"Nella mia pittura le forme sono sempre mutevoli, la loro stessa collocazione nello spazio cambia, questa inquietudine di pensiero e di spirito è ciò che in un certo senso rende 'vive' le mie opere e le tiene in movimento [Lawrence Carroll]. A tre anni dalla sua scomparsa, il Madre di Napoli ha dedicato la prima grande retrospettiva museale a Lawrence Carroll. Carroll considerava i suoi lavori presenze fisiche che abitano gli spazi e che incontrano l'osservatore, entrandoci in dialogo. Ogni sua realizzazione mantiene l'imperfezione connaturata all'essere umano, il proprio necessario "ancoraggio al mondo". Realizzata in collaborazione con Lucy Jones Carroll per l'Archivio Lawrence Carroll, a cura di Gianfranco Maraniello, la mostra ha messo in luce il percorso originale di un protagonista della scena artistica nordamericana e internazionale: 80 opere realizzate nel corso di oltre trent'anni di carriera [dal 1985 al 2019], documentate ora con grande respiro grafico in un 'libro d'artista' che privilegia le relazioni delle opere con lo spazio e con i sentimenti. Un 'libro d'artista' di grande formato e respiro grafico ripercorre oltre trent'anni di carriera [dal 1985 al 2019] di un protagonista della scena artistica nordamericana e internazionale: 80 opere esposte nel 2022 nella grande rassegna monografica organizzata al Museo Madre nel 2022.

Armando Testa è forse il più importante e conosciuto pubblicitario italiano del secolo scorso. Ha saputo costruire un universo di immagini che, grazie all'ironia e all'incisiva forza comunicativa, sono diventate parte dell'immaginario collettivo. Il volume ci restituisce la capacità visionaria e l'universo visivo del grande artista: Testa applica al lavoro di creazione una sorta di strategia umoristica, una radicale anarchia creativa che lo porta ad appropriarsi, in maniera assolutamente libera, di stilemi, segni e riferimenti iconografici, riassemblati con una volontaria assenza di sistematicità dalla storia dell'arte, passando da John Cage a De Chirico, da Duchamp a Malevic, con un'inventiva propria dei grandi comunicatori e dei veri creativi. Le sue campagne e le sue immagini sono diventate delle vere e proprie icone del nostro tempo e il volume restituisce la ricchezza e la profondità del processo di elaborazione.

Incentrata sugli esiti delle ricerche post-minimaliste e organiche, l'esposizione documenta l'attenzione dei linguaggi contemporanei per le proprietà espressive della materia. Lo fa esplorando alcuni dei suoi valori più intimi: l'inconsistenza della luce nelle opere di Ettore Spalletti e Larry Bell, la concretezza della ghisa e del cemento nei lavori di Roni Horn e Hubert Kiecol, la fisicità della cera nelle sculture di Lawrence Carroll, la spiritualità della foglia d'oro nell'opera di Jan Vercruysse, l'apparente fragilità della natura nelle composizioni di Christiane Löhr. Il percorso è scandito dalle parole di Giuseppe Panza, i cui scritti accompagnano il visitatore nella scoperta delle opere e degli artisti presenti nella raccolta. La mostra è concepita in dialogo con l'allestimento permanente del Mart, dove trovano oggi posto i lavori minimalisti e concettuali provenienti dalla Collezione Panza.

Dopo le mostre personali di Giuseppe Penone e Robert Morris, la stagione espositiva del Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, propone un ambizioso progetto dedicato all'opera di Eliseo Mattiacci. In un ideale passaggio di testimone fra artisti della medesima generazione, il progetto prosegue la ricognizione sull'origine e sulle forme della scultura contemporanea. Aperta al pubblico dal 2 dicembre 2016 al 12 marzo 2017 l'esposizione è frutto di un dialogo aperto fra l'artista e gli spazi del Museo. Negli ampi ambienti della sede roveretana del Mart una selezione di lavori, per lo più di grandi dimensioni, ripercorre l'intera carriera di Eliseo Mattiacci. Opere significative degli esordi come Locomotiva (1965), Tavole degli alfabeti primari (1972), 7 corpi di energia (1983), introdurranno alcune prove della maturità che per complessità e misura sono altrimenti di difficile esposizione come Motociclista (1981), La mia idea del cosmo (2001) o Piattaforma esplorativa (2008). I saggi critici di Gianfranco Maraniello, Daniela Lancioni e Tommaso Trini delineano l'arco della produzione dell'artista mentre le opere principali sono oggetto di documentatissimi testi di approfondimento.

"Da molti anni il Mart approfondisce la ricerca sui diversi linguaggi della contemporaneità leggendo le forme dell'arte ovunque queste si manifestino: nella grafica, nell'architettura, nell'editoria, nella comunicazione. A tali grammatiche sono dedicate molte rassegne e buona parte degli studi del nostro Archivio del '900. Il patrimonio, le mostre e i progetti con i prestigiosi partner del Museo ci restituiscono un'epoca fluida, fatta di ibridazioni, di mescolanze e incroci di stili, iconografie e temi. In passato, il Mart ha realizzato mostre sulla danza, sul design, sull'architettura, sulla musica, sul cibo e ospita continuamente progetti culturali eterogenei, performer, convegni e proiezioni. Nel suo essere centro espositivo e luogo di ricerca, nell'offrire al proprio pubblico esperienze sempre diverse, accomunate dall'elevata qualità, il museo allarga costantemente lo sguardo sul nostro presente e sulle numerose espressioni contemporanee. Coerentemente con questo indirizzo, presentiamo in queste pagine una grande mostra su Armando Testa, senza dubbio una delle menti che meglio e con maggiore creatività ha interpretato forme e tensioni del secolo passato, diventando assoluto protagonista degli orientamenti contemporanei. Nel centenario della sua nascita, il Mart gli rende omaggio con un importante progetto espositivo nell'intento di riconoscere anche nella comunicazione pubblicitaria uno dei linguaggi culturali che definisce la nostra identità e i nostri immaginari." (Ilaria Vescovi, Presidente del Mart)

Il denso vocabolario poetico di un artista che ha già segnato un passaggio fondamentale nella storia dell'arte contemporanea. Dalla materia dei pensieri alla materia della scultura e dello spazio.

Cos'è l'orizzonte se non un invisibile spazio mentale che segna i limiti del visibile aprendo lo sguardo verso una dimensione spirituale? I due cicli di lavori rappresentati nel volume partono da questa riflessione. "Transition Giorgio Morandi" si ispira alla pittura di Giorgio Morandi, dove gli oggetti perdono il significato originario divenendo presenza misteriosa che lascia il posto alla linea orizzontale, limite ultimo dello sguardo e metafora dell'infinito. "Transition are you still there" si concentra su una delle più grandi architetture della storia, le piramidi, di cui viene indagato l'orizzonte, confine misterioso tra terra e cielo, alla ricerca dell'intimo segreto che vive in ciascuno di noi.

Robert Morris realizzò il suo primo film. Influenzato da John Caqe', il film, uno studio sui quattro elementi, usava una serie di procedure casuali per determinare la durata di ogni ripresa, la relativa sequenza e il movimento della cinepresa. Morris iniziò a dedicarsi al cinema nello stesso periodo in cui si cimentava con la performance, cercando in entrambi un modo per allontanarsi dalla pittura e affrontare un linguaggio scultoreo che articolasse un'esperienza della visione temporale e multidirezionale. Come ha detto Maurice Berger, questa esperienza non solo consentiva "al sé percipiente [di] valutare certi aspetti della propria esistenza fisica", ma "permette[va] di dar forma allo spazio interiore del sé'", proponendo "lo spazio stesso come un'estensione del sé".

Giunge alla sesta edizione il Premio Furla per l'arte contemporanea italiana, promosso dalla Furla Spa, Fondazione Querini Stampalia di Venezia e MAMbo Museo d'Arte Moderna di Bologna e UniCredit Group. Un giuria ha selezionato fra i venticinque candidati la cinquina finale: Alice Cattaneo, Elenia Depedro, Nicola Gobbetto, Luca Trevisani, Nico Vascellari. Come i volumi realizzati per le edizioni precedenti anche questo, grazie alla documentazione di ogni fase del lavoro delle giurie fino alla proclamazione del vincitore, e alle immagini e ai curricula di tutti gli artisti che hanno partecipato, è strumento per far conoscere anche all'estero il lavoro dei giovani emergenti dell'arte italiana.

Il punto sul rapporto tra arte e media. Dalle prime incursioni tecnologiche ai protagonisti impegnati in grandi installazioni multimediali. Il Novecento è stato il territorio in cui l'arte ha articolato maggiormente il proprio linguaggio, rispetto al passato, attraverso l'esperienza della multimedialità, con un senso di euforia che ne ha caratterizzato la ricerca fin dall'inizio del secolo scorso avvolgendo il lavoro degli artisti in una "vertigine" di nuove opportunità e strumenti espressivi. Vertigo si propone di inquadrare tutte le forme di comunicazione mediatica dell'ultimo secolo, dalla radio al telefono, dalla fotografia al cinema, dalla televisione al web, attraverso un percorso che prende avvio dalle prime incursioni storiche nel campo delle tecnologie con gli esperimenti sonori e poetici di Marinetti e Schwitters, con quelli visivi e filmici di Duchamp e Dalí, per arrivare attraverso Andy Warhol e la pop art, la conceptual art e artisti come Léger, Picabia, Picasso, Magritte, Klein, Manzoni, Bourgeois, Beuys, Kiefer e Viola, fino ai maggiori rappresentanti della scena internazionale odierna. Si tratta, quindi, del racconto visivo del secolo in cui l'arte ha, con evidenza, messo in crisi le proprie tradizionali forme di espressione appropriandosi, a fini artistici, degli strumenti mediatici che via via hanno caratterizzato l'evoluzione tecnologica. Il volume è il Catalogo della mostra di Bologna (MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna 5 maggio 2007 - 4 novembre 2007).

Protagonista del nuovo corso della videoarte italiana, Elisabetta Benassi ha partecipato a numerose esposizioni internazionali. Il catalogo ripercorre tutta l'opera dell'artista e documenta il lavoro preparatorio per questa mostra. Si tratta di un film i cui protagonisti sono degli uomini dotati di protesi progettate dall'artista, "motomen" secondo la definizione della Benassi, che in una cupa arena sono gli attori di una tragedia annunciata.

Il volume è il catalogo della mostra omonima (Roma, Museo d'Arte Contemporanea, 14 febbraio - 27 aprile 2003) dedicata all'opera di Christian Jankowsky, artista tedesco nato nel 1968 a Göttingen che vive tra la Germania e gli Stati Uniti e che realizza opere tra cinema e videoarte, magia e paesaggismo, pubblicità e turismo.

Il volume è il catalogo della mostra dedicata a Carlo Benvenuto (Roma, Museo d'Arte Contemporanea, 14 febbraio - 27 aprile 2003). Il lavoro di Carlo Benvenuto è un insistente sfidare la familiarità di oggetti di affezione riproducendoli in sculture o dipinti e soprattutto continuando a fotografarli cogliendone un inquietante senso di sospensione.

Simon Starling vive e lavora tra Glasgow e Berlino. I suoi progetti sono spesso il risultato della trasformazione di un oggetto o di un materiale in un altro: le "cose" non vengono ricreate ma ripensate, attraverso un fare artigianale che ne mette in discussione la funzionalità. Il volume è il catalogo della mostra (Roma, Macro, 7 giugno - 7 settembre 2003).

Il volume è il catalogo della mostra di Roma (Museo d'Arte Contemporanea di Roma, 11 ottobre 2002 - 10 gennaio 2003). Alessandra Tesi è una giovane artista bolognese che ha partecipato alla quarantanovesima edizione della Biennale di Venezia. Lavora essenzialmente con la fotografia e con il video, che concepisce come parte integrante dell'installazione. La collocazione monumentale dell'immagine in movimento sulla parete e la ripetizione apparentemente infinita di un'azione qualsiasi conferiscono agli eventi quotidiani un aspetto nuovo e inusuale.