Il quarto e ultimo volume del progetto fotografico ed editoriale Canova. Quattro Tempi, dedicato ai gessi di Antonio Canova conservati presso la Gypsotheca di Possagno, prosegue l'indagine sulla forma imperfetta del gesso: opere che con i loro repères (i chiodini che permettevano di riprodurre il gesso in marmo) sono espressione del genio in divenire. Luigi Spina avvicina in modo del tutto nuovo le opere, dai soggetti mitologici ai volti dei committenti, da Dedalo e Icaro, capolavoro della giovinezza, fino all'Adone incoronato da Venere, incompiuto e mai tradotto in marmo. L'eterno confronto fra la scultura di Ettore in posa dinamica e Aiace in procinto di estrarre la spada. La sensualità di Venere che si svela uscendo dalle acque. Infine il volume getta uno sguardo sulla committenza: la scultura del principino Heryk Lubominski nelle vesti di amorino con arco e faretra e la scultura della principessa Leopoldina Esterhàzy Liechtenstein. Nella mente dello scultore domina il modello classico simbolo di armonia e perfezione.

Il volume che accompagna la sesta Biennale de l'Art Brut (Losanna dicembre 2023- aprile 2024) ci invita a riflettere sul modo in cui il volto può essere compreso dal punto di vista della sua funzione di mediatore della comunicazione attraverso lo sguardo. Conosciamo tutti la potenza contenuta nell'incontro degli occhi nonché la dimensione fondante dello sguardo nel ridare dignità, attraverso la cura, a ogni Uomo. Ma il volto può essere considerato anche dal punto di vista della sua essenza opposta, rivelando e nascondendo allo stesso tempo sentimenti e affetti, pensieri e preoccupazioni... Nell'ambito dell'Art Brut questa esplorazione assume una dimensione singolare: la presentazione di opere il cui contenuto figurativo propone l'incontro con questa parte inalienabile dell'umanità. Questi volti, il cui tono attento, interrogativo, comunicativo, assente o vuoto, ritratto o in ricerca, riflette un modo di rapportarsi al mondo, interrogano il nostro stesso incontro con l'umano. Prefazione di Sarah Lombardi.

Il quarto e ultimo volume del progetto fotografico ed editoriale 'Canova. Quattro Tempi', dedicato ai gessi di Antonio Canova conservati presso la Gypsotheca di Possagno, prosegue l'indagine sulla forma imperfetta del gesso: opere che con i loro repères (i chiodini che permettevano di riprodurre il gesso in marmo) sono espressione del genio in divenire. Luigi Spina avvicina in modo del tutto nuovo le opere, dai soggetti mitologici ai volti dei committenti, da Dedalo e Icaro, capolavoro della giovinezza, fino all'Adone incoronato da Venere, incompiuto e mai tradotto in marmo. L'eterno confronto fra la scultura di Ettore in posa dinamica e Aiace in procinto di estrarre la spada. La sensualità di Venere che si svela uscendo dalle acque. Infine il volume getta uno sguardo sulla committenza: la scultura del principino Heryk Lubominski nelle vesti di amorino con arco e faretra e la scultura della principessa Leopoldina Esterhàzy Liechtenstein. Nella mente dello scultore domina il modello classico simbolo di armonia e perfezione.

Chi è quest'artista anglo-americana nata a Londra nel 1960 di cui Keith Haring ha detto in una delle sue interviste: 'Quando sono arrivato a New York, ho passato tutto il mio tempo alla School of Visual Arts. Tutto era nuovo ed eccitante. Avevo 20 anni. Nella mia classe di disegno, fui subito colpito da una ragazza di nome Samantha McEwen'. Samantha ricorda: 'Si sedette di fronte a me e mi disse: 'Posso disegnarti'? 'Chi è quest'artista che ha fatto da modella per Francesco Clemente e Alex Katz? Negli anni Ottanta, è stata una delle rare donne a esporre due volte nella storica galleria di Tony Shafrazi e ha partecipato a collettive con i principali artisti di quel decennio. Eppure, ci sono pochissimi testi sul suo lavoro; i critici d'arte erano principalmente uomini che scrivevano di uomini... Paradossalmente, l'immagine di Samantha McEwen ricorreva più spesso sulle riviste glamour di quegli anni. Finché, dal 2010, il suo lavoro è tornato finalmente alla ribalta. Questo libro - in versione bilingue, inglese e francese - fa rivivere la vita romanzesca di Samantha McEwen nel contesto unico della New York anni Ottanta e ripercorre la sua opera da allora fino a oggi.

Questa pubblicazione monografica dedicata a Magalí Herrera (1914-1992) svela per la prima volta l'ampio corpus di opere dell'artista di origine uruguaiana, presente negli archivi della Collection de l'Art Brut. Nel 1967 Magalí Herrera inizia una corrispondenza con Jean Dubuffet, che inserisce i suoi disegni nel patrimonio della Compagnie de l'Art Brut di Parigi. Per diversi anni i due intrattengono un rapporto epistolare nel quale Magalí Herrera si impegna intensamente. Per questo motivo, alla sua morte, affidò al marito il compito di donare i suoi disegni e il suo archivio personale alla Collection de l'Art Brut.

Figura di spicco della nouvelle vague francese degli anni '80, Philippe Decouflé è un vero e proprio pioniere nel panorama coreografico francese. La sua fama ha varcato i confini nazionali, rendendolo una star apprezzata a livello internazionale. Decouflé si distingue per la sua versatilità e l'incessante ricerca artistica. Le sue creazioni, a cavallo tra danza, cinema e spettacolo, danno vita a mondi fantastici e giocosi, sempre in continua evoluzione. Elemento fondamentale dell'universo creativo di Decouflé è il costume di scena. Egli collabora strettamente con costumisti di fama, elevando il costume a vero e proprio protagonista delle sue opere, dove spettacolo e moda si intrecciano indissolubilmente. Dalle coreografie per la cerimonia di apertura dei Giochi Olimpici invernali di Albertville (1992) - oggi custodite dal Centre National du Costume de Scène (CNCS) di Moulins - alle collaborazioni con il Cirque du Soleil, il libro e la mostra ad esso collegata ci accompagnano in un viaggio immersivo tra le mille sfaccettature di questo artista visionario. La mostra 'Planète(s) Decouflé' al Centre National du Costume et de la Scène di Moulins dal 25 maggio al 3 novembre 2024, è un evento ufficiale dei Giochi olimpici di Parigi 2024.

Nato nel 1899 in un piccolo villaggio sulle rive della Zêzere, uno dei fiumi più selvaggi del Portogallo, Jaime Fernandes crebbe in un paesaggio bucolico, si sposò e vide crescere i suoi cinque figli. Poi, a 38 anni, fu internato in manicomio a Lisbona. Oggi è considerato il più importante esponente portoghese dell'Art Brut. Ha lasciato una novantina di disegni la cui crudezza - spesso figure antropomorfe o zoomorfe - colpisce al primo sguardo. Alla ricerca dei propri ricordi, Jaime scoprì il gusto per l'immaginario, per il sogno, per la fantasia e per la creazione. Morì a Lisbona nel 1969.

In occasione delle celebrazioni per il 60° anniversario delle relazioni diplomatiche tra la Svizzera e la Corea del Sud, questo libro, catalogo dell'omonima mostra alla Fondation Baur di Ginevra, in versione bilingue francese ed inglese, offre una visione unica del lavoro di due artisti coreani contemporanei, Ji-Young Demol Park e Lee Lee Nam, e della loro rappresentazione del paesaggio, in particolare della montagna. L'evocazione della natura si snoda attraverso i legami intessuti nei secoli tra culture e oggetti, materiali, colori e motivi. Ceramiche decorate color giada e pino, linee d'orizzonte azzurrate con ossido di cobalto, porcellane con rivestimenti bianchi come la neve o la luna, riecheggiano nell'opera dei due artisti, i cui sguardi si incrociano e si riflettono nei paesaggi del grande pittore Jeong Seon (1676-1759). Ma ciò che unisce le montagne bagnate dall'inchiostro di Ji-Young Demol Park e i paesaggi virtuali di Lee Lee Nam, nonostante le loro differenze, è sia l'originalità del loro rapporto con questo patrimonio sia la forza dei rispettivi universi, orientati verso un certo reincanto della natura. Come Jeong Seon, il pittore delle 'vedute autentiche' e delle Montagne di Diamante, i due artisti si interrogano e combinano costantemente un vasto corpus artistico che si estende ben oltre la loro Corea natale, trasformando la loro interpretazione delle montagne in un mezzo di meditazione, un legame rivelatore con la bellezza del mondo, passato e presente.

Il volume è un esame a più voci, interdisciplinare, della cultura Baga della Guinea e, in particolare della rappresentazione della masquerade del serpente all'interno di tale cultura. Questa pubblicazione si presenta inoltre come la più ampia ricerca sul rapporto tra etno-zoologia e arte e rituale in Africa. Il testo inizia con un'esplorazione approfondita delle prove etnologiche e storico-artistiche della masquerade del serpente tra i Baga della Guinea durante la quale un'enorme figura di serpente in legno che rappresenta un pitone viene portata sulla testa. Mai vista o fotografata da un estraneo, tale ritualità è scomparsa negli anni Cinquanta insieme alla maggior parte delle performance quale conseguenza dei rigidi divieti nei confronti delle religioni indigene imposti dalla jihad islamica. L'approfondimento del contesto rituale è seguito da un'analisi approfondita delle figure di serpente Baga oggi presenti in collezioni in Europa, nelle Americhe e in Africa, nonché delle altre rappresentazioni del pitone nell'arte rituale della regione.

Art of the Cameroon Grasslands ci rivela la creatività artistica di una regione dell'Africa occidentale attraverso la Collezione Weis. Con testi di Peter Weis e Bettina von Lintig e un contributo di Michael Oehrl il volume offre una panoramica completa dell'arte delle 'Grasslands' del Camerun. A differenza di molte altre regioni africane, le opere degli artisti dei gruppi etnici che popolano questo territorio si contraddistinguono per la loro grande diversità, il dinamismo, il movimento, l'asimmetria, la forza e persino una selvaggia libertà espressiva. Per secoli, regni e sovrani di questa regione hanno gareggiato per creare nuove opere d'arte o perfezionare stili ereditati. Questi manufatti avevano scopi culturali, profani e rappresentativi, riflettendo le strutture sociali e di governo delle 'Grasslands' - aspetti approfonditi nei saggi e nelle descrizioni del libro. La collezione Weis include manufatti di uso quotidiano, opere d'arte popolare, oggetti rituali e di culto come figure magiche o commemorative, maschere, pali, porte di palazzi, oggetti rappresentativi, strumenti musicali, pipe e corni usati per bere. L'introduzione affronta aspetti importanti dello sviluppo culturale e artistico di ogni regione di provenienza degli oggetti, anche nel contesto della colonizzazione europea. Data la peculiare collocazione geografica di questo territorio, all'interno di un'area culturale più ampia, nel volume vengono inoltre presentati oggetti provenienti da gruppi etnici vicini, mettendo in luce connessioni e scambi artistici secolari.

Il vivente e l'aldilà nell'arte dell'umanità. La collezione di Ludovic Donnadieu, frutto di vent'anni di appassionata ricerca, riunisce oggetti antichi provenienti da ogni angolo del pianeta, espressione di culture secolari, conosciute e meno conosciute. Attraversando cinque continenti, gli oggetti selezionati nel libro offrono una panoramica equilibrata tra diverse aree geografiche e periodi storici, dall'VIII millennio a.C. all'inizio del XX secolo. Nonostante le loro dimensioni contenute - la maggior parte delle opere non supera i 20 centimetri - questi 'tesori in miniatura' emanano un fascino irresistibile e suscitano emozioni profonde. La fragilità si contrappone alla forza espressiva, il piccolo racchiude la grandezza e ogni dettaglio racconta una storia universale. Questa selezione unica al mondo, che comprende 99 opere che coprono un periodo dall'VIII millennio a.C. fino agli inizi del XX secolo, è stata realizzata secondo rigorosi criteri di autenticità, qualità estetica ed equilibrio, sia tra i soggetti rappresentati sia tra i diversi materiali, forme e funzioni. Presentarla al pubblico significa celebrare la ricchezza e la diversità delle culture umane in un mondo minacciato dall'omologazione. Un monito a custodire la bellezza dei piccoli formati e la necessità di proteggere ciò che è fragile.

Il titolo di questa monografia, La main des autres (La mano degli altri), coglie perfettamente l'essenza del lavoro di Emmanuel Babled, designer francese che ha fatto della collaborazione con maestri artigiani in tutto il mondo la sua cifra stilistica. Il testo ci accompagna in un viaggio alla scoperta del suo percorso creativo, dagli esordi come designer industriale alla scelta di dedicarsi alla creazione di pezzi unici e preziosi, frutto di un connubio tra il suo talento progettuale e la sapienza artigianale di culture diverse. Babled, ispirandosi al grande Ettore Sottsass, abbandona presto l'idea della produzione in serie per abbracciare un approccio più autentico e rispettoso delle tradizioni. I suoi oggetti, realizzati in collaborazione con artigiani custodi di saperi secolari, racchiudono in sé la storia e la cultura dei luoghi di produzione. Attraverso un design fuori dagli schemi e l'utilizzo di tecnologie all'avanguardia, Babled reinterpreta antichi mestieri e dona nuova vita a materiali preziosi come il marmo e il vetro, creando edizioni limitate che si rifanno a un vero e proprio patrimonio immateriale. Il volume è un omaggio a Emmanuel Babled e alla sua visione del design come strumento di dialogo interculturale e di valorizzazione delle tradizioni. Un testo ricco di spunti di riflessione e di immagini suggestive, che ci invita a riscoprire il valore inestimabile dell'artigianato e il suo ruolo fondamentale nel preservare la diversità culturale.

Questo libro accompagna la mostra 'Helen McNicoll. An Impressionist Journey (Un viaggio impressionista)' al Musée National des Beaux-Arts du Québec, incentrandosi sulla figura di questa straordinaria artista canadese (1879-1915). In un'epoca in cui le donne erano spesso relegate alla sfera domestica, Helen McNicoll si distinse per il suo spirito libero e la sua passione per i viaggi. La pittura 'en plein air' divenne la sua musa, permettendole di catturare la luce e l'atmosfera dei luoghi che esplorava. I suoi soggetti preferiti erano scene di vita quotidiana, spesso con un'enfasi particolare sul lavoro femminile, offrendo una prospettiva unica rispetto agli impressionisti per lo più maschili dell'epoca. La mostra presenta oltre 60 opere di McNicoll, provenienti da diverse collezioni, tra cui 25 dalla collezione Pierre Lassonde. Attraverso le opere esposte, il catalogo esplora temi come l'indipendenza femminile, il coraggio, l'amicizia e la libertà, inserendoli nel contesto del movimento suffragista inglese. Questo volume offre un'occasione preziosa per riscoprire un'artista che ha sfidato le convenzioni del suo tempo e ha lasciato un'impronta indelebile nel panorama artistico canadese.

L'Outsider Art a Cuba, una visione dell'arte fuori dalle convenzioni Questo volume accompagna la mostra 'Art Brut CUBA' a cura della Collection de l'Art Brut di Losanna e presenta saggi di autori cubani e di altri esperti, riproduzioni di opere e lettere inedite dagli archivi della Collezione. La mostra rappresenta un viaggio alla scoperta dell'Outsider Art a Cuba a più di quarant'anni dalla prima esposizione, nata dal desiderio di Jean Dubuffet di riunire alla Collection de l'Art Brut opere di autodidatti cubani provenienti dalla collezione dell'amico Samuel Feijóo, curatore della mostra del 1983. Cuba, con la sua natura insulare, la sua storia e il suo territorio a lungo isolato per ragioni politiche ed economiche, rappresenta un terreno fertile per la nascita di creazioni artistiche al di fuori delle influenze artistiche tradizionali. La mostra si articola in due sezioni: la prima presenta opere storiche del Gruppo Signos, fondato da Samuel Feijóo alla fine degli anni Sessanta per promuovere la cultura popolare cubana attraverso l'espressione grafica; la seconda propone opere di artisti Outsider contemporanei rappresentati dal Riera Studio. La maggior parte delle opere esposte e realizzata con materiali di recupero - cartone da imballaggio, carta da giornale, rottami metallici, rifiuti riciclati - o naturali, come legno e fibra di juta. Le opere riflettono le esperienze personali degli artisti, le realtà economiche, sociali e politiche del loro Paese, i loro mondi interiori e le loro ossessioni. Offrono una visione alternativa e autentica di Cuba, lontana dall'immaginari

'Ritratti ri-velati' di Volker Hermes, ci invita a un viaggio affascinante attraverso l'arte del ritratto, esplorando i confini tra identità e maschere sociali. L'artista tedesco realizza collage fotografici basati su ritratti storici, nascondendo i volti dei soggetti con maschere, tessuti o parrucche elaborate. L'intrigante peculiarità di queste opere risiede nell'utilizzo esclusivo di elementi già presenti nei dipinti originali: nessuna aggiunta viene effettuata, solo una sapiente manipolazione di ciò che già esiste. Nell'intervento dell'artista, i volti scompaiono dietro la maschera, celando l'individualità e riconducendo l'attenzione verso i simboli di status e le convenzioni sociali dell'epoca. Hermes ci invita a riflettere su come il nostro sguardo contemporaneo, estraneo ai codici vestimentari del passato, percepisce queste immagini. La maschera diviene metafora della difficoltà di cogliere l'essenza di un individuo al di là delle apparenze e dei ruoli sociali. Nella sezione finale del libro Hermes rivela le immagini originali accompagnandole da brevi didascalie informative. L'opera di Hermes non si limita a una semplice manipolazione estetica, ma diventa occasione di profonda riflessione sul ruolo dell'arte come strumento di rappresentazione e sul complesso rapporto tra immagine e identità. 'Ritratti ri-velati' ci stimola a riconsiderare il nostro sguardo sui ritratti del passato, invitandoci a interrogarci sul significato intrinseco di queste opere e sul potere che esse hanno di plasmare la nostra percezione della storia e della società.

L'inestimabile leggerezza dei tessuti. Nel centenario del suo unico viaggio in Giappone, nel 1924, Alfred Baur, fondatore del Musée des Arts d'Extrême-Orient a Ginevra, rimase incantato dalla poesia effimera delle 'immagini del mondo fluttuante' (ukiyo-e). Questo incontro ha ispirato la mostra e il libro omonimo, che celebrano il 160° anniversario delle relazioni diplomatiche tra Svizzera e Giappone. L'opera di Uehara Michiko, virtuosa tessitrice di Okinawa, incarna la ricerca della leggerezza in chiave estetica e concettuale. Nel suo atelier inondato dal sole subtropicale, Uehara crea tessuti sublimi con fili sottili come 'l'ala della libellula' (akezuba in lingua okinawese). Il rapporto simbiotico di Uehara con le fibre di seta e la natura si traduce in un'arte tessile definita come 'aria tessuta', un viaggio etereo e ritmato che trascende i confini e si connette con il mondo vivente. Il libro esplora il parallelismo tra la ricerca di Uehara e quella dell'esploratore svizzero Bertrand Piccard. Il suo aereo solare, simile a una libellula gigante, incarna l'unione di resistenza e leggerezza, tessendo un'armoniosa traiettoria tra umanità, terra e cielo. Lighter than Air è un'opera ricca di spunti di riflessione sull'arte, la natura, la tradizione e il dialogo interculturale. Un viaggio affascinante, attraverso la bellezza effimera delle stampe giapponesi e la maestria tessile di Uehara Michiko. Mostra: Fondation Baur, Musée des Arts d'Extrême-Orient, Ginevra dal 30 ottobre 2024 al 2 febbraio 2025. Testi di: Laure Schwartz-Arenales; Bertrand Piccard; Uehara Michiko; Shukuko V

Il volume, primo di due, raccoglie un centinaio di tavole tratte dai diari di Fabienne Verdier: collage, disegni e testi si succedono, sovrappongono, si fanno eco e mettono in evidenza il processo creativo dell'artista. Tali taccuini infatti sono stati composti da Fabienne Verdier negli ultimi cinque anni (2017-2022) in parallelo alla sua attività pittorica, ed è per questo che ne raccolgono stimoli, idee da sviluppare, riflessioni, senza dimenticare il suo continuo dialogo con opere di altri artisti, scrittori, scienziati. Il libro, a cura di Alexandre Vanautgaerden, è stato concepito come una proposta aperta che permette una lettura altra della storia dell'arte a partire dall'analogia, aspetto quest'ultimo che consente di rinnovare il nostro sguardo sulla natura. I testi sono stati sì trascritti ma anche ampliati con commenti dell'artista stessa.

Enzo Cucchi è uno dei grandi maestri che hanno caratterizzato la storia dell'arte italiana, e ancora oggi il suo nome spicca tra quelli degli artisti più prolifici e innovativi della scena contemporanea, tanto da essere diventato punto di riferimento per la giovane generazione artistica. La sua produzione artistica si avvale di linguaggi espressivi eterogenei: segni, simboli, tecniche miste, ma anche pittura di grande formato, versi trascritti rapidamente su un foglio di carta, immagini monumentali e parole... tutti elementi che lo riconducono alla nuova concezione di fare arte nonché alla centralità dell'artista emersa tra la fine degli anni Settanta e l'inizio degli Ottanta. Il volume, che accompagna la mostra 'Enzo Cucchi. Il poeta e il mago' in calendario da maggio a novembre 2023 presso il Museo MAXXI di Roma, mette in luce la personalità libera dell'artista che trova il cardine della sua ricerca nella poesia e nella parola scritta e che, attraverso una varietà estrema di mezzi espressivi, supera la concezione di un unico linguaggio attraverso il quale raccontare e rappresentare il presente. Le opere dell'artista non seguiranno un ordine cronologico ma saranno raggruppate per nuclei tematici e assonanze: si avrà dunque modo di approfondire la produzione di ceramiche, piccoli bronzi, le grafiche, i disegni nonché i libri d'artista.

La narrazione fotografica del lungomare di New York realizzata da Sophie Fenwick muove dal desiderio di creare un archivio visuale di un paesaggio tanto inusuale quanto suggestivo della Grande Mela. Il linguaggio fotografico viene utilizzato, attraverso scatti in bianco e nero e a colori, per tracciare la memoria di una trasformazione, e per esprimere l'urgenza di una documentazione che da bisogno personale diviene, in queste pagine, universale. L'invito al viaggio di cui si fa portavoce Fenwick è una poesia visiva ritmata da scatti che hanno tutte le potenzialità di divenire vere e proprie icone. Le immagini del Waterfront di New York si presentano come inedite tanto che il volume si presenta come un progetto editoriale unico nel suo genere: l'aspetto iconografico trova uno spazio di approfondimento e dialogo nell'intervista che Pauline Vermare fa a Sophie Fenwick, e uno spazio letterario nella poesia di Fenwick, nata durante il periodo pandemico, che accompagna lo storytelling visivo.

Albrecht Dürer, Rembrandt, Piranesi, Tiepolo, Palezieux, Morandi e Corot sono solo alcuni dei grandi nomi che compaiono tra le pagine di questo volume che accompagna la mostra presso il Museo Marmottan Monet di Parigi, in calendario dai primi di luglio 2023. Le opere presentate nel libro sono veri e propri capolavori realizzati con la tecnica dell'incisione e dell'eliografia. E le loro riproduzioni consentono di ripercorrere la storia dell'incisione, dalle prime realizzate su legno del XV secolo alle invenzioni più libere del XX secolo, tra le quali compaiono addirittura artisti outsider. La narrazione visiva non si ancora ad un percorso cronologico: Florian Rodari, curatore della pubblicazione, si è posto infatti l'obiettivo di far emergere le affinità che legano maestri antichi e artisti moderni, e questo è possibile solo perseguendo un accostamento libero e sensibile. Lontano dall'idea di confronti e gerarchie, questo volume ci ricorda come le interrogazioni formali e le ambizioni tecniche trascendono il tempo della storia dell'arte. Prefazione di Èrik Desmazières.

Il terzo volume del progetto editoriale Canova. Quattro Tempi dedicato ai gessi di Antonio Canova conservati presso la Gypsotheca di Possagno si apre con una delle più celebri opere dell'artista a livello internazionale, ossia il gruppo scultoreo delle Tre Grazie, nel quale le tre figlie di Zeus, Aglaia, Eufrosine e Talia si stringono in un delicato abbraccio. La ricerca fotografica di Luigi Spina, accompagnata da un testo introduttivo a firma di Vittorio Sgarbi, si sofferma tuttavia su altri capolavori i cui chiodini in bronzo ci sollecitano a una riflessione mai paga sull'iter lavorativo del grande scultore neoclassico. Troviamo dunque il ritratto a figura intera di George Washington, raffigurato come un condottiero romano, unica opera che Canova realizzò per una committenza Oltreoceano, e quello di Elisa Baciocchi Bonaparte - una delle donne più importanti e intraprendenti della stirpe napoleonide - raffigurata come Musa Polimnia. Lo sguardo di Spina si sofferma poi sulla Danzatrice con le mani sui fianchi, scolpita per l'imperatrice Joséphine de Beauharnais, sulla Venere Italica, dove emerge lo studio di Canova non solo della Venere de' Medici, ma anche di capolavori quali la Venere Capitolina e la Venere Callipigia, e infine sulla Ninfa dormiente. Prefazione di Domenico Antonio Pallavicino.

Il terzo volume del progetto editoriale 'Canova. Quattro Tempi' dedicato ai gessi di Antonio Canova conservati presso la Gypsotheca di Possagno si apre con una delle più celebri opere dell'artista a livello internazionale, ossia il gruppo scultoreo delle 'Tre Grazie', nel quale le tre figlie di Zeus, Aglaia, Eufrosine e Talia si stringono in un delicato abbraccio. La ricerca fotografica di Luigi Spina, accompagnata da un testo introduttivo a firma di Vittorio Sgarbi, si sofferma tuttavia su altri capolavori i cui chiodini in bronzo ci sollecitano a una riflessione mai paga sull'iter lavorativo del grande scultore neoclassico. Troviamo dunque il ritratto a figura intera di George Washington, raffigurato come un condottiero romano, unica opera che Canova realizzò per una committenza Oltreoceano, e quello di Elisa Baciocchi Bonaparte - una delle donne più importanti e intraprendenti della stirpe napoleonide - raffigurata come Musa Polimnia. Lo sguardo di Spina si sofferma poi sulla 'Danzatrice' con le mani sui fianchi, scolpita per l'imperatrice Joséphine de Beauharnais, sulla 'Venere Italica', dove emerge lo studio di Canova non solo della Venere de' Medici, ma anche di capolavori quali la 'Venere Capitolina' e la 'Venere Callipigia', e infine sulla 'Ninfa dormiente'. Prefazione di Domenico Antonio Pallavicino.

Il volume, ideato e curato dall'artista italo-svizzera Vivianne van Singer, è un omaggio a Luciano Fabro, artista e teorico, noto per essere tra i primi fondatori del movimento dell'Arte Povera. Van Singer, che ne ha amato l'opera e ha collaborato con lui in occasioni didattiche presso la scuola in cui lei insegnava, riflette sulla prematura scomparsa di Fabro e decide di onorarne il lavoro raccogliendo qui testi, immagini, opere degli artisti, critici, direttori di musei, protagonisti del mondo dell'arte e amici dell'artista che hanno risposto al suo invito dando vita a una sorta di convivio; il loro contributo ha preso di volta in volta la forma di un testo, un'immagine, un'opera, una frase o una parola: un modo per ciascuno di dare forma a quello che si può chiamare un 'Passage de Témoins'. Questo libro è dunque il risultato di un desiderio di van Singer: riunire attorno al pensiero di Fabro quello che oggi è ancora vivo e presente, che permette di portare avanti i gesti, la cultura e il cammino da lui iniziato. Qui sono illustrate anche numerose opere dell'artista e raccolti alcuni suoi scritti e conferenze che van Singer ritiene siano tuttora di grande attualità, poiché rileggendoli li ha trovati premonitori. Introduzione di Antonella Trotta.

Il terzo volume del progetto editoriale 'Canova. Quattro Tempi' dedicato ai gessi di Antonio Canova conservati presso la Gypsotheca di Possagno si apre con una delle più celebri opere dell'artista a livello internazionale, ossia il gruppo scultoreo delle 'Tre Grazie', nel quale le tre figlie di Zeus, Aglaia, Eufrosine e Talia si stringono in un delicato abbraccio. La ricerca fotografica di Luigi Spina, accompagnata da un testo introduttivo a firma di Vittorio Sgarbi, si sofferma tuttavia su altri capolavori i cui chiodini in bronzo ci sollecitano a una riflessione mai paga sull'iter lavorativo del grande scultore neoclassico. Troviamo dunque il ritratto a figura intera di George Washington, raffigurato come un condottiero romano, unica opera che Canova realizzò per una committenza Oltreoceano, e quello di Elisa Baciocchi Bonaparte - una delle donne più importanti e intraprendenti della stirpe napoleonide - raffigurata come Musa Polimnia. Lo sguardo di Spina si sofferma poi sulla 'Danzatrice' con le mani sui fianchi, scolpita per l'imperatrice Joséphine de Beauharnais, sulla 'Venere Italica', dove emerge lo studio di Canova non solo della Venere de' Medici, ma anche di capolavori quali la 'Venere Capitolina' e la 'Venere Callipigia', e infine sulla 'Ninfa dormiente'. Prefazione di Domenico Antonio Pallavicino.

Gli oltre duecento oggetti illustrati in questo volume, molti dei quali realizzati prima di qualsiasi contatto con l'Occidente, sono accompagnati da schede descrittive bilingue (inglese/francese) che ne mettono in luce le peculiarità e la rilevanza nel panorama delle arti africane. La collezione di bronzi dell'Africa occidentale di Arnold Syrop, architetto di professione e collezionista per istinto, raccoglie straordinarie opere bronzee in gran parte inedite. Tali oggetti hanno spesso una 'natura spirituale' poiché vennero creati con un intento protettivo e con l'idea di infondere forza al proprietario.

Questo volume costituisce l'esordio editoriale di Patricio Reig, fotografo ispano-argentino residente a Milano, e ne mette in luce un tema per lui fondamentale quale il ritratto di donna. Attraverso la sua fotografia spiega il sottile equilibrio del suo immaginario femminile: il verso come l'ovvio, il rovescio come la sua contrapposizione. Così, un volto e la nuca, il dietro e il davanti, la luce e l'ombra si incontrano per dar vita alla magia di un ritratto. Patricio Reig stampa e fissa le sue immagini su carte speciali provenienti dall'Oriente, piegate e ripiegate, e infine oggetto di un bagno di caffè e iposolfito di sodio. Il risultato raggiunto lo affascina fin dai primi esperimenti: le macchie di caffè accidentali diventano cicatrici che connotano ciascuna fotografia e, di conseguenza, ognuna delle storie raccontate. Come egli stesso afferma 'un ritratto non è una registrazione unica dell'identità, ma è la stratificazione di molti altri elementi. Per tanto, l'immagine può anche essere segmentata, ricucita e persino piegata, senza perdere la sua essenza'.

Il libro, pubblicato in occasione della mostra Michel Nedjar, mette in luce la vasta opera di questo autore, le cui opere sono entrate nella Collection de l'Art Brut grazie a Jean Dubuffet, nel 1981. La produzione artistica di Nedjar inizia nel 1969, dopo aver visto la riproduzione di un disegno di Aloïse Corbaz in un'enciclopedia sulla pittura. Fu in quell'occasione che decise di diventare un artista autodidatta. Tra la sua produzione, che abbraccia quasi cinquant'anni ed è particolarmente interessante per la sua ricchezza e diversità, vi sono le bambole della serie 'Chairdâmes', realizzate a partire dal 1978 utilizzando stracci, materiali riciclati imbevuti di tintura, fango e talvolta sangue. Sfogliando il volume, il lettore scoprirà disegni a matita, gesso, acrilico e cera. Ma è la stoffa, lo straccio, in yiddish 'shmattès', il cuore della sua attività creativa e della sua vita. Essendo un sarto di professione, come lo era suo padre, usa lo 'shmattès' e l'ago. È il caso, ad esempio, della serie delle 'Bambole cucite' e, più recentemente, della serie degli 'Oggetti cuciti' o 'Cucire', composizioni di immagini stampate, volantini di ogni tipo, fotografie e imballaggi che raccoglie, assembla e cuce su tessuto o carta.

Un viaggio all'interno delle abitazioni di Pompei grazie alla ricerca fotografica realizzata da Luigi Spina in accordo con il Parco Archeologico. Il lettore, guidato dall'occhio del fotografo, percorrerà le nove regioni della città romana e scoprirà angoli inediti, così come la varietà dei pavimenti musivi, le geometrie e i colori dei mosaici, la bellezza delle pitture parietali. L'elemento naturale fa capolino con cespugli, alberi, cieli più o meno nuvolosi e, in qualche scatto, con il temibile vulcano. Pompei è stata immortalata, sempre, in una condizione di luce naturale, aspetto quest'ultimo che consente di guardare gli interni pompeiani in tutte le ore del giorno, e cogliendo il passare delle stagioni. Prefazione Gabriel Zuchtriegel.

Questo volume è la prima monografia dedicata al lavoro del fotografo Joël Denot. Le fotografie di Joel Denot sfuggono allo sguardo e alla classificazione: non sono né figurative né astratte, ma fanno contemporaneamente parte di un pensiero pittorico. Superfici colorate che fluttuano nel vuoto, incorniciandosi l'un l'altra e proiettando ombre di colori sovrapposti. Una successione di piani che fluttuano nel vuoto colorato che li circonda. Talvolta entrano in gioco anche altre forme, come quella di un corpo che appare in uno spazio apparentemente etereo: è quello dell'artista che inizia a lavorare.

Un viaggio all'interno delle abitazioni di Pompei grazie alla ricerca fotografica realizzata da Luigi Spina in accordo con il Parco Archeologico. Il lettore, guidato dall'occhio del fotografo, percorrerà le nove regioni della città romana e scoprirà angoli inediti, così come la varietà dei pavimenti musivi, le geometrie e i colori dei mosaici, la bellezza delle pitture parietali. L'elemento naturale fa capolino con cespugli, alberi, cieli più o meno nuvolosi e, in qualche scatto, con il temibile vulcano. Pompei è stata immortalata, sempre, in una condizione di luce naturale, aspetto quest'ultimo che consente di guardare gli interni pompeiani in tutte le ore del giorno, e cogliendo il passare delle stagioni. Prefazione Gabriel Zuchtriegel.