C'è un rapporto diretto tra la precisione del gesto e la precisione del segno sulla tela. E un rapporto altrettanto diretto tra tale precisione e l'efficacia di quel segno sullo spettatore. Perché chi guarda un quadro in realtà non guarda solo con gli occhi, ma guarda con tutto il corpo. In ogni processo di fruizione c'è una fortissima componente di mimesis. Sì, la mimesi è di chi fruisce non di chi fa un'opera d'arte, con buona pace di Aristotele. Si tratta di un processo spontaneo: quando ascoltiamo una canzone ci viene spontaneo di cantarla (se ci piace). Quando leggiamo un libro ripetiamo con o senza voce le parole. È stato provato che anche chi legge 'mentalmente' in realtà ha dei movimenti e delle contrazioni dell'epiglottide come se parlasse, come se ripetesse le parole che sta leggendo. Quando guardiamo un danzatore il nostro corpo partecipa dell'azione sulla scena, con impercettibili micro-movimenti che assecondano, eseguono 'in potenza' la danza. E chi guarda un quadro? Chi guarda un quadro dipinge: e tutto il suo corpo esegue 'in nuce' la danza che ha generato quel dedalo di segni sulla tela. Per questo davanti ad un quadro di Vedova ci sentiamo squassati e in balia di una tempesta, mentre davanti ad un quadro di Afro un vago languore e una musica sospesa ci cullano. E davanti ad un taglio di Fontana un brivido ci corre lungo la schiena. È il nostro corpo che rivive il ritmo dei gesti che hanno generato quello che abbiamo davanti. E dal moto del corpo scaturisce poi l'emozione.

Il volume illustra le opere di 20 scultori contemporanei.

Questo progetto editoriale si fonda su di una voluta ambiguità. Si tratta di un'ambiguità che si annida innanzitutto nel titolo e che poi striscia di pagina in pagina, di autore in autore, di quadro in quadro, inoculando di tanto in tanto il suo distillato velenoso. Ma lo scopo di questa sorta di avvelenamento non è quello di uccidere il fruitore, nè di annichilire le sue facoltà vitali, sensoriali, intellettive, ma al contrario di condurlo in uno stato di percezione leggermente alterato, solleticando quelle facoltà, allo scopo di suggerire una visione leggermente differente di quella che comunemente si intende, da più di mezzo secolo, come 'Pittura Informale'. Nel corso dei mesi di preparazione del volume ogni volta che abbiamo parlato del progetto con un artista che si pensava di coinvolgere, al nostro interlocutore il titolo pareva sempre chiarissimo. Se si trattava di un pittore che praticava una pittura astratta fondata sulla forza del colore, costui, ponendo l'accento sul secondo termine del titolo, ovvero 'il colore', traduceva il tutto come se l'oggetto fulcro di attenzione del progetto fosse, appunto, il colore. Come se il titolo significasse: 'la materia', ovvero 'l'argomento' trattato da questo libro 'è il colore'. Viceversa se si trattava di un artista che dipingeva quadri spiccatamente 'materici', utilizzando materiali non convenzionali, egli intendeva il titolo come se si dicesse: 'la materia viene utilizzata al posto del colore'.' (falla prefazione)

Il concetto di 'Postavanguardia' vuole indicare il passaggio significativo e la scelta di campo da parte di artisti che operano in Italia, privilegiando la pittura come mezzo consono ad esprimere la loro poetica fatta di vibrazioni. Il termine reca in sé un messaggio che implica numerose valenze di lettura: è sufficiente esaminare ognuna delle opere presentate in questo volume, per rendersi conto in che misura sia stato un atto di coraggio, da parte dei curatori, aver voluto definire e comprendere tutti questi valenti pittori sotto la parola enigmatica che titola la nostra pubblicazione. (Dalla prefazione di Paolo Levi)