La collezione di dipinti e sculture di importanti maestri del Novecento, donata ad Alberto Della Ragione alla città di Firenze nel 1970, rappresenta il nucleo centrale e la ragion d'essere del Museo Novecento, inaugurato nel 2014.

Il volume, pubblicato in occasione della mostra Maria Lai. L'anno zero al Museo Novecento di Firenze, rende omaggio nel centenario della nascita e questa silenziosa protagonista dell'arte contemporanea e si sofferma su uno dei temi più cari all'artista, quello del presepe. Nella ricerca di Maria Lai, l'immagine del presepe prende forma in manufatti costruiti con sapienza antica e con materiali poveri (terracotta, pietre, stoffa, legno): piccoli monumenti al desiderio di pace e di fratellanza.

Catalogo della mostra 'Senza data' di Luca Pignatelli ospitata al Museo Stefano Bardini di Firenze e curata dal Direttore Artistico del Museo Novecento di Firenze Sergio Risaliti. Oggetto dell'esposizione sono una serie di lavori realizzati su telone ferroviario, legno, carta e lamiera, assieme a grandi dipinti realizzati su tappeti persiani di inizio Novecento. Queste ultime saltano subito all'occhio per le grandi dimensioni e per l'accostamento alla vasta e rilevante collezione di tappeti del Museo stesso dal Quattrocento a oggi. Filo conduttore delle opere esposte è una riflessione sul rapporto tra il tempo, la memoria e l'immagine. Come affermato dallo stesso artista: 'con questa mostra vorrei rispondere alla domanda: cosa sta di fronte a un'immagine? Per me si tratta di un tempo plurale, un montaggio di temporaneità, sfalsate e quindi differenti'.

Il catalogo della mostra allestita dal 12 luglio al 10 ottobre al Museo del Novecento di Firenze si concentra sulla produzione risalente agli anni Venti e Trenta dell'artista toscano, proponendo una selezione di opere in cui l'iconografia dei soggetti è legata alla Commedia dell'arte, al teatro e alla musica. A partire dagli anni Venti, Severini si appassiona infatti alle figure e alle vicende di maschere della commedia dell'arte, come Pulcinella e Arlecchino. Clown, saltimbanchi, eroi del circo stavano affascinando numerosi artisti quali Picasso, Gris e Rouault, musicisti come Stravinskij e impresari come Djagilev. Le occasioni principali per cimentarsi con questi temi sono rappresentate per Severini dalla decorazione di due ambienti privati: il Castello di Montegufoni, di proprietà di Sir George Sitwell, nei pressi di Firenze, e la Maison di Léonce Rosenberg, suo mercante francese, a Parigi.

Il catalogo della mostra allestita dal 12 luglio al 10 ottobre al Museo del Novecento di Firenze si concentra sulla produzione risalente agli anni Venti e Trenta dell'artista toscano, proponendo una selezione di opere in cui l'iconografia dei soggetti è legata alla Commedia dell'arte, al teatro e alla musica. A partire dagli anni Venti, Severini si appassiona infatti alle figure e alle vicende di maschere della commedia dell'arte, come Pulcinella e Arlecchino. Clown, saltimbanchi, eroi del circo stavano affascinando numerosi artisti quali Picasso, Gris e Rouault, musicisti come Stravinskij e impresari come Djagilev. Le occasioni principali per cimentarsi con questi temi sono rappresentate per Severini dalla decorazione di due ambienti privati: il Castello di Montegufoni, di proprietà di Sir George Sitwell, nei pressi di Firenze, e la Maison di Léonce Rosenberg, suo mercante francese, a Parigi.

Edizione limitata. Catalogo dell'esposizione ospitata al Museo Novecento di Firenze che prende origine da quattro importanti dipinti appartenuti ad Alberto Della Ragione. La grandezza di Morandi fu subito evidente al grande storico dell'arte Roberto Longhi, che non interromperà mai il confronto umano e intellettuale con l'artista. Altri critici che hanno espresso sempre grande approvazione e ammirazione per Morandi sono Cesare Brandi, Francesco Arcangeli e Carlo Ludovico Ragghianti, ovvero i punti cardinali della critica novecentesca relativa all'arte del maestro bolognese. Da qui le basi di un progetto espositivo speciale, che raccoglie opere appartenute o gravitate nell'orbita dei quattro illustri storici dell'arte, a suggellare la fedeltà nei confronti della silente e ferma pittura di Morandi, artista unico in un momento storico in cui i suoi contemporanei confluivano nell'Astrattismo o nell'Espressionismo Astratto.

Quella di Giannoni appare una ricerca ispirata dal modo di apparire del visibile in quanto fenomeno pittorico, di una sempre inedita trasfigurazione materica dell'immagine, quindi sul modo di praticare l'arte pittorica percorrendo la sottile linea che attraversa il figurativo e l'informale, la tradizione e il modernismo. Ad esempio, l'immagine di una biblioteca con il soffitto affrescato, una veduta di città (Singapore o Firenze), quella di una sala museale come la Specola di Firenze, di una libreria, o un disadorno salotto di un antico palazzo italiano, subiscono una trasformazione pittorica che viene a generarsi de-figurando la griglia sottostante. Al piacere dell'immagine riconoscibile, all'imitazione, Giannoni oppone il godimento per la materia pittorica informe, del colore a olio, dello spessore raggiunto. Infatti, i punti di forza sono quelle zone del quadro in cui la pasta pittorica è spessa, ruvida, frastagliata. Il quadro ha una consistenza e una presenza che non sono limitate alla funzione mimetica, alla riconoscibilità figurativa. Il segreto di queste opere, la bellezza di questi quadri, è questo modo di sopravvivere e di essere altro.

La celebre Chimera di Arezzo, un bronzo votivo etrusco degli inizi del IV secolo a.C., fu rinvenuta nel 1553 nella città di Arezzo e fu subito trasferita a Firenze per volere del duca Cosimo I de' Medici, che la fece collocare nella sala dedicata a papa Leone X de' Medici in Palazzo Vecchio, residenza del principe e sede del governo. Secondo l'intento di Cosimo, la Chimera doveva testimoniare la presunta (e desiderata) continuità del potere dai tempi dell'antica dominazione etrusca sino all'attuale governo ducale. La Chimera rimase in Palazzo Vecchio sino al 1718, quando venne trasferita nella Galleria degli Uffizi, per poi entrare a far parte, dal 1870, della collezione stabile del Museo Archeologico Nazionale di Firenze. Raramente uscita dal museo, la scultura è stata esposta per un mese proprio nella sala di Palazzo Vecchio dove è rimasta collocata per quasi due secoli. Il catalogo presenta saggi di approfondimento sul contesto storico-artistico della Firenze medicea, sulla fortuna dell'opera dal suo ritrovamento, sul busto di Cosimo I di Baccio Bandinelli e sulla sala di Leone X in Palazzo Vecchio.

Human_Antony Gormley è il catalogo della mostra curata da Arabella Natalini e Sergio Risaliti e realizzata da uno dei più apprezzati artisti contemporanei. Il Forte di Belvedere a Firenze ospita, ancora una volta, nella sua straordinaria cornice architettonica, un'esposizione notevole e imperdibile. Oltre cento sculture in ferro, sono collocate all'interno della Fortezza medicea, e per alcuni mesi saranno parte integrante della struttura. 'Piuttosto che scegliere opere in grado di adattarsi per dimensioni al sito, ho deciso di mettere in mostra opere a misura d'uomo, opere che consentano alla massa e alla forma di questa straordinaria costruzione di esprimersi. [...] L'idea alla base della mostra è quella di aprire il Forte a sollecitazioni scultoree [...]. La ricerca dei luoghi migliori in cui dar vita a confronti e allusioni, mira a creare dei veri e propri 'ostacoli', che obblighino i visitatori a fermarsi. Desidero che il visitatore rifletta sul modo in cui si pone nei confronti degli spazi che lo circondano'. Il volume documenta e illustra questa mostra, attraverso numerosissime immagini e alcuni importanti contributi critici a cura di Andrew Benjamin, Marco Casamonti, Mario Codognato e Sergio Risaliti. Una lunga conversazione fra Antony Gormley e Arabella Natalini, aiuta a delineare il profilo dell'artista, le sue intenzioni, il suo modo di vedere e sentire i luoghi nei quali sono collocate le sue figure antropomorfe.

Il volume, pubblicato in occasione della mostra di Giuseppe Penone a Firenze, allestita presso il Giardino di Boboli e Forte di Belvedere, delinea il profilo di uno degli artisti contemporanei più conosciuti e apprezzati a livello internazionale. La monografia non è semplicemente il catalogo della mostra, infatti oltre a illustrare dettagliatamente tutte le opere allestite per l'occasione nelle due straordinarie location fiorentine, raccoglie anche importanti documenti e contributi utili alla comprensione dell'artista e del suo lavoro.

Camminiamo su due piedi da almeno sei milioni di anni e da subito abbiamo imparato a scaricare il peso del nostro corpo sull'arco del piede. Salvatore Ferragamo ha dedicato la sua vita allo studio anatomico del piede e dell'arco plantare, confrontandosi con l'architettura e l'ingegneria, come dimostrano i suoi brevetti. L'elogio del camminare, danzare scalzi o sulle punte, avanzare sul filo come funamboli, scalare montagne, incedere e marciare a comando, passeggiare per ritrovare se stessi, deambulare senza meta sono solo alcuni dei temi affrontati nel volume a corredo della mostra 'Equilibrium', il nuovo progetto del Museo Salvatore Ferragamo, curato da Stefania Ricci e Sergio Risaliti. 'Equilibrium' si basa infatti su un confronto tra opere d'arte di valore e significato eccezionali e media diversi - pittura, scultura, fotografia, video, cinema, edizioni a stampa - arricchito da documentari e testimonianze storiche, immagini d'archivio e una serie di interviste a personaggi celebri della nostra epoca: Wanda Miletti Ferragamo e James Ferragamo, Reinhold Messner, Eleonora Abbagnato, Will Self, Cecil Balmond e Philippe Petit. I curatori hanno selezionato opere di Canova e Degas, di Rodin e Bourdelle, di Matisse e Picasso, di Lipchitz e Severini, di Klee e Calder.

Il volume è il catalogo della mostra di Roma (Musei Capitolini, 27 maggio - 14 settembre 2014). Il catalogo della mostra romana allestita per il 450° anniversario della morte di Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Scultura, pittura, architettura e poesia, le quattro arti in cui si espresse il genio del grande maestro del Rinascimento raccontate attraverso sezioni tematiche concepite per concetti in opposizione - il moderno e l'antico, la vita e la morte, la battaglia, la vittoria e la prigionia, la regola e la libertà, l'amore terreno e quello spirituale - a testimoniare come l'opera universale di Michelangelo abbia affrontato tutte le sfide artistiche e morali del suo tempo. Una sfida esemplificata da capolavori provenienti da Casa Buonarroti, dal Museo del Bargello, dai Musei Vaticani, dall'Albertina di Vienna, dal British Museum, dalla Biblioteca Reale di Torino.

I tre Crocifissi lignei di Donatello, Brunelleschi e Michelangelo, capolavori d'arte sacra provenienti dalle basiliche fiorentine di Santa Croce, Santa Maria Novella e Santo Spirito, riuniti per la prima volta nel Battistero di San Giovanni. Tre paradigmi figurativi differenti, che utilizziamo per alludere a quanto attiene l'esperienza del divino, della bellezza fisica e della morte corporale, nei limiti dell'arte e dell'ispirazione, pur sempre inspiegabile in quei grandi artefici. Da qui l'emozione profonda nel trapassare da una figura all'altra in Battistero, dove le anatomie scolpite, la pelle lignea, le policromie hanno reagito, come mai prima, al contatto con la luce ineffabile del mosaico e dell'oro che sostanzia architettura e immagini all'interno di quel sacro 'ottagono'.

La monografia presenta è incentrata sulla Grotta Grande nel Giardino di Boboli in Palazzo Pitti, opera straordinaria del tardo Rinascimento fiorentino, e sulla figura del suo autore, il poliedrico artista, architetto e designer Bernardo Buontalenti. Il volume è diviso in due parti. La prima contiene otto saggi, dove i maggiori esperti italiani della materia trattano dei significati della Grotta, analizzano le sculture e gli affreschi, di grande valore artistico, in essa contenuti, presentano nuove ipotesi sulla funzione dell'eccentrico edificio e ricostruiscono il rapporto tra il potere mediceo e l'idea del 'freddo', che la Grotta esprime e simboleggia. La seconda parte è interamente visiva e presenta un 'viaggio meraviglioso', per immagini, all'interno dei tre ambienti che compongono la Grotta, realizzato dal fotografo e art director Luca Stoppini.

L'ispirazione è il filo conduttore di questo volume realizzato in occasione della mostra fiorentina dedicata a Salvatore Ferragamo: un viaggio a ritroso nel suo immaginario, alla ricerca delle fonti della sua fantasia creativa che in quarant'anni o poco più di attività ha prodotto una miriade di modelli di calzature e quattrocento brevetti d'invenzione. Il volume ripercorre i momenti più significativi della vita dell'artista, dalle esperienze a Hollywood al ritorno a Firenze, dai contatti con il Futurismo e le sperimentazioni d'avanguardia all'incontro con Jacobsen e Andy Warhol. Il catalogo comprende una sezione dedicata a un creativo contemporaneo, Stephen Jones, che lavora nel mondo della moda come Ferragamo e che con Ferragamo ha molti punti in comune: nel lavoro di entrambi la creatività incontra competenze tecniche, cultura individuale, curiosità, capacità intuitiva, coraggio.

Questa prima monografia di Giuliana Cunéaz rivela il lavoro di una delle più originali artiste contemporanee in un percorso che si sviluppa, con coerenza, dalla fine degli anni ottanta fino a oggi. Diplomata all'Accademia di Belle Arti di Torino, sin dai suoi esordi ha concepito l'opera d'arte come una moltitudine all'interno di un processo metamorfico. Questo aspetto trova l'immediato apprezzamento di Gillo Dorfles che nel 1993 non esita a definire il suo lavoro come 'messaggero d'una nuova e in buona parte inedita presa di coscienza circa il destino dell'arte visiva ai nostri giorni e forse in quelli d'un prossimo futuro'. Nota a livello internazionale (ha esposto, tra l'altro, alla Biennale di San Paolo in Brasile e ha avuto ampi riconoscimenti in Francia e Germania), Giuliana Cunéaz spazia dal video alla scultura; dalla fotografia alla videoinstallazione sino ai recenti schermi dipinti nella convinzione che, indipendentemente dai mezzi utilizzati, l'artista debba identificare nuovi percorsi visivi esplorando l'aspetto celato dell'esistenza fisica e naturale all'interno di un tracciato che suscita meraviglia e stupore.

Catalogo dell'omonima mostra tenutasi dal 27 maggio al 19 agosto 2007 presso la Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea 'Raffaele De Grada' a San Gimignano (Siena). Maria Novella Del Signore esplora progressivamente un'interpretazione immaginaria del mondo fenomenico. Al centro della manifestazione e del catalogo sta la grande istallazione Animal Earth, basata sulla nozione poetica che la Terra stessa è un essere sensibile, e che il suolo sotto i nostri piedi vive e respira. L'artista fiorentina espone in mostra opere 'vive', che pulsano, odorano, mutano in continui flussi che ci svelano il mondo esteriore e quello interiore, grazie anche all'utilizzo di materie quali il vetro, il sale, le polveri di marmo, la cera, la paraffina. Oltre alla riproduzione a colore e in grande formato delle opere in esposizione, il volume raccoglie i saggi - in italiano e in inglese - di Gianna Coppini, Marco Lisi, David Clegg, Sergio Risaliti, David Thorp, Laura Vecere.