Arthur Sullivan è, per molti, il volto musicale dell'Inghilterra vittoriana. Celebrato in patria come uno dei più raffinati compositori della sua epoca, è rimasto per troppo tempo una figura di secondo piano nella storiografia musicale continentale, spesso liquidato con l'etichetta di autore 'leggero', come se l'ironia e la cantabilità delle sue operette fossero un segno di superficialità e non, piuttosto, di una straordinaria capacità di sintesi tra arte colta e spirito popolare. Questo libro nasce dal desiderio di contribuire a una riscoperta critica di Sullivan, con particolare attenzione al contesto culturale e musicale che lo ha formato, al dialogo con le principali correnti estetiche dell'Ottocento europeo, e al significato profondo - non solo artistico ma anche sociale - della sua produzione. Non è possibile comprendere appieno la sua musica senza considerare il rapporto dialettico che egli intrattenne, per tutta la vita, con la tensione tra ambizione e ironia, tra aspirazione 'seria' e mestiere teatrale, tra religiosità e spettacolo.

Mozart e Beethoven, pur appartenendo a generazioni diverse, condivisero lo stesso spazio culturale e geografico, incarnando due volti complementari della genialità musicale. Se il primo rappresenta l'equilibrio perfetto tra forma e ispirazione, il secondo esprime il travaglio dell'animo umano e la tensione verso l'assoluto. Si tratta della classica dicotomia di manniana memoria tra beniamino degli dèi e eroe in tensione. Questo libro si propone di raccontare la storia di entrambi con un approccio che unisce rigore documentario e sensibilità narrativa, mettendo in luce non solo i due giganti della musica, ma anche gli uomini dietro le opere. Con questo volume, ci auguriamo di offrire al lettore un viaggio affascinante alla scoperta di due degli artisti più straordinari di tutti i tempi.

Il Corso di Contrappunto a due voci di Umberto Giordano, manoscritto I-Nc-4.5.12, rappresenta un documento di grande valore storico e musicologico, il quale offre uno sguardo privilegiato sulla formazione accademica di uno dei più importanti compositori dell'opera verista italiana. Questo manoscritto, conservato presso la Biblioteca del Conservatorio di Musica San Pietro a Majella di Napoli, testimonia l'impegno e la dedizione di Giordano nello studio del contrappunto, disciplina fondamentale nella didattica musicale ottocentesca e rappresenta una gemma della letteratura musicologica italiana e una fonte meritevole di essere riportata alla luce per il suo valore storico e culturale. La pubblicazione di questa edizione nasce dalla volontà di rendere accessibile al pubblico contemporaneo un'opera che offre una panoramica interessantissima sugli schemi del contrappunto semplice nella scuola napoletana.

Il volume si pone come un pratico compendio in undici lezioni di armonia di base. In queste lezioni si potranno apprendere i fondamenti della condotta delle voci e della grammatica armonica, a partire dagli intervalli, passando per triadi, quadriadi, dissonanze, fino ad arrivare alle progressioni, alle note estranee all'accordo, alla regola dell'ottava e a molto altro ancora. Queste nozioni saranno utili agli studenti di Teoria, Analisi e Composizione del Liceo Musicale, agli studenti di Armonia del Conservatorio, agli studenti di Musicologia e a tutti gli appassionati di questa disciplina.

Carl Bärmann non è soltanto un nome passato alla storia come uno dei migliori clarinettisti di sempre, ma è una colonna portante dell'evoluzione di questo strumento a trecentosessanta gradi. In un'epoca nella quale la musica strumentale stava evolvendo verso l'espansione e in seguito l'abbandono della tonalità in senso stretto, e che dunque richiedeva cromatismi sempre più numerosi, Carl Bärmann permise ai clarinettisti di adattarsi a questo cambiamento e ai compositori di considerare il clarinetto come uno strumento in grado di soddisfare le loro richieste. Bärmann ottenne questo magnifico risultato seguendo due linee direttrici: la prima fu una didattica puntigliosa e precisa, esposta nel suo Metodo per clarinetto in cinque volumi e analizzata bene in questo saggio; la seconda fu lo sviluppo di un nuovo sistema meccanico per il clarinetto, il cosiddetto sistema Bärmann, discendente dal sistema Müller, ponendo le basi per il sistema attualmente usato nella scuola clarinettistica di discendenza germanica, ossia il sistema Öhler.

Si presenta un pratico manualetto che illustrerà, in quaranta lezioni lineari, i fondamenti del contrappunto semplice a due, tre e quattro voci. Il manuale è adatto a tutti gli studiosi di musica appassionati all'arte di condurre le voci. L'obiettivo non è il contrappunto in uno stile specifico, come quello palestriniano, o quello modale, o quello rigoroso; si intende, piuttosto, fornire allo scolaro un pratico strumento per esercitarsi a condurre le voci con gusto ed eleganza. Il volume completa la serie composta dai seguenti volumi già pubblicati: Compendio di teoria musicale di base e Compendio di armonia teorica e pratica.

Franz Joseph Haydn non è soltanto un nome entrato di diritto nella storia della musica, ma ne è una delle sue colonne portanti. In un'epoca in cui la musica strumentale stava cercando una propria identità post-barocca, Haydn ne fu l'artefice, trasformandola in una forma espressiva autonoma e profondamente innovativa. Maestro del Classicismo, pioniere della sinfonia e del quartetto d'archi, il suo contributo ha gettato le basi su cui si sarebbero edificati i monumenti musicali di Mozart, Beethoven e di innumerevoli altri compositori. Il volume che il lettore si accinge ad esplorare non è solo una biografia, ma un viaggio attraverso la vita e l'arte di un uomo la cui esistenza fu caratterizzata da dedizione assoluta alla musica. Dalle umili origini in un piccolo borgo dell'Austria fino alla consacrazione nelle corti europee, Haydn seppe navigare con intelligenza e spirito pratico le complesse dinamiche sociali del suo tempo, rimanendo sempre fedele alla propria arte.

Il Quartetto per 3 clarinetti e clarinetto basso è una composizione in tre tempi che segue gli stilemi classici. Per questo motivo, sia la struttura formale, che le elaborazioni motiviche non si discostano molto da quelle che possono essere riscontrate nella produzione cameristica degli autori di stampo galante e classico. Il quartetto rispetta l'alternanza di un movimento veloce, uno lento e un altro veloce.

La Cacciata dei Tarquini è una composizione appartenente al genere del poema sinfonico. Il poema sinfonico, come è noto, è un genere di musica a programma, che richiede, quindi, un argomento extramusicale. Nel caso in esame, l'argomento extramusicale è un episodio di storia romana, ossia quello che sancisce la fine della monarchia e la nascita della repubblica. Stiamo parlando, evidentemente, della cacciata di Tarquinio il Superbo.

Marsia. Pensieri di un satiro suonatore di aulós. Per clarinetto e fisarmonica. Spartito

Pound! è una composizione classificabile con facilità come marcia militare. Il titolo ha origine onomatopeica e ricorda il suono che si ascolta quando la banda sfila ed esegue le marce a passo. La forma compositiva prevede una breve introduzione, un tema A ritornellato, uno squillo di trombe, un tema B ritornellato (detto Trio) e, per concludere, di nuovo un tema A: siamo di fronte ad una forma ternaria.

Il presente elaborato è una edizione critica del manoscritto DD-219, conservato a Bologna, di Pasquale Cafaro, compositore di scuola napoletana vissuto nel XVIII secolo. La linea di indagine seguita consiste in una prima parte incentrata sull'autore, sulla sua biografia e su come egli fosse integrato nel sistema dei Conservatori e della fruizione musicale a Napoli nel Settecento; e una seconda parte incentrata sul manoscritto, organizzata con una breve presa in esame del sistema dei partimenti, sistema al quale fanno riferimento tutti i brani presenti sul manoscritto oggetto dell'elaborato, una tabella delle concordanze, nella quale sono presenti le indicazioni di tutti gli esemplari di brani presenti sul manoscritto principale e sui manoscritti diversi da esso; un apparato critico che enumera tutte le differenze tra gli esemplari dello stesso brano presenti su più fonti, la trascrizione a stampa dei partimenti e, infine, una sezione di criteri per la realizzazione, ossia, alla luce di una presa in esame delle regole generali di realizzazione dei partimenti, la proposta di realizzazione di poche battute dei partimenti ritenuti paradigmatici e presenti nel manoscritto.

Domus Aurea riprende gli stilemi della marcia sinfonica, genere particolarmente glorioso e rappresentativo di una peculiare cultura musicale tipica del Meridione d'Italia. La marcia sinfonica, infatti, è un genere bandistico tipico del Mezzogiorno che coniuga le caratteristiche della marcia con quelle della musica colta, sinfonica e operistica, venendo a creare, in questa maniera, un genere ricco di enormi potenzialità espressive ma sempre molto fruibile per un pubblico essenzialmente popolare.

I presenti Tempi di quartetto sono una composizione originale per Quartetto di Clarinetti; nello specifico, sono scritti per tre Clarinetti in Sib e un Clarinetto Basso. I quartetti sono scritti in uno stile allegro, giocoso, in quanto intesi, per l'appunto, a far divertire gli esecutori e gli ascoltatori. Possono essere eseguiti sia per esercitarsi a suonare insieme, sia per un concerto pubblico, in quanto sono stati pensati e scritti per una formazione che non ha molti brani originali in questo stile. Per quanto riguarda lo scopo didattico, risultano utili allo studio dell'intonazione, della dinamica e del fraseggio, in quanto presentano spunti nei riguardi di tutti questi elementi. Inoltre, invogliano alla pratica della musica da camera senza essere costretti a dover cercare musicisti che suonino altri strumenti: in una classe di clarinetto, basterà che quattro persone siano d'accordo a fare musica insieme, e questi brani potranno essere studiati ed eseguiti.

Come per 'Un piccolo fiore', qui si vuole diffondere la musica del clarinettista Ferdinando Sebastiani. Nato a Capua nel 1803 e morto a Napoli nel 1860, fu il primo clarinetto dell'Orchestra del Teatro San Carlo e della Reale Cappella Palatina, nonché insegnante di clarinetto presso il Real Collegio di Musica. L'opera più conosciuta è il suo 'Metodo per clarinetto'. La 'Fantasia sull'opera Semiramide' ha una difficoltà tecnica molto elevata e la sua esecuzione resta appannaggio solo dei virtuosi del clarinetto. Per quanto riguarda la revisione, ci si è limitati a dare qualche suggerimento di articolazione e di fraseggio, messo tra parentesi; le articolazioni prive di parentesi sono le stesse presenti nel manoscritto di riferimento, vale a dire il manoscritto segnato NA0059 10.7.25(11) presente nella biblioteca del Conservatorio di San Pietro a Majella di Napoli. Seppure il manoscritto presenti la parte del clarinetto scritta in una sorta di chiave di tenore ottavizzante, nella presente edizione si si è adoperata la più consueta chiave di violino. In un paio di casi, chi scrive si è permesso di cambiare una una nota rispetto all'originale: i simboli * e ** rimandano, alla fine della partitura, all'originale.

La presente ricerca ha come fine la rivalutazione in chiave antropologica e culturale del fenomeno della banda musicale, sia come palestra e fucina di ottimi musicisti a fiato, sia come strumento di aggregazione sociale. A tal proposito, dopo aver enucleato le caratteristiche che definiscono l'organico della banda, il suo repertorio di esecuzione musicale e la sua storia, si analizzerà una realtà di eccellenza in tal senso: l'Orchestra di Fiati 'Paolo Ragone' di Laureana di Borrello, piccolo comune di circa 5000 abitanti in provincia di Reggio Calabria. Di questa realtà, venuta alla ribalta grazie all'interessamento nientemeno che del Maestro Riccardo Muti, bisogna rendere merito all'eroico lavoro del direttore, il Maestro Maurizio Managò, che, in un contesto dove le iniziative culturali sono quantomeno limitate, ha fatto in modo che l'Orchestra di Fiati rappresentasse per i ragazzi un modo per impegnare il loro tempo in qualcosa di costruttivo, bello, formativo, impedendo loro, non con le armi, ma con la forza della cultura, di prendere una cattiva strada.

I volumi della presente collana, senza la velleità di sostituirsi ai più tradizionali metodi di teoria e solfeggio, si pongono come un utile supplemento per gli studenti che volessero qualche stimolo in più e qualche esercizio diverso per potere affinare le competenze di divisione musicale.

I volumi della presente collana, senza la velleità di sostituirsi ai più tradizionali metodi di teoria e solfeggio, si pongono come un utile supplemento per gli studenti che volessero qualche stimolo in più e qualche esercizio diverso per potere affinare le competenze di divisione musicale.

I volumi della presente collana, senza la velleità di sostituirsi ai più tradizionali metodi di teoria e solfeggio, si pongono come un utile supplemento per gli studenti che volessero qualche stimolo in più e qualche esercizio diverso per potere affinare le competenze di divisione musicale.

Il lavoro presentato vuole delineare la storia dell'utilizzo del clarinetto nelle opere di Rossini tra il 1815 ed il 1821. Esso è articolato in una breve trattazione storica ed organologica dello strumento, della sua storia ed invenzione e del suo funzionamento, seguita dalla presa in esame delle partiture rossiniane riguardo al suo utilizzo; il tutto porta a considerare i soli ritenuti più rappresentativi. Dal momento che il clarinetto è stato l'ultimo strumento a comparire nell'orchestra ottocentesca, è evidente che, al fianco di strumenti la cui presenza era già consolidata, è stato protagonista di diversi esperimenti da parte dei compositori prima dell'affermazione di una prassi compositiva che lo considerasse.

Il presente lavoro vuole inquadrare la figura di Ferdinando Sebastiani, importante clarinettista e compositore del XIX secolo, nella temperie culturale che lo circondava. In particolare, dal momento che quasi tutta la sua carriera si svolse intorno a Napoli, all'epoca capitale del Regno delle Due Sicilie, si cercherà di capire come questa figura si integrava nel mondo musicale napoletano, attraverso una ricostruzione della sua biografia, delle testimonianze riguardanti il suo modo di suonare e di ciò che ha lasciato ai posteri, come compositore e come insegnante. La riscoperta e l'utilizzo della sua produzione ha potenzialmente un triplice effetto: il primo è quello della comprensione storica di come un certo modo di concepire la maestria clarinettistica si sia cristallizzato, il secondo è l'ampliamento del repertorio per clarinetto, cosa sempre gradita, ed il terzo è la presa in esame di esercizi ormai dimenticati, i quali possono funzionare come spunti per gli insegnanti di questo meraviglioso strumento.

La presente edizione di 'Un piccolo fiore' di Ferdinando Sebastiani, liberamente ispirato dal finale del terzo atto della 'Lucia di Lammermoor', ha lo scopo di diffondere la musica del clarinettista che l'ha composta, maestro di grande fama ai suoi tempi. Nato a Capua nel 1803 e morto a Napoli nel 1860, fu il primo clarinetto dell'Orchestra del Teatro San Carlo e della Reale Cappella Palatina, nonché insegnante di clarinetto presso il Real Collegio di Musica. Un altro aspetto interessante che emerge dall'edizione di questo brano è la capacità compositiva di chi studiava a Napoli, anche degli strumentisti. Ferdinando Sebastiani, in effetti, aveva studiato con uno dei più grandi insegnanti di composizione dell'epoca, Fedele Fenaroli (1730-1818), e, dunque, seppure ebbe una carriera di grande successo come clarinettista, non disdegnava l'arte della composizione, specialmente per il suo neonato strumento, ancora orfano di una letteratura di rilievo. Per quanto riguarda la revisione di chi scrive, ci si è limitati a dare qualche suggerimento di articolazione e di fraseggio. Il manoscritto di riferimento è presente nella biblioteca del Conservatorio di San Pietro a Majella di Napoli.