«1966-1977. Compendium of publications» è un'antologia di libri sezionati in un lasso temporale che raccoglie eventi rivoluzionari in pubblicazioni inedite e particolari. La selezione unisce il libro d'artista raro al volume di nicchia, alla rivista politica, al catalogo d'arte, alla pubblicazione tecnica o ideologica a tiratura industriale. L'inizio (1966) è segnato dalla rivista olandese Provo e segue un percorso fotografico che esplora copertine, aperture e dettagli: il Vietnam, LSD, cultura Hippie e psichedelia, il '68 francese, le scene alternative, l'utopia e la cibernetica, la conquista dello spazio, la primavera di Praga, Woodstock, musica e sex liberation, superarchitettura ed Archigram, Black Panther e la stampa libera ed attivista, lo spazio dell'immagine colta e quella popolare del rotocalco, l'arte e il concetto, editoria politica in tabloid e almanacchi, visione ed azioni dell'arte, dal libro rosso di Mao a The Mark Spitz Complete Book of Swimming, l'avvento del VHS, il modernismo e la pratica critica, e, per chiudere, la ricerca della distruzione Punk (1977).

«'Water Tanks Mathare' è un progetto iniziato nel 2012 sul sistema di distribuzione dell'acqua nei ghetti della capitale kenyana. Mathare Valley è un ghetto dove vivono circa 600.000 persone. Nasce come un agglomerato di insediamenti informali sorti in un'area che in origine era la grande cava da cui veniva estratta la pietra per costruire la downtown di Nairobi. L'acqua non è gratuita e la sua vendita viene appaltata a privati che la rivendono a prezzo maggiorato secondo gli andamenti del libero mercato e della situazione della rete idrica. Il tema è centrale nel racconto della geopolitca dei ghetti e le casette di cemento, fotografate come tipologie similari tra loro, sono il punto terminale dei tubi dell'acqua portata nel ghetto dalla città. Ho lavorato su elementi che nel caos del paesaggio urbano del ghetto si ripetono come punti fermi di una geografia perennemente in trasformazione e ho creato un catalogo che si concretizza nelle pagine di un quaderno di scuola che ho sempre portato con me».

Una sequenza notturna di fotografie compone una visione misteriosa e frammentata di superfici che non riusciamo a riconoscere con precisione. Ci troviamo nel sito neolitico di Carnac, in Bretagna. Diventa possibile trovarci nelle profondità oceaniche, affianco a noi una balena ci mostra segni e cicatrici di una remota esistenza in spazi marini bui e sconosciuti. Un evento notturno, è un nuovo passo dell'autore nel suo personale museo del mondo e della sua esperienza.

Le 42 fotografie di uova, posate e altri oggetti, raccolte in 7 tavole, sono Polaroid scattate negli ultimi anni a oggetti che trovo in casa o che raccolgo in strada. Appaiono sul tavolo, poi tornano a essere quello che erano. I brevi testi sono frammenti di libri divulgativi, residui di pagine tagliate per comporre altri testi. Alessandra Spranzi lavora fotografando, rifotogrando, raccogliendo, tagliando, indicando, cancellando. Interviene quando le immagini e le cose si allontanano dal loro uso e diventano, per così dire, inconsapevoli di sé, delle proprie possibilità e della propria bellezza.

Nata nel 1931, titolare dal 1965 della storica Galleria Milano, che dirige tutt'oggi, in questo ricco memoir Carla Pellegrini racconta la sua vita intensa, percorsa da incontri, da viaggi e da riflessioni. Essa a un certo punto coincide con quella della sua galleria, che negli anni ha esposto, spesso in anticipo sui tempi, i lavori di tanti importanti artisti contemporanei: dagli esponenti della Pop inglese nel 1966 alla Body Art più radicale in una mostra curata da una giovane Lea Vergine nel 1969, e poi una programmazione che ha spaziato in ogni direzione, dalla fotografia d'avanguardia al design, dalla cultura popolare a ricerche antropologiche, dall'amata arte tedesca al cinema sperimentale fino a mostre dettate da un chiaro impegno politico. A legare ambiti così diversi sono il gusto e la curiosità di Carla, ma soprattutto la sua vera motivazione: conoscere persone particolari. L'arte è un ambito ricco di persone che hanno caratteri o comportamenti singolari, fuori dalla normalità omologata, l'evocazione dei quali disegna una storia tutta da sovrapporre come un disegno su lucido trasparente a quella che troppo velocemente diamo per stabilita.

Il libro 'I Cappotti' illustra le dodici opere su carta realizzate dal maestro Jannis Kounellis in collaborazione con la Stamperia d'arte Albicocco di Udine. Le opere, realizzate con la tecnica del carborundum, sono accompagnate da un testo critico del Prof. Roberto Budassi e da una testimonianza dello stampatore Gianluca Albicocco. L'edizione, nel formato e nella scelta della carta, dà pieno risalto ai 12 capolavori del maestro dell'Arte Povera, veri protagonisti di questo libro; se ne vuole esaltare la grande qualità tecnico/artistica invitando ed invogliando, chi lo sfoglia, ad avvicinarsi alle opere originali. Non meno importante è il punto di vista di chi, queste opere, le ha viste nascere assieme all'artista. I testi dello stampatore Gianluca Albicocco e del professore Roberto Budassi, danno ampia testimonianza di quello che è stato il procedimento tecnico nella realizzazione delle opere e del coinvolgimento emotivo durante le ore di lavoro nello studio di Kounellis. L'edizione, a cura di a+mbookstore edizioni, di Milano, è stampata in 400 esemplari.

Ideato e concepito da Lutz & Guggisberg in occasione del progetto il giardino presso la Collezione Maramotti, il libro include tutte le opere in mostra e altre non esposte, insieme a una ricca panoramica sull'allestimento. Le opere, fotografie con interventi pittorici e agglomerati di oggetti di recupero, rimandano alla visione post apocalittica di un paesaggio, a un momento in cui, dopo la catastrofe, la Natura si riappropria del suo spazio. Con rigorosa ironia Lutz & Guggisberg generano una dimensione altra, forse utopica, che è propria di ogni processo artistico. Nel testo sulla mostra l'antropologo e geografo Matteo Meschiari, partendo dal mito di Atlantide, riflette su distruzione e creazione e sul potere salvifico dell'immaginazione.

S'infittisce l'album di famiglia di 'Cavallino-Treporti Fotografia', con una nona edizione che continua ad allungare il pentagramma di una composizione ormai riconoscibile, proprio dalle sue continue variatio. 'The shape of water vanishes in water' di Marina Caneve punta questa lingua di sabbia ed erba, tenuta quasi in custodia dall'Adriatico e la laguna veneziana e svela un nuovo lembo di questa terra di mezzo, che sempre è il paesaggio di Cavallino Treporti ma allo stesso modo il periodo dell'adolescenza. In 'The shape of water vanishes in water' si alternano i volti dei giovani che abitano Cavallino Treporti e quelli dei giovani di passaggio, condotti alle coste dall'estate. Coste di sabbia e meduse riverse, pontili, serre lucide, bagnate dai canali, siepi, alberi e palme ben piantate nei giardini o messe in vasi fuori dalle chiese. Le viste dall'alto, realizzate da quegli straordinari punti di osservazione che sono le torri telemetriche, vagliano il territorio con distacco, ne controllano lo stato e la forma dell'acqua svanisce nell'acqua, come un totale inglobato dalla somma delle sue parti.

'Blue Dust' è un progetto fotografico che mette in relazione un paesaggio specifico e il lavoro che lo modifica. Il paesaggio antropizzato è quello del deserto del Bahrain e il lavoro è quello degli operai di un'acciaieria. Il progetto comprende una sequenza di fotografie del deserto, che contiene una serie di ritratti a figura intera, e quattro testi indipendenti dalle immagini. Il deserto fotografato è il luogo dove i cittadini autoctoni del Bahrain trascorrono giornate di festa e di riposo per ritrovare le loro antiche origini nomadi. Il deserto è anche il luogo di passaggio di tubi di gas naturale o petrolio e di tralicci dell'alta tensione che modificano e accentuano l'orografia del territorio. Gli uomini ritratti sono immigrati che vivono per migliorare la loro condizione e quella della famiglia di origine. Essi costruiscono con il loro lavoro gli oggetti della modificazione del paesaggio del deserto. Il cortocircuito fra paesaggio e lavoro in 'Blue Dust' è generativo di un aspetto della costruzione della società contemporanea.

Catalogo edito in occasione della mostra 'Giulio Paolini. Fine', a cura di Bettina Della Casa. Galleria Christian Stein, Milano, 10 novembre 2016 - 29 aprile 2017.

'Queste opere sono piccole boe indicatrici, a volte di salvataggio, lungo un percorso fluttuante che copre un lasso di tempo di una trentina d'anni. Un percorso all'insegna dello squilibrio stilistico, tra vari punti di vista e svariati punti di fuga; dove la forma sfiorita, sbocciata da germogli spaiati, anziché convogliata in concimate fronde, propone foglie e frutti diversamente percepiti. Riflessi di piccole idee, sulla condizione umana, sui rapporti sociali, su quelli storico artistici, su quelli tecnico pratici; con una netta avversione agli schemi di potere, soprattutto quelli celati nell'odierna spettacolarizzazione. Percorso dove la materia, sofisticata e non, assieme al pensiero elaborata, si scambia di ruolo da senso compiuto a decoro. E viceversa. Scombinando la frase fatta e quella carpita, la semplice annotazione e il registro complesso del flusso temporale. Per il resto, come si sa, c'è un po' di tutto.'

I ritratti della popolazione di Lentini (Sicilia), provenienti dall'archivio del fotografo Franco Lanteri, sono l'equivalente delle moderne fototessere per documenti. Scatti eseguiti tra il 1972 e il 1980, eseguiti con banco ottico su negativi di formato 6x9, richiedevano tempi di realizzazione lunghi anche alcuni giorni. Le fotografie valide all'epoca per fini amministrativi, anche se prive di un'intenzione progettuale, oggi sono diventate un affresco corale capace di restituire un clima, un periodo storico. Il loro valore pratico è diventato culturale, estetico.

Gli animali come presenze che seguono, precedono, aspettano, condizionano, spiano. La loro apparizione può essere uno specchio che misura la distanza e delinea un legame, indifferente, morboso o dipendente che sia. È un rapporto quotidiano e costante che li trasforma in cibo o in dedizione idolatrante. Gli animali come assenze che riempiono, intuiscono, assediano, prevedono e urlano agli altri che ci siamo, che siamo arrivati fino a lì.

Genda è una rivista dedicata al rapporto tra cultura occidentale e cultura orientale. Genda numero zero è dedicata al paesaggio come abbandono; alla visione di quello che resta quando finisce una strada, si interrompe un percorso o un'azione e ci si ritrova in una condizione di empasse, voluta, cercata, costruita, a volte pianificata in serie. Genda nasce da un equivoco, è la storpiatura occidentale di Zhenda, parola di uso molto comune in Cina che significa - Davvero? - è anche il nome del fiore preferito dalla cultura induista per celebrare i suoi riti e le sue feste. Genda è contenitore di materiali accidentali, compressi, distanti e pericolosamente simili. La sua struttura simmetrica separa i due àmbiti, e nella rilegatura li ricompone e ridistribuisce. Scontri e incontri sono il risultato della distanza solo apparente di mondi in avvicinamento. Genda è indipendente ed è un oggetto, non è disciplinare, constata l'esistenza e la presenza di cose e accadimenti nel mondo, ha a che fare con l'esperienza.

'Untitled (band)' 2013 di Richard Prince (Canal Zone, Panama, 1949). La pubblicazione è la raccolta delle immagini del lavoro murale con cui l'artista americano rende omaggio alla galleria che lo ha portato per la prima volta in Italia nel 1988 e con la quale ha avuto fin da allora un rapporto di grande stima e amicizia. Band è un'opera realizzata con una serie di elastici neri che delineano una sorta di costellazione immaginaria; l'artista prende spunto dagli stereotipi di certa arte minimal degli anni '70, per poi divagare ironicamente sul significato del fare arte oggi.

Conversazioni notturne, confidenze, svelano le fatiche quotidiane, i momenti difficili, le riflessioni sui movimenti artistici, gli avvenimenti politici, sulle scelte personali cruciali, raccontate da artisti contemporanei senza lirismo ed enfasi. Ventisette autori dai quali Concetta Modica ha ascoltato i racconti, riportando l'immediatezza delle parole e lasciando al lettore la possibilità di scoprirli e individuarli uno ad uno. Riesci a riconoscerli? Il loro pensiero è il primo lavoro che puoi scoprire e osservare. Con questo libro si può giocare, come si fa spesso nei musei, ad indovinare il nome dell'artista prima di leggere la didascalia. Testi di: Stefano Arienti, Marion Baruch, Stefano Boccalini, Anna Valeria Borsari, Vincenzo Cabiati, Marco Cingolani, Ermanno Cristini, Enzo Cucchi, Mario Dellavedova, Gabriele Di Matteo, Alberto Garutti, Marco Gastini, Emilio Isgrò, Francesco Lauretta, Corrado Levi , Luigi Mainolfi, Giuseppe Maraniello, Amedeo Martegani, Chijoko Miura, Giulio Paolini, Luca Pancrazzi, Alessandra Spranzi, Alessandra Tortarolo, Franco Vaccari, Grazia Varisco, Vedovamazzei, Gilberto Zorio.

'Privata Vanitas', nato in occasione dell'omonima mostra alla Galleria Bianconi di Milano, si pone l'ambizioso obiettivo di accompagnare il lettore nella scoperta dell'universo artistico di Luigi Presicce. Oltre al ricco apparato fotografico sono fondamentali in questo viaggio i contributi critici di Andrew Berardini e Caroline Corbetta. Il critico americano riesce a ricreare attraverso un vortice di parole e sollecitazioni il mondo e le suggestioni di quello studio/wunderkammer che lo stesso artista definisce 'la sua seconda mente'. Caroline Corbetta utilizza, invece, lo strumento dell'intervista per svelare e raccontare, in una sorta di diario intimo, la storia e il percorso artistico di Presicce. Interamente ideato e realizzato da Luigi Presicce in collaborazione con AUT e Niccolò Mazzoni, il libro edito da a+mbookstore, è corredato da un poster che propone un dettaglio della performance 'L'invenzione del busto' (2013).

'La collezione di Lucia e Silvio Arcelloni permette di ammirare la squisita bellezza di queste piccole statuine di terracotta, mingqi, spesso dipinte con pigmenti minerali su ingobbio bianco o invetriate a tre colori, che offrono una viva rappresentazione dei costumi sotto la dinastia Tang (618-907), uno dei momenti più importanti della antica storia cinese. È un mondo in cui non valgono solo gli uomini - politici o guerrieri o letterati confuciani impiegati dell'impero - ma anche le sovrane come le concubine, le belle fanciulle che nascondono l'ambizione nella loro perfezione di porcellana, partecipano in prima persona ai cambi, anche violenti, di potere. Allora la dama di corte vale quanto la danzatrice, oppure la giocatrice di polo piuttosto che la suonatrice: dietro queste piccole forme squisite si intravede un mondo di grande raffinatezza e cultura, uno dei grandi periodi dell'arte classica cinese. Un mondo remoto - fissato nell'immobilità di queste delicate statuette - in cui fioriscono anche i poeti: Li Po e Du Fu, forse i massimi poeti classici dell'epoca Tang.' (Dall'introduzione di Laura Novati)

Realizzato in occasione del progetto espositivo 'Twelve, wood, dolphin, knife, bowl, mask, crystal, bones and marble - fusion. Exploring materials' alla Collezione Maramotti (17 febbraio - 31 luglio 2013), questo libro d'artista viene consegnato nelle mani del visitatore come una mappa della mostra, ma non solo. Scrive Antufiev in prefazione al libro: 'Anche quando la mostra sarà chiusa io spero che non perda la sua attualità perché questo libro è un artefatto. È una parte di me, della mia vita. Leggere questo libro non è semplice e mi dispiace per questo: ringrazio tutti quelli che vorranno farlo. Non concentrarsi su un solo testo perché ogni testo è connesso con gli altri e ha un senso in questa relazione. Ho preparato un piccolo schema che può aiutarvi a collegarli. Ho messo poi alcune note nel libro per chiarire meglio parole e concetti a persone che non vivono nel mio paese'. Il volume contiene un ricco regesto iconografico: selezione di opere di Antufiev, fotografie scattate dall'artista, immagini di regesto ai testi.

Non si compiono quarant'anni tutti i giorni. Per questo Massimo Minini ha scelto di festeggiare il compleanno di una delle più importanti gallerie italiane, aprendo le porte della sua storia, raccontando il suo sogno in 464 pagine. Una raccolta di lettere, cartoline, telegrammi, fotografie, disegni, inviti delle tante mostre e avventure inventate dal 1973 ad oggi. Alighiero Boetti, Daniel Buren, Carla Accardi, André Cadere, Luciano Fabro, Giulio Paolini, Sol LeWitt, Hans-Peter Feldmann, Lugi Ghirri, Maurizio Cattelan, Anish Kapoor sono solo alcuni dei grandi nomi che arricchiscono questo viaggio, svelando l'arte dal Concettuale all'Arte Povera, dal Minimalismo alle nuove tendenze d'oggi. Le parole di Massimo Minini accompagnano alla scoperta del suo quarantennale lavoro: 'Un mestiere molto particolare che ci concede, ogni tanto, il piacere di trovarci là dove nascono le idee... Scoprire talenti è un piacere, una scommessa, un azzardo, una lotteria, un dovere, un bisogno, un sogno, un atto di coraggio, una promessa.'