Volume monografico dedicato all'artista Carla Iacono (Genova, 4 aprile 1960). 'Quando ho pensato al titolo di questa monografia che racchiude il corpus centrale del lavoro di Carla Iacono fino ad oggi, ripercorrendone le tappe principali della ricerca e la trasversalità dei media dai quali è attraversata - dalla fotografia al collage, dal disegno all'installazione, fino ad arrivare al libro d'artista - il titolo Custode di voci segrete è apparso come una folgorazione, originando da una comune urgenza creativa: l'intuizione da una parte, alla base del processo della Iacono, che origina da un cortocircuito - che può sorgere dall'emozione derivante da uno sguardo o da un ricordo, da un accadere o da un frammento di vita dell'artista, da un film o da un libro forieri di una visione - e, dall'altra, la narrazione che da essa si sviluppa e si traduce in una rappresentazione stratificata tanto nella simbologia quanto nel significato, amplificato dalla modalità di rappresentazione prescelta [...]' (a cura di Livia Savorelli).

'Appuntamento con l'Artista' è il progetto di residenza ideato da Paolo Palmieri e Maria Antonietta Collu per gli spazi di Palmieri Contemporary. Un appuntamento vissuto come un'opportunità, risultato di una scelta appassionata e coraggiosa «Una piccola finestra sul mondo dell'arte contemporanea in un piccolo comune, Celle Ligure, lontano centinaia di chilometri dagli scintillanti ritrovi dell'arte» afferma Maria Antonietta Collu. Per la quinta edizione di 'Appuntamento con l'Artista' sono state invitate Monica Romstein e Annika Ström. Le due artiste di spicco, sebbene apparentemente distanti per stile e approccio estetico, hanno condiviso un periodo di residenza che ha messo in luce il potenziale sinergico tra le diverse visioni. Il volume raccoglie le conversazioni, tra tutte le figure coinvolte nel progetto, curate da Francesca Di Giorgio e una selezione di scatti realizzati da Marcello Campora.

Anna Maria Masoni per lungo tempo ha rifiutato di qualificarsi come 'artista', diceva semmai di essere un'artigiana, ma non è riuscita a restare nei confini della produzione in serie tipica dell'artigianato, ancor più non è riuscita a evitare di reinterpretare e personalizzare le decorazioni tipiche rinascimentali piuttosto che i motivi di origine araba o le volute ed i temi floreali della decorazione classica su porcellana. Ha assorbito tutto ciò per farne cosa diversa, ha studiato e ampliato le proprie conoscenze da autodidatta per metterle a servizio dell'arte e divenire un'artista 'a tutto tondo' oppure semplicemente una lavoratrice, un 'animale da studio e laboratorio' stando a quanto lei stessa ci comunicava pochi giorni prima della sua morte. Ci ha lasciato testimonianza di sé attraverso numerose opere realizzate con tecniche le più varie. Sono state scelte e raccolte in questa pubblicazione, trentatré opere, fra sculture e installazioni, realizzate nel periodo 1997-2019 giudicate significative della sua personalità e del suo pensiero.

Cosa ci rende deboli? Cosa ci può salvare dalla nostra debolezza? Quanta distanza possiamo frapporre tra la nostra identità, tra quello che vogliamo essere e i solchi già scavati per noi? È possibile allontanarsene? E di quanto? Come può ogni individuo continuare ad essere un inizio in una società sempre più controllata e omologata? È fattibile resistere per conservare la nostra esistenza?

Il volume, che prende il titolo dall'omonima mostra che il Museo dell'Arte Vetraria Altarese ha dedicato all'artista, ripercorre la ricerca fotografica di Matteo Musetti a partire da alcune sue serie iconiche: Il silenzio è violenza, Un silenzio assordante, Connessioni, Ferrania, Se vuoi sognarlo, puoi farlo!, Sann-a, a modo mio. Fotografie che rivelano uno sguardo laterale, 'maturate negli anni sulla base di una personale fragilità insita nel suo sguardo'. Come lo stesso Musetti dichiara: 'Ho scelto di fotografare e rappresentare il disagio umano, le sue difficoltà nell'entrare in connessione con il pianeta, la sofferenza di porre se stessi al centro di ogni ragionamento'.

'La mia ricerca artistica esplora in partenza la costruzione, la definizione del sé e l'alterità nel loro delinearsi attraverso dinamiche relazionali. La riflessione intima ed esistenziale sul mio rapporto con il reale ha caratterizzato il primo decennio di produzione. In seguito, ho iniziato a concentrarmi su opere di natura partecipata. Inizialmente indagando il linguaggio performativo, poi permettendo a queste 'azioni' di convergere in progetti video strutturati. Il mezzo filmico, unitamente alla fotografia, al disegno, la scultura e l'installazione hanno rappresentato tanto un insieme di tecniche da approfondire, quanto una pluralità 'linguistica' indispensabile a declinare in modo efficace la complessità del sistema mondo. Il mio processo artistico si nutre inoltre del dialogo tra discipline umanistiche quali la storia come dispositivo di memoria e narrazioni, l'antropologia come luogo dell'incontro, la psicoanalisi come giardino in cui germoglia la parola. L'elemento sociale e politico è il collante che contraddistingue la ricerca, la quale, tuttavia, conserva un forte sguardo poetico.' (Elena Bellantoni)

Catalogo della mostra collettiva 'The same sky' presentata da Civiero Art Gallery presso la Sala 'R. Falchi' Palazzo del Parco di Diano Marina (IM) dal 23 marzo al 4 maggio 2024. In mostra una selezione di opere di quattro artisti: Pablo Atchugarry, Keita Miyazaki, Dagoberto Rodríguez e Yuken Teruya.

Questo volume raccoglie una selezione delle opere liriche e fotografiche di Adriana Scalise prodotte nel corso degli ultimi dieci anni. Il progetto che l'autrice porta avanti da tempo e con costanza, interseca ricerca d'identità e lettura del paesaggio, in chiave introspettiva. Adriana Scalise non data e non titola le sue opere, all'occorenza fornisce alcune indicazioni di massima, il che contribuisce ad attribuire alle sue fotografie e alle sue liriche, un senso di sospensione 'metafisica' e di dubbio 'esistenziale'. La sua opera sgorga da una esigenza creativa che a intermittenza e con urgenza declama l'espressione. Il libro nasce dal desiderio di 'oggettivare' l'effimero, 'fissare su carta' l'opera, ma anche di volerci mettere un punto... e a capo. Chissà...! L'intento consiste nel poter gustare, infine, lontano dalla tensione creativa, le emozioni che immagini e poesie sono in grado di offrirci. Si tratta di sensazioni colte nella quotidianità dei gesti, emozioni vissute giorno dopo giorno, esperite nei 'luoghi del cuore', trasformate poi in scrittura, oppure in immagine. Esse, tutte insieme, rappresentano il 'paesaggio interiore' dell'autrice.

«[...] L'oggetto ready made e, di più, il recupero e il riuso di materiali non artistici, prelevati da altri contesti e rielaborati liberamente, permettono di aprire nuove possibilità alla narrazione estetica, rendendo valoriale la trama e l'ordito di un tessuto di vicende, azioni, eventi, situazioni che amplificano e potenziano il senso ultimo dell'opera d'arte... [...]. Seguendo questa premessa osserviamo come Alessio Barchitta agisca sul materiale con un'intenzionalità predeterminata, funzionale non solo a riassorbire unicamente quanto 'dimenticato' e 'disperso' nell'ambiente - prendendo in carico sia ciò che è considerato e pensato come 'rifiuto' e 'scarto', sia altre sostanze la cui energia rappresentativa è per lui peculiare - ma anche a concatenare eventi nuovi che, dalla loro memoria pregressa (la loro storia), si aprono all'evenienza del momento della visione risvegliando ricordi nella memoria di chi osserva».

Il volume è un racconto corale della storia di CEPIM Interporto Parma e del territorio che lo ospita. Nel tempo la Società è notevolmente cambiata: nata nel 1974 per rispondere a bisogni di gestione logistica delle merci, si è trasformata divenendo un Logistic Service Provider, in grado di progettare e sostenere tutta la catena di servizi necessari dentro e fuori l'area interportuale. I cambiamenti societari, territoriali e strutturali sono andati in questi anni di pari passo con quelli umani. Nel volume viene data voce alle molte anime e alla storia del luogo, dalle trivellazioni dei primi pozzi di petrolio del 1929 alla realizzazione del nuovo Terminal. La profonda unione col territorio viene ricordata con approfondimenti di Arte, Storia e accadimenti tout court che connotano ancora oggi quell'area di strada con la quale CEPIM dialoga quotidianamente, sulla quale viaggiano merci, clienti e grazie alla quale storie e oggetti si incontrano.

'Il titolo, lo confesso, non è farina del mio sacco, l'ho preso in prestito da un'opera che Angelo Molinari ha realizzato nel 2007: una composizione in cui due piccoli tacche blu, sottili come petali e trasparenti come l'aria, sono state risucchiate da energiche pennellate nere e gialle. Davanti a loro, quasi a voler celare quanto sta accadendo, onde laviche arrossano buona parte del primo piano lasciando larghe scie incandescenti su quasi tutta la superficie del quadro. Il ritmo è concitato, i colori sono emotivamente carichi e le minuscole tarsie, ormai irrimediabilmente in balia del ciclone, sono rettangoli di cielo a questo punto irraggiungibili. Tutti elementi importanti e immediatamente riconoscibili, ma L'inizio non è mai dove si pensa, suggerisce saggiamente il titolo...'

La complessità della realtà, le mille sfaccettature che la compongono, un arcobaleno la cui cromaticità sfuma e si dissolve mediante una gestualità che si espande oltre la superficie e abbraccia ciò che la circonda. Alice Voglino (1995) agisce non tenendo conto dei confini, dei limiti del supporto, il suo è un linguaggio emotivo in grado di surclassare le zone limbiche tra il possibile e l'incerto e accogliere dentro sé quell'universo cromatico in grado di donare nuova luce ai propri sensi, a quella personale capacità di illuminare, mediante una pittura veloce, istintiva ed energica, l'ambiente che accoglie e protegge.

Pubblicazione realizzata in occasione della presentazione degli artisti selezionati per il Premio Osvaldo Licini by Fainplast 2024, giunto alla sua quarta edizione. Il premio è intitolato a Osvaldo Licini, figura centrale dell'arte italiana del Novecento e uno degli artisti marchigiani più significativi, di cui la città di Ascoli Piceno conserva un importante nucleo di opere. L'evoluzione artistica di Licini ha segnato un percorso rivoluzionario che ancora oggi ispira le nuove generazioni. La sua pittura, in cui convivono tensione tra forma e colore, tra segno e spazio, ha aperto nuove strade nella comprensione del linguaggio visivo, fondendo elementi figurativi e astratti in un vocabolario immaginifico e visionario. È proprio questo spirito di continua ricerca e audace sperimentazione che ritroviamo nei cinque artisti selezionati per l'edizione 2024 del Premio: Luca Bertolo, Guglielmo Castelli, Claudio Coltorti, Alessandro Pessoli e Alice Visentin. Il Premio Osvaldo Licini by Fainplast si conferma così un riconoscimento che celebra e promuove l'eccellenza nella pittura contemporanea italiana.

La ricerca dell'artista Ettore Pinelli è incentrata sull'osservazione antropologica degli aspetti relazionali della natura umana quando questa viene condotta al suo limite. A partire da immagini, video ed iconografie ricavate dai media, Pinelli evidenzia il rapporto portato allo stremo che l'uomo contemporaneo ha con l'informazione. Nella sua ricerca è costante lo sviluppo di particolari immagini e dati provenienti da canali di informazione di terze parti: una mancata definizione, un'accentuazione del disturbo o dell'errore che da difetti si trasformano in valori unici e assoluti. La sua pratica è caratterizzata da una pittura di superficie: stesure leggere e fitte dove una gestualità controllata non permette errori o ripensamenti. Prediligo la pittura e il disegno come metodi di restituzione dell'idea e a loro mi affido per un processo di costruzione e decostruzione dell'immagine che le faccia acquisire una vitalità propria ed una forte autonomia.

Antonio Ligabue e Renato Guttuso: due uomini che hanno scritto la storia dell'arte moderna. Due artisti, pur distanti artisticamente e culturalmente, che hanno parlato della realtà, entrando in essa come pochi altri hanno saputo fare, sebbene da porte diverse...

Negli spazi interni ed esterni del Forte Strino, Manuela Bedeschi dà vita ad un vero e proprio percorso di luce attraverso opere prevalentemente realizzate con i neon, da anni ormai il linguaggio espressivo più utilizzato dall'artista vicentina. Il visitatore, fin dal momento in cui entra nella fortezza, viene preso per mano e coinvolto in un viaggio che dà l'impressione di svolgersi fuori dallo spazio reale e oltre il tempo della quotidianità...

Questo volume nasce dalla volontà di documentare il lavoro svolto da Tito, tra il 1966 e il 2018, nel dar vita negli ambienti adiacenti al convento della Scala Santa a Roma ad uno spazio creativo alternativo, libero dalle logiche istituzionali e dal mercato tradizionale dell'arte. Un progetto che ha permesso la realizzazione del Parco delle sculture della Scala Santa, all'interno del giardino dei Passionisti situato nell'area archeologica Lateranense, non lontano da piazza Vittorio, a Roma, dove Mecenate aveva realizzato il suo parco bonificando l'area e lungo l'attuale via Merulana in cui si estendevano gli Horti Lamiani.

Pur trattandosi di un ambito di ricerca piuttosto recente, lo studio d'artista rappresenta da sempre la prima e più attendibile fonte di conoscenza che abbiamo dell'opera di un artista. Solo negli ultimi decenni, è stato riscoperto dalla critica quale luogo cruciale dove lo studioso avvia una sistematica esplorazione volta non solo alla ricognizione delle opere e alla conseguente analisi delle stesse ma soprattutto alla ricostruzione di tutti quei processi che le hanno rese tali, nella loro forma finale.

A quasi quindici anni dalla mia prima personale sento la necessità di documentare il mio percorso artistico e l'evoluzione della ricerca pittorica che si è sviluppata negli anni. Il mio lavoro è articolato su diverse serie ed è essenzialmente incentrato su soggetti botanici e floreali. Le serie ne mostrano chiaramente l'evoluzione: sia nella padronanza delle tecniche pittoriche, sia nel mettere a fuoco e trattare tematiche e interessi a me cari, come la botanica e la percezione visiva, che sono riuscito a coniugare e esprimere a pieno nella serie che ho chiamato 'Narciso'. Sono sempre stato affascinato dagli aspetti della percezione visiva focalizzati sui 'pattern' (motivi ripetuti): insiemi di linee, forme e strutture, che sono ovunque intorno a noi: sia nelle geometrie del nostro urbano quotidiano, sia soprattutto nell'apparente disordine della Natura...

Nüshu significa letteralmente 'scrittura delle donne'. La sua pronuncia si basa sul dialetto locale, ovvero quello dei villaggi situati intorno alla contea di Jiangyong, nella provincia di Hunan, nella Cina meridionale. È difficile stabilire una data precisa della sua creazione, ma nacque sicuramente in risposta alla società patriarcale dell'epoca... Prende lo stesso nome il progetto che l'artista Alessandro Cardinale ha dedicato alle donne yao e alla loro scrittura ermetica...

L'opera di Stefania Puntaroli è un 'perpetuum mobile' in costante ricerca di un punto di quiete che si sposta continuamente senza che lo si possa mai raggiungere. Non solo, il nomadismo linguistico la conduce a cercare di affrontare più linguaggi contemporaneamente spaziando dalla performance alla pittura, dal disegno alle tecniche incisorie. Nelle recenti 'Anatomie' ha sviluppato un senso particolare per l'iperbole visiva per un universo al limite tra naturale e soprannaturale che era presente nel suo lavoro fin dal lontano 1995 ('Creatures') al termine dei suoi studi accademici.

[..] Tempo e processo. Queste sono le due coordinate che certamente appartengono anche a Margherita Levo Rosenberg che, della concentrazione e della caparbietà, nel fare e nella coerenza di percorso, ha fatto la sua cifra stilistica, lei che si è dedicata all'arte come esigenza non più contenibile o rimandabile. [...] La sua ricerca, dopo le prime incursioni nella pittura, ha saputo accogliere un'evoluzione in una scultura modulare, additiva che ha sviluppato forme tridimensionali tessendo e incastrando elementi modulari ricavati da vecchie radiografie, film plastici e materiali consimili. Levo Rosenberg, come Penelope, tesse e con pari trasporto crea, seguendo il ritmo del tempo e la scansione del processo che la conducono, passo passo, a maturare una forma organica; una scultura la cui materialità e plasticità sono addizionali, fatte di accumulazione progressiva, ripetuta ugualmente diversa, che è prassi intenzionale di un fare che non ha mai spazio di resa, né vuole averlo. Dal testo 'La tenacia della ripetizione tra de-strutturazione e ri-creazione' di Matteo Galbiati.

'[...] Attraversando il lavoro di Franco Belsole si ha la sensazione di vestire uno sguardo in cui la comprensione della complessità della scena guardata non allontana l'autore dalla possibilità di esprimere una grande cura formale. Un fare l'immagine in cui la consapevolezza tecnica e la capacità compositiva riferiscono una famigliarità con un panorama iconografico che si spinge ben oltre quello contemplato dalla storia della fotografia a cui l'autore rimane pur sempre profondamente legato. [...] Lontano dalle posture proprie della fotografia di architettura 'pura', le fotografie si soffermano piuttosto a rilevare quanto questa architettura produce e organizza sulla persona. Tratte in un illuminismo Foucaultiano, le immagini di Belsole inseguono il transitorio, il fuggitivo, il contingente, le posture del passaggio che si produce in un abitare nel quale la governamentalità ha prodotto i suoi monumenti nel disegno stesso dell'ambiente-mondo. [...]'. (dal testo di Matteo Cremonesi)

'Nella sua pratica artistica, Ugo Marano ha unito la concretezza della ricerca sul design e sui materiali a una sensibilità che affonda le sue radici nelle antiche tradizioni meridionali. [...] L'arte di Marano trae spunto dal quotidiano e a esso ritorna, caricando sedie e tavoli, piatti e altri oggetti di uso comune di nuovi significati. La sua pratica appare continuamente vivificata dalla sua fervida immaginazione e soprattutto da una forte volontà di rinnovamento e riflessione consapevole sui propri mezzi espressivi.'

Catalogo di Fotografia Calabria Festival II edizione 2023, il primo festival diffuso di fotografia in Calabria, ideato e promosso dall'Associazione Culturale 'Pensiero Paesaggio', che ha luogo dal 21 luglio al 20 agosto a Fiumefreddo Bruzio (già sede della I edizione del festival) e San Lucido (CS), suggestivi centri del basso Tirreno cosentino pronti ad accogliere mostre, eventi, talk e workshop dedicati alla fotografia. Un'esperienza emozionante per immergersi e scoprire l'autenticità e la bellezza del territorio calabrese attraverso un viaggio culturale unico nel suo genere. 'Il cambiamento' è il tema di quest'anno. Un tema che non è solo legato naturalmente a questa edizione, visto il nuovo naming che porta con sé, ma che vuole mostrare il cambiamento come qualcosa che parte da ognuno di noi e che smuove emozioni e sguardi profondi: che sia ricercato e attuato con coraggio da un bambino, accolto e accettato con naturalezza da un anziano, che sia la conseguenza della tensione tra la scienza e il suo sfruttamento commerciale e causa di grandi e piccoli mutamenti del nostro tempo.

Catalogo pubblicato in occasione della mostra «Sabino Galante. Vanitas», a cura di Alessandra Redaelli e Un Quadro di Te, in collaborazione con Laura Tartarelli Contemporary Art, 29 luglio - 20 agosto 2023, Sala del San Leone e Laura Tartarelli Contemporary Art, Pietrasanta (LU). Nel ciclo pittorico Vanitas Galante ha ritrovato la bellezza nell'arte classica che lo ha ispirato con i suoi modelli iconici dalla primitiva purezza e delicato equilibrio. L'artista rappresenta delle sculture colte in attimi drammaticamente umani, costrette a un'apparente immobilità dal marmo con cui sono realizzate, crepate e spinte alla vita grazie alla natura rigogliosa. La pietra si fa cedevole e morbida, si piega sotto il peso dei pensieri e delle riflessioni che opprimono ogni uomo. L'obiettivo del pittore non è dunque solo quello di effettuare un semplice esercizio di copia della realtà che ci circonda, ma anche proporre una riflessione sullo scorrere del tempo: quello all'apparenza immobile del marmo, quello lento della crescita delle piante e quello fugace delle bolle di sapone o del fremito delle ali.

Volume pubblicato in occasione della mostra 'Sergio Dangelo. Un viaggio surrealista passando da Albisola', Albissola Marina, MuDA Centro Esposizioni e sedi varie, 7 ottobre 2023 - 7 gennaio 2024. Il libro, curato da Paola Grappiolo, omaggia la figura e l'arte di Sergio Dangelo (Milano, 19 aprile 1932 - Milano, 4 gennaio 2022), uno degli artefici e dei protagonisti indiscussi della grande stagione artistica di Albissola, attraverso immagini di opere, varia documentazione fotografica e numerosi testi: un approfondimento sulla figura e le opere di Dangelo del prof. Francesco Tedeschi, un testo di Luca Bochicchio, direttore del MuDA, i testi dei suoi due figli Amanda e Simone Reggiori Dangelo, un testo introduttivo del Sindaco di Albissola Marina Gianluca Nasuti e uno di Luciano Pasquale, Presidente della Fondazione Agostino de Mari di Savona. Inoltre, sono presenti nove testimonianze di personaggi del mondo della cultura ligure, o semplicemente amici di Dangelo, che hanno collaborato a questo omaggio: Paola Boggi, Paola Grappiolo, Eugenio Lanfranco, Silvio Riolfo Marengo, Federico Marzinot, Tullio Mazzotti, Mino Puppo, Sandro Ricaldone, Rino Tacchella.

«Nella sua ultima produzione Giò di Busca (Milano, 1959) mette in scena opere completamente d'oro, colore oro e foglia d'oro. Si tratta di un ciclo di opere materiche (Lave d'oro), nelle quali le pennellate si sovrappongono, creando spazi fantastici tra i quali appaiono, a volte, altre cromie come il verde, il rosso e il nero, o le pietre dure che sembrano nascere da questa materia magmatica, vissuta, la cui ispirazione nasce dai paliotti d'altare della Chiesa della Salute a Venezia. [...] I suoi ultimi lavori, gli ori, appunto, ci parlano di un'arte 'immateriale', per usare un'espressione di Yves Klein, di una spiritualità che trascende la volontà dell'artista, e che cerca di interpretare quello spazio vuoto, quello iato tra materia e pensiero, quello stesso vuoto che non si può riempire solo con la ragione». (dal testo 'Giò di Busca. Lave d'oro - Labirinti di emozioni' di Vittoria Coen)

La fabbrica di ceramiche Giuseppe Mazzotti, fondata ad Albisola nel 1903 da Giuseppe Bausin Mazzotti, festeggia il suo 120esimo anniversario. La manifattura è stata tra le protagoniste del rinnovamento dell'artigianato e dell'arte, attraverso il suo lavoro ha portato sulle Rive del Sansobbia le più importanti personalità militanti nel panorama artistico internazionale, facendo diventare Albisola la capitale mondiale della ceramica nel corso del Novecento. Una metamorfosi culturale e produttiva che, per la prima volta, viene raccontata unitamente da Giovanni Rossello e Tullio Mazzotti, quarta generazione della famiglia e attuali proprietari delle Ceramiche Mazzotti e della Fabbrica Giuseppe Mazzotti 1903, le due ditte che continuano l'attività della ditta iniziale fondata dal loro bisnonno.

Catalogo pubblicato in occasione della mostra Giovanni Blanco. Tutto quello che accade, a cura di Galleria Susanna Occhipinti, Auditorium San Vincenzo Ferreri, Ragusa, 3 settembre - 17 settembre 2023. Le venti opere in mostra sono una selezione di dipinti e monotipi inediti che narrano un viaggio di andata e ritorno: quello dell'artista stesso che, dopo gli studi all'istituto d'arte, oltre alla Sicilia, ha attraversato parte dell'Italia per continuare a studiare a Bologna, dove è rimasto per vent'anni, riconoscendo tuttavia alla variegatura unica della sua isola e alle inevitabili contraddizioni che ne derivano la culla di molti degli archetipi che fino ad oggi costituiscono il suo immaginario pittorico e che ritroviamo all'interno della mostra. La 'pittura come luogo', dunque, il tema inesauribile e complesso della Sicilia, visioni, parole, sentimenti, buchi di memorie e pure marginalità seducenti sono gli ingredienti dell'arte, per Blanco in perenne movimento.