Frutto di oltre quattordici anni di lavoro dell'Archivio Schifano, il catalogo ragionato dell'opera pittorica di Mario Schifano (1934-1998) rappresenta la prima e l'unica pubblicazione scientifica autorizzata dalla S.I.A.E. e riconosciuta dagli Eredi e dall'Archivio che possa rappresentare il catalogo generale sulle opere del Maestro. Questo primo volume presenta le opere realizzate dall'artista dal 1960 al 1969 e comprende oltre 1600 immagini e fotografie in gran parte inedite provenienti dall'archivio privato di Mario Schifano, e da tutti i più accreditati archivi che riguardano quegli anni, come l'Archivio Ugo Mulas, Camilla and Earl McGrath Foundation, Franco Angeli, Elisabetta Catalano, Antonio Dondero, Uliano Lucas, Joanne Baskin Elkin, Franco Pinna, Patrizia Ruspoli, Plinio De Martiis, Claudio Abate, Renato Gozzano, Giulia Niccolai. Oltre ad essere un catalogo ragionato costruito scientificamente secondo i più stretti canoni archivistici, la pubblicazione - soprattutto nel tomo I - ricostruisce non solo l'opera dell'artista, ma la sua vita, e l'atmosfera internazionale che a Roma si riuniva attorno a lui. Fotografie di ambiente, di azioni, di performance, accanto a foto private con i personaggi conosciuti e frequentati nel corso di quegli anni - come il poeta Frank O'Hara, Andy Warhol, i Rolling Stones, Anita Pallenberg, Marianne Faithfull, Alberto Moravia, Dacia Maraini, Sandro Penna - contribuiscono a rendere completo, ricco e piacevole l'excursus attraverso il decennio, quando nascono le serie dei cosiddetti Monocromi, gli Esso e le Coca Cola, i Paesaggi anemici,

'Esposito con le sue opere costruisce o evidenzia la presenza di 'luoghi' al contempo significativi e nascosti, visibili soltanto da chi - come l'artista - è animato dalla necessità di trovarli e di trovarsi. Non si tratta di spazi dove è accaduto qualcosa o particolarmente belli, ma di luoghi dove - alla maniera di Heidegger- abita il 'senso del luogo', sia in origine, sia per le esperienze personali che ne accrescono la valenza segreta e la potenzialità vitale: luoghi d'elezione, da condividere perciò con chi si può definire 'eletto'. Se un oggetto, un segno, un'indicazione, una piccola anomalia, la traccia di un gesto in una situazione variata rispetto alla norma, diventa visibile, ecco il sintomo della comunione di intenti, l'iniziazione, l'elezione di chi vede.'

Giunto alla terza edizione, il concorso 'Second Life: tutto torna', promosso da Alia Servizi Ambientali SpA e che ha come focus l'arte e la sostenibilità, si conferma un contest di primo piano per i giovani artisti. Come già intuito nelle precedenti edizioni, i temi ambientalisti, ecologisti e del cambiamento climatico sono centrali nella riflessione delle generazioni più giovani. Nelle opere proposte, infatti, questi temi si manifestano con prepotenza, anche nelle opere in cui il soggetto non è immediatamente identificabile come attinente al leitmotiv del concorso ma a una più generale e allargata 'difficoltà di vivere' in un mondo in evidente sofferenza climatica, generata anche da un'eccessiva produzione. Le trenta opere selezionate, di cui tre vincitrici e tre insignite di una menzione speciale, sono realizzate con una ampia ricchezza di strumenti: dai più tradizionali a quelli considerati ancora nuovi (quale il video) a significare come la tematica possa essere affrontata in modo diverso e personalissimo ma con il comune denominatore di farsi denuncia della deriva consumistica odierna.

Pablo Atchugarry (Montevideo, 1954) è un artista che trasforma la materia in un dialogo tra forma e spiritualità. Le sue sculture, caratterizzate da linee fluide e superfici levigate, esplorano la tensione tra corpo e spirito, rendendo visibile l'invisibile. La sua opera pittorica si distingue per l'uso di colori vibranti e composizioni astratte, in cui la materia cromatica sembra fluttuare e interagire con la luce, creando un senso di movimento e profondità che riflette lo stesso approccio meditativo delle sue sculture. Il Catalogo Generale raccoglie per la prima volta sistematicamente le oltre 800 opere realizzate tra il 1974 e il 2024, offrendo una panoramica completa sul suo percorso creativo con un inedito e ricco apparato iconografico. Attraverso varie tecniche artistiche, dai disegni fino alle ceramiche, passando dai dipinti astratti, Atchugarry ci invita a riflettere sulla condizione umana e sull'eterna ricerca di equilibrio e armonia, portandoci a esplorare la connessione tra il tangibile e il trascendentale. Edizione con copertina cartonata e confanetto rigido. Testi trilingue italiano/inglese/spagnolo.

Il Catalogo generale delle sculture di Gio' Pomodoro (Orciano di Pesaro, 1930 - Milano, 2002) rappresenta la più aggiornata e completa pubblicazione sull'intera produzione plastica del maestro. Il Catalogo include più di 3000 opere scultoree realizzate nel periodo 1955-2002 e registrate dall'Archivio Gio' Pomodoro nel corso di una minuziosa e attenta attività di ricerca, analisi e mappatura durata vent'anni. Iniziata sotto la guida di Luciano Caramel e continuata con l'attuale presidente Marco Meneguzzo, la raccolta dei dati - a cura dell'Archivio con la direzione esecutiva di Rossella Farinotti - è ora diventata strumento di informazione, documentazione e studio rivolto agli addetti ai lavori, ai collezionisti e agli appassionati. Tutta la produzione dell'artista, dalle opere più piccole - con la sola esclusione dei gioelli - alle più grandi installazioni pubbliche, è qui presentata cronologicamente, corredata da una scheda completa di riferimenti bibliografici ed espositivi, oltre che delle singole immagini. La mole del lavoro e la precisa scelta editoriale dell'Archivio ha suddiviso l'opera in due volumi distinti. Il primo è una vera e propria monografia sull'artista, con testi inediti di Marco Meneguzzo, degli eredi Bruto Pomodoro, Antonietta Ferraris ed Emilio Mazza, e una ricca galleria fotografica di opere scelte. Il secondo volume costituisce invece il catalogo vero e proprio delle opere, con una serie di apparati scientifici e uno scritto programmatico dell'artista, volto a far comprendere le motivazioni personali e le conseguenti scelte tecniche che lo hanno spint

Cosa distingue - se lo distingue - un vaso 'italiano' nell'infinita produzione di vasi? Il vaso è un oggetto domestico, e al contempo un oggetto che si presta alle interpretazioni più varie, dove i designer italiani si sono distinti per originalità e riconoscibilità (per tacere dell'originaria 'sostenibilità' dell'oggetto-vaso, solitamente realizzato nei materiali più ecologici, come la terra o la silice del vetro). '100 vasi di design italiano' intende analizzare e dare una risposta possibile al concetto di 'stile' italiano, cimentandosi con una delle tipologie più comuni e longeve. Materiali, forme, tradizione e invenzione si dipanano di fronte al lettore pagina dopo pagina, accompagnandolo a cercare un senso alla sfida insita nel titolo: la scelta comprende vasi - tendenzialmente tutti entrati in produzione, anche in piccola e piccolissima serie - degli ultimi cento anni, da Galileo Chini a Fabio Novembre, passando per la grande stagione che va dagli anni trenta ai settanta del secolo scorso: Tobia e Carlo Scarpa, Ettore Sottsass, Enzo Mari.

Il volume ripercorre la poliedrica produzione artistica, editoriale, di design di Bruno Munari (Milano, 24 ottobre 1907 - Milano, 29 settembre 1998) uno dei grandi protagonisti del XX secolo. Il volume presenta i contributi fondamentali di Munari nei diversi campi dell'espressione visiva (pittura, scultura, cinematografia, disegno industriale, grafica) e non visiva (scrittura, poesia, didattica) con dei focus sul tema del movimento, della luce e dello sviluppo della creatività e della fantasia nell'infanzia attraverso il gioco. L'opera di Munari è contestualizzata all'interno degli ambienti artistici e culturali in cui operava: dal secondo futurismo agli anni del boom economico in cui nasce la figura dell'artista operatore-visivo che esce dall'atelier e dialoga con le aziende e contribuisce attivamente alla rinascita industriale italiana del dopoguerra. Il volume accompagna la mostra alla Fondazione Magnani-Rocca che prosegue la sua ricerca sull'opera degli artisti del XX secolo.

Questo volume costituisce idealmente la testimonianza della terza tappa di una imprevedibile sequenza di esposizioni, nata con 'Divulgare', su volontà del mecenate Ovidio Jacorossi e curata da Achille Bonito Oliva al Palazzo delle Esposizioni di Roma nel 1990, e continuata con 'I fuochi dell'arte e le sue reliquie', curata dallo stesso Bonito Oliva presso l'Auditorium di Roma nel 2008, dopo che un incendio nel 1992 aveva danneggiato più o meno gravemente l'intero ciclo di opere Divulgare. Molto tempo è passato dalla prima uscita, e molte cose sono mutate: l'incendio, la morte dell'artista e dello stesso collezionista, la nuova mostra in cui sembrava che il fuoco diventasse co-autore, i concetti sulla durata dell'arte e i problemi sulla durata fisica dell'opera che hanno mutato i modi e le reazioni di chi oggi guarda questi lavori. È una riprova dell'immortalità dell'arte, anche quando sparisce? Forse sì, ma una visione troppo romantica rischia di compromettere l'analisi dei sentimenti contrastanti che simili episodi provocano a proposito della percezione dell'arte. È su questo che si incentra il saggio del curatore Marco Meneguzzo, oltre che sulla straordinaria ultima stagione di Mario Schifano.

Giunge alla seconda edizione il concorso 'Second Life: tutto torna', il contest su arte e sostenibilità promosso da Alia Servizi Ambientali SpA, l'azienda che gestisce il ciclo ambientale in Toscana, nelle province di Firenze, Prato, Pistoia. E si tratta di un consolidamento delle ottime impressioni avute in occasione della prima edizione: partecipazione entusiasta da ogni angolo del paese. Una prima giuria ha dovuto scegliere tra centinaia di partecipanti le trenta opere migliori, tra cui poi sono stati eletti i tre vincitori. Anche questa volta i partecipanti hanno mostrato di vivere con profonda partecipazione personale la questione ambientale, in una dimensione intimista che privilegia il rapporto con ci. che usualmente . 'invisibile', perché scartato, gettato via, utilizzato automaticamente, o anche semplicemente tanto piccolo da essere considerato da tutti 'insignificante'. Il volume illustra le trenta opere finaliste, e rappresenta una prova evidente dell'ottimo stato in cui la creatività e ricerca artistica tra i giovani riescono a fiorire anche di fronte a temi complessi.

«'Second Life: tutto torna' è un concorso dedicato alle opere di giovani artisti che scelgono di interrogare la loro vena creativa in merito al rapporto con la Sostenibilità, uno dei valori di massima attenzione del nostro tempo. Declinata in campo ambientale, sociale ed economico, è l'obiettivo a cui l'Agenda Onu 2030 assegna un imperativo profondo: 'Soddisfare i bisogni della generazione presente senza compromettere quelli della generazione futura'. Sono circa cento gli artisti italiani, tutti al di sotto dei ventinove anni di età, che si sono misurati su questa visione. Una qualificata giuria composta dai rappresentanti delle principali istituzioni culturali toscane ha curato la selezione di trenta opere, esposte in questa mostra itinerante che invita tutti noi a riflettere sull'importanza dei nostri gesti quotidiani per il rispetto dell'ambiente e per dare una seconda vita alla materia, osservando la regola delle 4R: Riduzione, Riutilizzo, Riciclo, Recupero.» (dalla presentazione di Giuseppe Meduri)

«Codici a confronto: l'antico e la contemporaneità in un paragone che è sempre affascinante, perché crea una specie di cortocircuito temporale che consente di attraversare i millenni grazie ai codici dell'arte, che tra le loro categorie hanno anche quella dell'atemporalità. [...] David Simpson assomiglia nel lavoro a questa infinita ripetizione (con varianti continue), il cui fine è anche quello di rivelare l'infinità del modus operandi che si è scelto. Come una specie di invito a un'eternità possibile che, nel confronto con il codice decorativo dell'ignoto operaio romano, dimostra di poter arrivare comodamente a duemila anni.» (Marco Meneguzzo)

Eccentrica e trasgressiva, Carol Rama (1918-2015) è stata un'artista ammirata dalla critica e dai più grandi intellettuali del Novecento. Il volume propone una selezione di opere cui si affiancano le fotografie dell'artista Bepi Ghiotti, dalla serie 'Inside Carol Rama', e gli scatti in bianco e nero di Roberto Goffi, dalla serie La Casa di Carol, realizzata utilizzando l'obiettivo di una vecchia macchina fotografica a soffietto degli anni trenta.

Il volume, a cura di Marco Meneguzzo, presenta un'ampia selezione di opere di Ivan Theimer (Olomouc, 1944), scultore fuggito in Francia nel 1968 e oggi diviso per lavoro tra Parigi e Pietrasanta. Noto soprattutto per la sua capacità di ideare monumenti pubblici di forte emotività - il più importante dei quali realizzato a Parigi, in Champ de Mars, a memoria del bicentenario della Dichiarazione dei Diritti dell'Uomo -, Theimer parte da un repertorio simbolico e figurativo che affonda le proprie radici nella storia dell'arte antica e negli archetipi dell'umanità, operando con modi, materiali e modelli opposti al costume artistico vigente, quello della Modernità. Le numerose illustrazioni a corredo del volume sono arricchite dalle fotografie di Aurelio Amendola, a testimoniare la formidabile capacità impattante delle opere di Theimer realizzate negli ultimi due decenni in varie città e piazze di Italia.

Una grande mostra a Palazzo Reale rende omaggio all'artista uruguaiano con un'esposizione spettacolare delle sue sculture Pablo Atchugarry (1954), uruguaiano con origini italiane, è oggi uno degli scultori più affermati in campo internazionale, e da molti anni ha eletto la Lombardia come luogo di ispirazione e di produzione. È dunque naturale che Milano lo ricompensi con una grande rassegna delle opere degli ultimi vent'anni, dopo le personali italiane a Genova a Palazzo Ducale, a Roma e a Pietrasanta, luoghi fondanti della scultura storica e tradizionale, e quelle negli ultimi anni nel mondo al Groeningen Museum di Bruges, nella moderna Singapore nel 2018, a Ginevra e Miami nel 2020. Noto in Europa e in America - anzi, nelle Americhe - l'artista uruguaiano ha scelto Lecco e le sue montagne per costruire il suo lavoro e diffonderlo nel mondo. La sua Fondazione, aperta a Miami, non solo contribuisce alla sua fama, ma realizza mostre temporanee per far conoscere il mondo artistico, in special modo quello sudamericano, in uno spirito di solidarietà davvero fuori dal comune. Il senso 'moderno' della sua scultura, nel senso che si potrebbe attribuire alla 'tradizione del nuovo', incarna perfettamente il gusto internazionale che lo ha ripagato con un lento, crescente e inarrestabile successo. La mostra andrà in scena a Palazzo Reale di Milano dal 26 ottobre di quest'anno, con il nucleo centrale nella bellissima Sala delle Cariatidi, il luogo scelto, nel 1953, da Picasso per esporre Guernica dopo il Metropolitan di New York. Le opere esposte saranno allestite nella maggior parte i

Frutto di un lungo lavoro di catalogazione, archiviazione e documentazione di autenticità delle opere realizzate da Marcello Morandini dal 1964 al 2018, il 'Catalogo ragionato' costituisce il primo progetto editoriale della Fondazione Marcello Morandini, nata nel 2016 per volontà dello stesso artista e grazie al generoso contributo di due importanti collezionisti, il cui sogno era di vedere realizzato uno spazio espositivo aperto, accessibile e inclusivo, in cui fossero valorizzate le sue opere. Per completezza e scientificità, il 'Catalogo ragionato' traccia in modo inequivocabile il percorso artistico di Marcello Morandini, divenendo uno strumento essenziale e aggiornato di conoscenza della sua opera. Il volume si apre con un testo critico del curatore Marco Meneguzzo e un saggio di Serge Lemoine, storico dell'arte francese che da sempre segue il percorso artistico di Morandini, e comprende un'antologia critica di testi che hanno accompagnato le moltissime mostre in cui l'artista ha esposto le sue ricerche e i suoi studi sul movimento nello spazio - torsione, tensione, espansione, sovrapposizione - tradotti nel mondo della geometria attraverso l'utilizzo di un linguaggio bidimensionale e tridimensionale, con la certezza della matematica. La sezione dedicata alla catalogazione è il cuore del volume e presenta ciascuna opera attraverso una documentazione fotografica e una scheda tecnica e bibliografico-espositiva. La scelta curatoriale ha optato per una divisione del corpus in decenni, all'interno dei quali sono elencati, in ordine cronologico, opere, disegni, multipli e pr

Il volume celebra la pittura di Sergio Vacchi (1925 -2016), uno degli artisti più autonomi e originali del secondo dopoguerra. Famosissimo negli anni cinquanta e sessanta, l'artista di origine bolognese ha elaborato una pittura di grande e grandissimo formato, secondo una personale e suggestiva concezione del mondo che lo circondava. Procedendo per cicli pittorici - il Concilio, Federico II, Galileo, Perché il pianeta, Leonardo, Proust, Greta Garbo - la sua visione ha spaziato soprattutto nel campo della profezia sulle sorti future dell'umanità in rapporto al pianeta: visioni cupe e desolate, ma non prive di ironia, mescolate a una simbologia contemporanea tutta da interpretare. Il volume riunisce le opere più significative, nonché alcuni inediti, che conducono nell'universo visionario, ma allo stesso tempo profetico, dell'artista.

Attraverso un nucleo di opere selezionate dalle collezioni Intesa Sanpaolo, il volume analizza con occhio contemporaneo un periodo cruciale della vita artistica e culturale italiana. 'Italia moderna' infatti ripercorre i trent'anni che vanno dalla fine della seconda guerra ai cosiddetti 'Anni di piombo' come un grande e articolato affresco in cui le esperienze artistiche sono lo specchio dell'evoluzione sociale e comportamentale degli italiani. Per questo, il curatore Marco Meneguzzo ha suddiviso in sette macrosezioni il periodo, secondo categorie interpretative diverse da quelle tradizionalmente adottate per la storia dell'arte contemporanea.

Le opere a specchio dell'artista svizzero Christian Megert (nato nel 1936 a Berna) sono capaci di creare spazi indefiniti dalle dimensioni inedite attraverso il gioco di infiniti movimenti e riflessi, ombre che si gettano sulle pareti o sul pavimento nella creazione di una frammentazione ricostruita in una nuova unità. 'Voglio costruire un nuovo spazio, uno spazio senza inizio e senza fine, dove ogni cosa vive ed è invitata a vivere, uno spazio allo stesso tempo tranquillo e rumoroso, immobile e mobile. Voglio che sia alto, alto quanto lo desidero, e basso quanto lo desidero. Deve essere soprattutto accessibile, la sua area può essere piccola o grande come una città, un paese o anche un pensiero. Cercate di trovare uno spazio senza un inizio e senza una fine e senza limiti. Se tenete uno specchio sollevato di fronte a un altro specchio, potete trovare uno spazio di infinite possibilità, un nuovo spazio metafisico.' (Christian Megert)

La pratica del disegno in Fausto Melotti è fondamentale, perché costituisce il filo conduttore ininterrotto di tutta la sua attività artistica, dagli anni venti agli anni ottanta del XX secolo. L'occasione per focalizzare in questo libro l'attenzione sul disegno di Melotti è data dalla recentissima acquisizione da parte della famiglia Tonelli di un gruppo di venti fogli molto omogeneo: ben diciassette di questi sono stati utilizzati per accompagnare la pubblicazione dei due quaderni di aforismi dell'artista - titolati 'Linee' (1975 e 1978) - pubblicati da Adelphi. Il volume, curato da Marco Meneguzzo, fornisce a collezionisti, studiosi e appassionati uno strumento storico-critico, basato sull'analisi di questo gruppo e sulla comparazione con altri disegni e sculture, alla ricerca di temi e stilemi sia comuni sia peculiari a entrambi, sino a diventare uno studio, per certi aspetti sistematico, sul disegno dell'artista.

La figura di Agostino Bonalumi è fondamentale nella storia dell'arte italiana del secondo dopoguerra. Insieme ai suoi sodali Piero Manzoni ed Enrico Castellani - tutti ideali seguaci di Lucio Fontana - ha rinnovato il concetto di spazio artistico, ampliandone il campo d'azione grazie all'uso di estroflessioni rispetto alla superficie pittorica, e a forme che, proiettandosi nello spazio dal piano tradizionale della tela, hanno concretizzato la fuoriuscita dal 'quadro' e l'invenzione di una sorta di 'pittura-oggetto'. Il risultato - le cui prime prove risalgono al 1959 - è una pittura che non rappresenta lo spazio, ma lo presenta nella sua estensione, pur senza rinunciare alla dimensione disciplinare dell'arte. Questo volume, curato da Marco Meneguzzo, testimonia l'importanza del percorso di Bonalumi, fermo negli intenti teorici attraverso sessant'anni di cultura visiva italiana e internazionale, e disponibile al cambiamento, purché rispondente in maniera etica alla relazione tra idee e mondo, tra assoluti ideali e realtà tangibile, fisica, tattile, come si addice a un vero pittore.

Terzo Quaderno del Grifo. L'opera dedicata all'Orto di Gibo, Angelo Gilberto Perlotto, artista del ferro.

Catalogo della mostra personale di un protagonista del rinnovamento nella pittura italiana degli anni '70. Una corrente artistica in seguito definita «pittura analitica». Nel catalogo con prefazione di Marco Meneguzzo sono illustrate e confrontate le opere realizzate da Cecchini tra il 1972 e 1975 della serie «Trittici» con i recenti lavori del 2015/2017 della serie su tela delle «Foto-Tracce».

Il volume offre una raccolta dell'attività di Ugo La Pietra (1938), figura vulcanica, poliedrica e difficilmente collocabile nel panorama artistico: il suo campo di indagine non si è limitato a una singola disciplina, ma ne ha volutamente attraversate molte, contribuendo a quella ibridazione dei linguaggi che costituisce la nuova frontiera nel nuovo millennio. Il volume accoglie un saggio di Marco Meneguzzo che ripercorre le tappe della ricerca dell'artista, mentre Emma Zanella offre una riflessione sulle azioni/opere che La Pietra ha sviluppato dagli anni settanta a oggi, sullo spazio urbano. Completano il volume un'intervista e apparati biografici.