jörg Martin Merz, Sebastiano Roberto, Augusto Roca De Amicis, Antonio Russo, Saverio Sturm, Marisa Tabarrini.

Questo libro costituisce l'esito del progetto di ricerca CdCI - Carta della Cultura Industriale (www.culturaindustria.it), dedicato alle architetture industriali degli anni del miracolo economico in Italia e al patrimonio iconografico e documentario legato alla loro storia, con particolare riguardo alle realtà produttive del Lazio ancora in funzione. Articolato in più contributi, in rappresentanza delle diverse istituzioni coinvolte nell'indagine (Università degli Studi Roma Tre; Università di Roma Tor Vergata; CNR - Consiglio Nazionale delle Ricerche; Archivio centrale dello Stato di Roma) oltre che di ricercatori e professionisti esterni, il volume è corredato da una nutrita sezione di apparati, comprendente materiali d'archivio inediti e un reportage fotografico di nuova realizzazione. Contributi di Giorgia Aureli, Daniela Brignone, Gianluca Capurso, Francesca Castanò, Federica Causarano, Simonetta Ceglie, Pietro Cesari, Alberto Coppo, Antonio Di Cecco, Roberta Folgiero, Lorenzo Grieco, Tullia Iori, IT LogiX, Davide Maffei, Maddalena Scimemi, Marida Talamona, Antonio Tripodo, Alessandro Vasari.

I saggi raccolti in questo volume riprendono il filo della ricerca iniziata ne Il paradigma teatrale. Teoria della performance e scienze sociali (1988). Nell'ambito di quel campo che oggi è identificato col nome di Performance Studies, l'indagine prova a sviluppare una sorta di esegesi di alcuni concetti fondamentali così come rielaborati, in particolare, da Richard Schechner: il gioco e la metacomunicazione, la liminalità, il 'recupero del comportamento', l'oralità del sapere performativo. Ciascun capitolo discute il contributo di scienziati sociali di riferimento quali l'antropologo Gregory Bateson, lo psicologo Donald Winnicott, Marshall McLuhan e la cosiddetta 'Scuola di Toronto', nonché il neuroscienziato cognitivo Merlin Donald, al quale si deve la nozione che dà il titolo alla raccolta.

'O che fatica dare un senso al non senso della vita'. Ed è una fatica che solo la poesia, in senso sintetico, globale, simbiotico, quale alto e altissimo volo verso le stelle, da 'aspera ad astra' , può dare. Così, di quella 'fatica' dà testimonianza La vita appesa, 'l'attendant godò!' di Rino Piroscia che si avvale, per esprimersi, della capacità poetica di questo insegnante, operatore culturale, produttore, scrittore, compositore di dolci tempeste del cuore. Ed è una capacità poetica che raramente si trova nel quotidiano andare di ogni vita che è, per ciascuno di noi, un percorso al quale può dare un senso, un fine, un futuro solo e soltanto la Cultura. La Cultura che nasce dalla sperimentazione interdisciplinare di tutti i linguaggi per la comunicazione e l'integrazione sociale e che nella poesia trova il suo 'fare'. Poiché poeta è una parola a radice greca che significa: 'Colui che fa'! E di 'fare' dei poeti come Rino Piroscia bisogna rendere onore e/o omaggio! E consentire che il fare poetico sempre più si diffonda quale linguaggio tra le persone. È il primo e/o forse il solo linguaggio che danza e lascia traccia del pensare e del vivere. Dalla presentazione di Maria Rita Parsi.

Sassofonista, flautista, musicista, compositore e arrangiatore, Javier Girotto modella forme sonore attingendo con inesauribile curiosità al patrimonio musicale internazionale. Elabora cellule ritmiche, melodiche e armoniche filtrate attraverso una fine sensibilità artistica e uno spessore umano notevole, approdando a composizioni originali che rimandano, tuttavia, a retaggi culturali sempre familiari a ogni ascoltatore. La personalità artistica di Girotto è il risultato di una variegata formazione musicale il cui concetto chiave è la 'contaminazione' che contraddistingue il viaggio in musica di un uomo tra due continenti, a cavallo tra due secoli colmi di meraviglie e atrocità. Al centro del vortice culturale rimane l'uomo pronto a mettersi in gioco con sfide musicali sempre nuove dalle quali emerge vincitore con la sua arma, la musica, catturando l'attenzione dell'ascoltatore, soggiogandone il sentire, suscitando emozioni, regalando bellezza. Dall'infanzia in Argentina alla maturità in Italia, le vicende personali e sociali della vita di Girotto contribuiscono a forgiare il suo stile musicale in equilibrio perfetto tra folclore, tango e jazz. Oltre le parole non rimane che l'ascolto. Ogni spettatore potrà immaginare la sua storia.

Il volume affronta la storia architettonica della cattedrale di Cosenza, con particolare riguardo alle sue fasi medioevali e alle interrelazioni che essa intrattiene con la coeva cultura artistica europea. Lo studio, grazie anche a un completo rilievo laser scanner e al reperimento di tutta la documentazione inedita sui restauri, ha consentito la riscoperta della morfologia originaria dell'edificio, oltre che l'identificazione e la datazione dei suoi principali momenti costruttivi. La consistenza medioevale della chiesa si è dimostrata frutto di continui interventi che hanno avuto origine in età normanna, culmine all'epoca di Federico II con la solenne dedicazione del 1222 e completamento nei decenni successivi. Vista l'importanza delle fasi indagate, la primaziale si è rivelata elemento chiave per la comprensione della storia architettonica dell'Italia meridionale, con particolare riguardo all'età federiciana. Le fonti inedite, le comparazioni e le ricostruzioni proposte hanno permesso la totale rilettura del duomo cosentino e la sua ritrovata contestualizzazione in ambito europeo.

Questo volume nasce con l'obiettivo di riempire, almeno in parte, il vuoto culturale riguardante le progettiste nello scenario dell'architettura, raccogliere e documentare ciò che hanno lasciato lavorando spesso nell'ombra di personalità (compagni, mariti o professionisti) più celebri o in studi a forte prevalenza maschile. La sezione romana dell'Associazione Italiana Donne Ingegnere e Architette ha voluto dare un volto, una storia a coloro che hanno percorso per prime il difficile ambito della progettualità romana. L'obiettivo è quello di riscrivere la storia della città attraverso il lavoro delle donne che spesso sono state escluse dalla narrazione architettonica, figure presenti ma storicamente poste in secondo piano.

Molte sono le trame e le sottotrame, i rimandi testuali e simbolici, filosofici e culturali, i significati stratificati che possiamo rintracciare nel lavoro denso, a volte enigmatico, ma sempre di altissima qualità tecnica ed estetica, di Bálint Horesnyi e Boglárka Sipos, ma, tra tutto e nelle pieghe del tutto, il centro di gravità attorno al quale ruota la loro poetica è il rapporto con la storia e con il passato, la centralità di Roma come luogo del non-tempo o di tutti i tempi. Bálint Horesnyi e Boglárka Sipos, giovani artisti ungheresi attivi alla Accademia di Belle Arti di Roma, lavorano sia individualmente che in coppia, condividendo un progetto volto a declinare tutte le testimonianze del passato, di cui illuminano gli aspetti più reconditi: il linguaggio privilegiato dei loro lavori è quello della xilografia - insieme al frottage e alla serigrafia - ma non mancano anche immagini fotografiche, che spesso costituiscono la base di partenza per elaborazioni successive. Si tratta per lo più di opere di grande formato, stampate su carta e libere da cornici, o risultanti dall'assemblaggio di molteplici immagini, che assumono una valenza installativa e fortemente scenografica.

Il racconto prende lo spunto da una dimensione strettamente privata e da lì, con la immediata forza persuasiva che hanno le memorie e gli affetti personali (questo libro è anche, con discrezione, la storia di un amore) quando vengono elaborate e distese nel flusso narrativo, diventa, con naturalezza, storia pubblica, occasione preziosa per essere partecipi di uno sguardo all'indietro che parla di noi, delle vicende politiche e culturali del Novecento europeo, dell'evoluzione del gusto in campo musicale, di tempo barocco e di epoca contemporanea.

Meravigliosi oggetti, delicatissimi, si fanno spazio nelle sale del piano inferiore della Casa Museo Boncompagni Ludovisi. Questi oggetti testimoniano il lungo percorso di un'attività familiare, L'Arte della Ceramica Mileto, e ne celebrano la continuità e i risultati raggiunti. La mostra, intitolata Tradizione e innovazione, vede riuniti manufatti realizzati negli ultimi settant'anni di attività. Il laboratorio Mileto, a conduzione familiare, è nato dall'impegno di Agatina Librando Mileto (1931) e delle sue figlie Anna Aloisa e Angela Francesca, alle quali la madre ha saputo trasmettere la passione per la decorazione su porcellana, nonché la maestria tecnica di un'arte complessa. A loro oggi si unisce una terza generazione con l'inclusione di Carlotta Messedaglia, giovane e affermata ceramista. L'Arte della Ceramica Mileto è una realtà consolidata nel panorama della ceramica nazionale, e collabora con professionisti del settore italiani e internazionali come Bente Brosbol Hansen, Giovanni Cimatti, Maria Gabriella D'Alessandro, Desirée De Ridder. Attraverso l'esposizione di opere che vanno dagli esordi della decoratrice Agatina Librando Mileto, negli anni Quaranta del Novecento in Danimarca, alla produzione attuale, sarà possibile per il pubblico conoscere una storia di successo manifatturiero tutto al femminile viaggiando in tempi e luoghi lontani. I viaggi percorribili sono molteplici: quello verso la tradizione, per riscoprire le origini delle grandi Manifatture europee settecentesche, quello verso l'Oriente, in Persia, in India e nelle più distanti Cina e Giappone, e anc

Questo volume di Giorgio Simoncini è un percorso personale e sofferto di riflessioni sul mutamento, a seconda del momento storico, della memoria collettiva, riferita soprattutto alle vicende storiche che hanno portato l'umanità agli orrori di Auschwitz. L'autore ripercorre, a partire dagli anni Trenta del Novecento e fino ai giorni nostri, l'evoluzione e le rimozioni vissute dalla società europea (e persino dagli stessi perseguitati) della tragedia della Shoa. Giorgio Simoncini, architetto, progettò e realizzò il Monumento di Auschwitz-Birkenau in collaborazione con lo scultore Pietro Cascella. Il testo tiene conto delle complesse implicazioni culturali e politiche che si sono evolute fino alla realizzazione nel Monumento. Arricchiscono il libro la riproduzione di documenti, fotografie e bozzetti del concorso e i ricordi personali di una lunga vita.

Questa nuova edizione del volume di Carla Benocci dedicato alla storia e al presente di Villa Sciarra-Wurts esce a quindici anni dalla sua prima apparizione con l'auspicio di restituire ai visitatori e agli studiosi del parco gianicolense e dei suoi edifici un'opera di documentazione ancora indispensabile. La raccolta di mappe, documenti, fotografie e illustrazioni che insieme ai saggi costituisce il cuore del libro, è ancora la più ricca disponibile e, negli anni, è servita da bussola a tutti coloro che, per ragioni diverse, hanno voluto o dovuto occuparsi della storia e del presente della villa, in primis i responsabili e i curatori del parco e, naturalmente, anche i ricercatori, i tecnologi e gli amministratori che svolgono la loro opera all'interno dell'Istituto Italiano di Studi Germanici. Il volume, che percorre la storia del sito di Villa Sciarra dalla antichità romana ai giorni nostri, è ricco di centinaia di foto a colori e in bianco e nero e di documenti rari, come disegni e mappe, portati alla luce dall'autrice.

La licenziosità e la novità di molte proposte michelangiolesche, riscontrabili sia in architettura sia nei lavori di quadro, affondano le proprie radici in un terreno comune: quello della cultura rinascimentale fiorentina all'interno della quale Michelangelo si forma, giovanissimo, come pittore. I saggi qui raccolti suggeriscono alcuni possibili antefatti dell'opera michelangiolesca, le cui fonti sono state ricercate non soltanto in architettura ma, proprio in relazione ai primissimi anni della formazione dell'artista, anche nella produzione pittorica e scultorea del Quattrocento. Scritti di Leonardo Baglioni, Roberto Barni, Federico Bellini, Carlo Bianchini, Flavia Cantatore, Claudia Cieri Via, Lorenzo Finocchi Ghersi, Donatella Fiorani, Marika Griffo, Carlo Inglese, Enrico Parlato, Marta Salvatore, Francesca Tottone.

Il catalogo della mostra d'Oro e Turchese, che si tiene a Roma presso il Museo Statale Boncompagni Ludovisi per le Arti Decorative, il Costume e la Moda dei secoli XIX e XX, dal 26 marzo al 19 maggio del 2024, nel centenario dell'apertura del laboratorio di ceramiche artistiche di Pratica di Mare, è curato da Daria Borghese con interventi di Barbara Jatta, Francesca Cappelletti, Matilde Amaturo, Valentina Filamingo, Luca Pesante e Pier Paolo Pancotto. Fotografie di Giulio Archinà. Il laboratorio di Pratica di Mare viene aperto da Maria Monroy, moglie del principe Camillo Borghese, con lo scopo di creare occasioni di lavoro in una zona depressa e di promuovere l'apprendistato per un ruolo produttivo soprattutto per le donne. È, quindi, l'originale risultato dell'intreccio tra un nobile e antico mestiere, la ceramica, la filantropia dell'aristocrazia romana e le teorie pedagogiche dell'inizio del XX secolo. Ai direttori di produzione, che si avvicendano, si affianca il talento della principessa del Vivaro cui spetta l'ideazione artistica dei manufatti e la messa a punto delle tecniche di cottura. All'oro e all'argento, ricorrenti nella produzione, si aggiunge un turchese brillante, voluto espressamente da Maria Monroy, che diventa tipico della produzione di Pratica di Mare.

Questa ricerca, svolta nell'ambito dei progetti 'Liceo Vittoria Colonna: una scuola moderna in un edificio antico. Conoscere il passato per progettare il futuro' - in convenzione con l'Università Sapienza di Roma - e 'Accademia digitale Casa Grande Barberini' si pone come obiettivo la ricostruzione delle principali vicende storiche del più antico istituto d'istruzione superiore femminile di Roma e delle sue varie sedi. Sorto come 'reale scuola normale superiore femminile' pochi anni dopo la Breccia di Porta Pia, l'istituto, poi dedicato alla poetessa Vittoria Colonna - amica e corrispondente di Michelangelo - rappresentava per decenni un punto di riferimento sia culturale che formativo per tutte le donne romane che volevano dedicare la propria vita all'istruzione dei nuovi cittadini del Regno d'Italia. Dopo una prima fase presso l'ex convento di S. Paolo I Eremita, e poi in una parte delle antiche Terme di Diocleziano, con la riforma Gentile del 1923, l'istituto si spostava, - 100 anni addietro - in via dell'Arco del Monte, proprio dove tuttora la scuola risiede: in una parte dell'antico palazzo barocco dei Barberini, 'Casa Grande Barberini', antica dimora della famiglia toscana prima del trasferimento nello sfarzoso Palazzo Barberini. Presentazione di Anna Paola Sabatini. Prefazione di Franca Ida Rossi.

Il dibattito sull'estetica delle fabbriche, avviato nella Germania agli inizi del Novecento e riacceso nell'Europa prebellica dagli architetti della cosiddetta «seconda Età della macchina», conosce nel decennio 1950-60 una stagione di rinnovato fermento a livello internazionale, che vede l'Italia a confronto con le maggiori potenze economiche mondiali. In parallelo, tra le diverse tendenze in atto, emerge la diffusione di forme ispirate alle dinamiche trasformative degli organismi viventi e alle loro unità costitutive, le cellule, in nome delle quali si sperimentano soluzioni che vedono ricorrere sistemi micro e macro modulari e formalismi impostati sulla geometria dell'esagono. Alla grande varietà di espressioni riscontrata in architettura corrisponde la vivacità di una discussione teorica che verte sul più ampio rapporto tra Arte e Tecnica, sulla coerenza dell'estetica industriale alle diverse scale di progetto, sul ripensamento improcrastinabile dell'approccio «funzionalista». È la breve stagione dell'approccio «organico», l'ultimo ordine architettonico dell'età contemporanea.

La raffinata sensibilità dell'artista di Pompeo Forgione lo porta ad affrontare tematiche che affliggono il nostro quotidiano, cercando di fornire - grazie alla creatività e all'arte di cui si nutre - risposte universali. Un «mondo delle idee» di platonica memoria a cui qualcuno oggi dimostra di sapere ancora attingere. Nelle sue tele recenti è inclusa l'urgenza e la potenza della descrizione di vicende che egli desidera eternizzare attraverso il gesto artistico, isolare nella loro drammaticità senza nome, per poi restituirle allo sguardo sensibile dell'osservatore in una relazione al contempo empatica e razionale. Opere in cui la figurazione a volte si fa più evidente, proprio perché spinte dalla 'necessità creativa' che ha dato forma al concetto. Alcuni lavori di Pompeo Forgione, parlano di derive e speranze, di sogni e dubbi, di diritti negati e dell'imprevedibilità delle intemperie in mare aperto. Al loro interno l'artista a volte inserisce un oggetto: è quell'elemento necessario a ricondurre il contesto alla concretezza della realtà dentro la quale tali eventi si sviluppano. Nelle ultime tele, come per altri lavori precedenti, la commistione di linguaggi e materiali diviene un tassello fondamentale della produzione artistica, atto a sottolineare con coerenza il rapporto tra l'idea e la materia, il segno, lo spazio. Versi di Valentina Neri.

I saggi che compongono questa raccolta trattano della complessa transizione socio-culturale dall'etnicità all'americanità che caratterizza i diversi gruppi di emigranti negli Stati Uniti alle prese con le dinamiche dell'integrazione e dell'assimilazione. Attraverso l'analisi di alcuni case studies nella letteratura Italian American - ma anche in quelle Jewish American, African American, Chinese American e Pakistani American -, gli autori indagano sulle diverse declinazioni dell'americanizzazione dal periodo dello schiavismo fino al trauma dell'11 settembre 2001. Cifra comune ai diversi saggi è sempre un'americanness agognata e mai scontata, perpetuamente in bilico tra assimilazione e resistenza, minata dalle violenze e risospinta a riva dalla discontinuità di un processo di negoziazione etnica.

Questo volume raccoglie i contributi scritti per le 'Giornate di studio in memoria di Giuseppe Dolei' tenutesi a Catania il 4 e 5 maggio 2023. Il Novecento austrotedesco, il rapporto tra politica, società, arte e letteratura nella Germania del XX secolo, l'esilio, la Sicilia, l'Etna, il mondo dell'Università sono i temi trattati, tra analisi dei testi e ricordo di uno studioso acuto, autore raffinato e intellettuale indipendente. Saggi di: Alessandra Schininà, Giusi Zanasi, Rosa Maria Monastra, Domenico Antonio Cusato, Maria Vittoria D'Amico, Grazia Pulvirenti, Vivetta Vivarelli, Margherita Cottone, Daniela Nelva, Jutta Linder, Salvatore Marano, Antonella Gargano, Emilia Fiandra, Beatrice Talamo, Silvia Palermo, Lucia Perrone Capano, Paola Gheri, Beatrice Wilke, Nicoletta Gagliardi, Santo Burgio, Fernando Gioviale, Graziella Seminara, Alessandro Mastropietro, Massimo Bonifazio, Marco Lino Leonardi.

L'esposizione, a cura della prof.ssa Francesca Romana Morelli è stata organizzata in collaborazione con la Fondazione Malvina Menegaz per le Arti e le Culture, fondazione che ha voluto mettere a disposizione dei visitatori le opere collezionate da Osvaldo Menegaz, nell'ambito della cospicua raccolta di arte moderna e contemporanea della Fondazione da lui creata nel 2008. Il percorso espositivo delinea un viaggio ideale che si apre con le vedute dipinte da Bartoli, Tamburi e Socrate che sotto il cupolone blocca un'immagine della spina dei Borghi, prima di essere abbattuta per fare spazio alla via della Conciliazione. Allinea i ritratti dipinti da Guzzi, Socrate e Torresini. Entra idealmente negli studi del giovane Di Cocco, di Bertoletti, di Ziveri, di Drei, di Castellucci, di Melli negli anni delle persecuzioni raziali. Un interno di Leonetta Cecchi Pieraccini coglie la figlia dell'artista Suso (la futura formidabile sceneggiatrice), immersa nella lettura, sfruttando la luce della città che filtra dalla finestra. Infine, lascia la città, per ritrovarsi in un luogo naturale di mano di Trombadori, caratterizzato da uno spaesamento metafisico. In esposizione opere di: Amerigo Bartoli Nantiguerra, Nino Bertoletti, Corrado Cagli, Katy Castellucci, Emanuele Cavalli, Ghisberto Ceracchini, Francesco Di Cocco, Ercole Drei, Virgilio Guzzi, Roberto Melli, Luigi Montanarini, Leonetta Pieraccini in Cecchi, Antonietta Raphaël, Toti Scialoja, Carlo Socrate, Giovanni Stradone, Orfeo Tamburi, Attilio Torresini, Francesco Trombadori, Alberto Ziveri.

Il regno di Teodorico, basato sull'armonia di forze opposte e su una politica di tolleranza religiosa è considerato un esempio di civiltà. Ma colui che per la sua saggezza era stato paragonato a Tito, divenne alla fine della vita un tiranno violento e fece uccidere i suoi più illustri collaboratori. Un vero e proprio enigma per gli storici. Ma un enigma nell'enigma è la scomparsa di ogni notizia su chi avrebbe potuto essere l'ultima speranza di salvezza: Eutarico Cillica, che aveva sposato Amalasunta, figlia di Teodorico. Eutarico sparisce letteralmente dalla scena. Ma nessuno ne parla. Non sappiamo neppure la data della sua morte. Perché? Forse il problema può essere affrontato con uno spirito nuovo, ridando la parola alle 'parole mute' dei vinti. A cominciare da Boezio, la vittima più illustre di Teodorico. Tra i disegni autografi di Boezio nel codice XL (38) della Biblioteca Capitolare di Verona, vi sono alcuni schizzi che rappresentano Eutarico attaccato da un serpente inviato da Amalasunta e dal suo amante Triguilla. Come Maestro degli Uffici, Boezio poteva avere informazioni riservate. Al suo servizio c'era un corpo speciale di informatori, che potevano svolgere indagini su chiunque.

Le fotografie d'autore di questo volume, rigorosamente in bianco e nero, sono un mondo esplorato dall'artista Roberto Piloni con occhio attento e affettuoso. Il mondo della casa e degli oggetti che la rendono tale. La casa non è mai semplicemente un tetto sopra di sé, come le cose che essa contiene non sono mai solo oggetti muti o inerti. Abitare costituisce un punto di riferimento fondante riguardo come un individuo situa se stesso nel mondo. È un momento cruciale sia nel tempo che nello spazio nella costruzione dell'identità, nella tessitura di relazioni socio-economiche, dei significati collettivi e simbolici che in una casa si concretizzano. Infatti lo spazio domestico rappresenta la principale forma di attività localizzata, attraverso cui organizzare e ordinare il presente, il passato e le speranze riguardo al futuro. Il luogo in cui si vive diventa nel corso del tempo un microcosmo simbolico, che riproduce molti aspetti della vita sociale e personale. Se l'idea di casa si fonda su una nozione fisica di abitazione, in essa un insieme di rappresentazioni e pratiche prendono forma in maniera immateriale. Una struttura abitativa o una casa ideale infatti sono al centro di una categoria discorsiva complessa, spesso conflittuale, che afferisce a esperienze individuali ma anche a specifiche condizioni di genere, razza, classe, cittadinanza, modelli familiari e stili di vita. Con raffinata competenza e poetico calore, Roberto Piloni coglie l'essenza di tutto questo con le sue immagini.

Il volume 'La miniatura a Roma dal XV al XX secolo' offre un'ampia panoramica sulla produzione di codici miniati, fogli isolati e cutting nella città pontificia in età moderna. Nei saggi qui raccolti si presentano i risultati emersi nel corso del convegno internazionale di studi tenutosi nel maggio 2023 presso l'ateneo di Rende, promosso e finanziato dal Dipartimento di Studi Umanistici dell'Università della Calabria. Il vasto arco cronologico considerato permette di spaziare oltre i limiti solitamente adottati per i convegni di miniatura e soprattutto per quanto riguarda il contesto romano con le variegate e articolate problematiche che contraddistinguono questo ricco e complesso argomento. Diversi studiosi, esperti del settore, hanno contribuito al testo con le loro ricerche dedicate, in alcuni casi, a codici inediti e nuove attribuzioni. Saggi di Ulrike Bauer-Eberhardt, Raffaella Bentivoglio-Ravasio, Hans-Joachim Eberhardt, Ilenia Falbo, Daniele Guernelli, Annalisa Laganà, Alessandra Leonetti, Susy Marcon, Massimo Medica, Cristina Mochi, Pier Luigi Mulas, Gianmarco Nicoletti, Leonardo Passarelli, Eva Ponzi, Emanuela Spagnoli, Emilia Anna Talamo, Federica Toniolo, Laura Zabeo.

Questa mostra presenta un importante nucleo di opere inedite provenienti dalla collezione del Professor Marcello Comel (1902-1995), fondatore dell'Institutio Santoriana - Fondazione Comel. Personalità celebre per il contributo offerto alla medicina e all'umanesimo medico, Comel emerge quale mecenate illuminato e raffinato collezionista. Tra i capolavori esposti si annoverano dipinti di Gerolamo Induno, Moses Levy, Giovanni Lomi, Arturo Tosi, Lorenzo Delleani, Giuseppe Palanti, Carlo Sbisà e Arturo Nathan nonché opere su carta di Telemaco Signorini, Mario Sironi, Filippo De Pisis e Renato Guttuso. Viene inoltre esibita un'accurata selezione di disegni dell'artista americana Linda Karshan, appartenenti a diverse fasi della sua carriera. Parte del suo prestigioso lascito alla Fondazione Comel, questo splendido corpus testimonia la rilevanza della collezione Comel nel nostro tempo ed il suo impatto sulle generazioni future.

Si dice che il generale Mark Clark, comandante della V armata americana e liberatore di Roma nel giugno 1944, durante la campagna d'Italia ripetesse: 'Fare la guerra in Italia è come combattere in un maledetto museo'. Un'espressione simile è attribuita al generale tedesco Albert Kesserling, comandante delle truppe tedesche in Italia: 'Non immaginavo proprio che sarei stato chiamato un giorno a fare una guerra in un museo!'. Di fronte ai tragici pericoli derivanti dalla guerra e dai suoi inaspettati sviluppi, tra i bombardamenti alleati, la possibilità di asportazioni da parte dei tedeschi e gli irreparabili danni che la guerra guerreggiata sul territorio avrebbero causato, alcuni dirigenti dell'amministrazione dello Stato preposti alla tutela del patrimonio artistico, trovarono la forza di immaginare soluzioni ardite, progettando un piano che prevedeva lo spostamento delle opere d'arte mobili in territorio neutrale, nella Città del Vaticano, salvandone l'integrità materiale e il possesso giuridico delle autorità legittime nell'Italia spaccata in due e dilaniata dalla guerra civile. Fu una vicenda che vide collaborare tanti, anche su fronti opposti, soldati, storici dell'arte, sacerdoti, italiani e tedeschi (contro altri italiani e altri tedeschi), in nome di un patrimonio comune. Questo libro racconta una storia che non riguarda solo il passato, ma anche il nostro presente funestato da tanti conflitti.

Questo volume nasce dalla ricerca di dottorato relativa alle trasformazioni e alla gestione degli edifici storici adibiti a istituti scolatici e portata avanti in parallelo presso due facoltà di 'Sapienza Università' di Roma, quella di Disegno, Storia e Restauro dell'Architettura e quella di Statistica metodologica. Il libro, per la cui pubblicazione hanno contribuito diversi enti e archivi pubblici, si pone come obiettivo la ricostruzione delle principali vicende storiche del secondo Istituto per l'istruzione superiore femminile più antico di Roma, nato nel 1888 e poi dedicato alla prima regina d'Italia, Margherita di Savoia. Da allora fino a nostri giorni, passando per diverse riforme e due grandi guerre, questa istituzione ha sempre operato per diffondere il sapere e i principi di democrazia tra le giovani donne, favorendone l'emancipazione economica, sociale e, soprattutto, culturale. Dopo un breve periodo presso la sede temporanea di via Giovanni Lanza, la scuola trovava sede in uno dei bellissimi palazzi di piazza Vittorio Emanuele all'Esquilino. Solo nel 1940 otteneva una sede costruita ad hoc, quella attuale, in via Cerveteri, nel quartiere dell'Appio Latino, all'interno di un intero isolato pensato come polo educativo. L'edificio, progettato da Elena Luzzatto Valentini, la prima donna architetto in Italia, superando il 'giudizio del tempo', continua ancora oggi a svolgere egregiamente la sua funzione di sede di uno dei più importanti istituti d'istruzione superiore di Roma. Presentazione di Anna Paola Sabatini. Prefazione di Claudia Scipioni.

L'idea della mostra 'Una doppia moltitudine', progettata per gli spazi dell'Istituto, è quella di far emergere il dialogo fra i due artisti mediante una scelta fondata su un certo numero di opere affini formalmente e poeticamente e di opere site specific, realizzate appositamente per gli spazi dell'Istituto di Studi Romani che saranno prescelti. La mostra è curata da Marco Rinaldi e Claudio Zambianchi, autori anche dei testi in catalogo. Marina Bindella e Roberto Piloni sono due artisti che conducono entrambi, con mezzi espressivi diversi, una ricerca attenta e costante, affine anche per l'inclinazione verso un linguaggio astratto, il cui problema centrale è la luce: la ricerca di Bindella e Piloni si concentra sul rapporto fra il segno e il supporto, fra il bianco della carta e il nero della traccia segnica; entrambi lavorano sul ritmo, sulle reiterazioni e sulle variazioni, a partire dal microcosmo dei segni, sino a coinvolgere l'immagine intera. Si avvertono nei due artisti - più o meno lontanamente (e spesso ironicamente) - ricordi del mondo naturale intuibili nell'alternarsi di stasi e movimento, aggregazione e rarefazione, suggestive variazioni di luce e ombra.