Questo libro parla di fotografia e di femminismo, e di come già a partire dalla seconda metà dell'Ottocento le immagini fotografiche contenute dentro ad album, scrapbook e diari, siano servite a sperimentare pratiche di resistenza agli stereotipi e ai pregiudizi di genere. Dagli scrapbook realizzati dalle aristocratiche vittoriane agli album di famiglia di Clementina Hawarden, dai montaggi fotografici del Sammelalbum di Hannah Höch fino ad Aveux non avenus, il diario di immagini e parole progettato nel 1930 da Claude Cahun e Marcel Moore, queste pratiche hanno tracciato le tappe di un percorso che racconta una delle tante facce della fotografia. E cioè l'essere stata un veicolo privilegiato per raccogliere esigenze di tipo autobiografico e di narrazione esistenziale, delineando una poetica condivisa idealmente sia da donne che vissero la marginalità del loro ruolo sociale e culturale sia da chi non si riconosceva nella eteronormatività al potere. Comune fu la consapevolezza di come la fotografia fosse un oggetto identitario e rivoluzionario, ideale per raccontare la ribellione e liberare gli immaginari, da consegnare alle artiste delle generazioni successive. E per suggerire che altre prospettive erano, e sono, possibili.

Lee Miller e Man Ray si incontrano a Parigi sul finire degli anni Venti. Lei è una famosa modella di Vogue America e lui è già un importante artista dada-surrealista.

Una storia della fotografia ottocentesca che ha per oggetto non tanto la fotografia, bensì il fotografico, cioè l'insieme di quelle categorie concettuali che rendono specifica un'immagine in quanto immagine fotografica. Una scelta che non preclude il racconto, a volte anche minuzioso, delle vicende che hanno segnato i primi decenni di vita del mezzo, sempre però con l'intenzione di far emergere quella specificità che poi risulterà determinante nello sviluppo delle singole storie. È in questa prospettiva che il testo suggerisce continui e audaci collegamenti tra passato e futuro, tra Ottocento e Novecento, sviluppando intrecci e soluzioni sorprendenti rispetto a quanto, manualisticamente, si è soliti proporre. Oltre all'individuazione di sottili omologie tecniche capaci di trasformarsi in vere e proprie filosofie fotografiche, come per esempio accade tra 'carte de visite' e 'photomatic', o convincenti corrispondenze operative, come nel caso della valorizzazione del "banale" che lega la prima Kodak con l'attuale culto della 'snapshot', la costante ricerca del fotografico che il libro svolge porta all'evidenziazione delle più significative concettualità del mezzo: dal voyeurismo alla memoria, dall'esibizionismo all'ossessione dell'archivio, dallo specchio alla costruzione dell'immaginario.

Agatha Ruiz de la Prada ed Elio Fiorucci sono due designer noti in tutto il mondo per l'originalità e la creatività riconosciute nella progettazione di abiti e accessori di moda ma anche per l'immaginario fantastico che domina i loro mondi ipercolorati. Vere icone della moda Pop e Neopop, Agatha Ruiz de la Prada ed Elio Fiorucci vengono omaggiati in questo volume attraverso la ricostruzione delle tappe salienti della loro carriera e dell'ambiente culturale di cui sono emblema, in un dialogo serrato tra estetica, musica, arte, design, fotografìa, comunicazione e moda.

Moda e fotografia sono territori che si sviluppano in osmosi, attingendo l'uno dall'altro suggestioni e idee capaci di alimentare l'immaginario collettivo e influenzare comportamenti sociali, cultura visuale e ricerca artistica. Seguendo l'intrecciarsi di questi mondi, l'autrice racconta i percorsi dell'immagine di moda attraverso l'individuazione di idee chiave che da sempre appartengono all'identità e alla filosofia del fotografico: il recupero della memoria tra album di famiglia e modalità snapshot, il voyeurismo e il gossip divistico, la fuga fantastica nelle dimensioni filmica e teatrale. Una ricognizione ampia e trasversale in grado di cogliere quegli incroci tra arte, moda e fotografia che costituiscono lo scenario della nostra contemporaneità.