Con Cosmo-polis 2 Gianni Sevini rinnova le sue visioni del cosmo e l'indagine delle strutture in equilibrio del firmamento. Una nuova visione, con lo sguardo attento di chi nell'arte esprime concetti tecnici e cromatici narrativi di una realtà ai limiti tra il sogno e la scienza. Sevini ci suggestiona con maestose tele che racchiudono i colori e le nomenclature degli spazi incontaminati e silenziosi vicini e lontani. Luoghi sconosciuti da cui la vita proviene, da cui tutti noi proveniamo, ignari e solitari per intraprendere il nostro breve viaggio terreno confuso tra Spirito e Materia, in una concezione del 'Bello' ben nota all'artista, ma a volte disperso fra le superflue fatiche di un quotidiano banale ed evanescente. Così l'artista riesce a ricongiungere il dimenticato senso di appartenenza alla nostra Madre Celeste per riportarci a Casa, consapevoli finalmente che forse il nostro 'passaggio' esperienziale e faticoso, possa riscattarci nella sublimazione delle bellezze dell'Universo.

'Bologna Experience' è una sollecitazione a guardare di nuovo per vedere cose nuove, perché riguardare è una cosa che si fa con ciò che merita non solo il nostro interesse ma il nostro rispetto, ciò che è appunto di riguardo. E tramite questo sguardo che si rinnova, rinsalda, sviluppa la relazione con ciò che guardiamo. Perciò in questa mostra abbiamo prima di tutto cercato di invitare lo spettatore a fare attenzione, non necessariamente verso qualcosa di nuovo o di sconosciuto, anzi! Puntiamo i riflettori verso elementi, storie, caratteristiche della città che il visitatore già conosce, ma li mostriamo in maniera diversa, per trasmettere angolature nuove e nuovi punti di vista. Per scoprire che riguardando si vedono cose diverse. E che riguardando impariamo ad avere riguardo.

Se Dalí fosse stato soltanto un surrealista, oggi vedremmo probabilmente in lui l'esponente emblematico di un movimento fondamentale nella storia dell'arte e della cultura del Novecento, ma che ha finito da tempo la sua spinta propulsiva. Non ci sarebbe niente di male e ciò non toglierebbe nulla alla grandezza dell'artista. Ma è provocatoriamente possibile pensare ad un Dalí... aumentato? La nostra proposta è diretta a cogliere cosa possano ancora oggi ispirare il metodo e il percorso di Dalí, cercando di capire se possono essere considerate valide per lui stesso queste sue parole: 'un vero artista non è quello che è ispirato, ma quello che ispira altri'. Abbiamo quindi cercato di fare una mostra che sia non solo 'su' Dalí, ma anche 'a partire da' Dalí, dove le sue opere dialogano con le nostre installazioni multimediali e interattive, in un gioco di continui rimandi e ri-creazioni. Abbiamo cercato, se non proprio di... aumentare Dalí, almeno di aumentare le esperienze e gli stimoli, moltiplicando le possibili percezioni e i livelli di lettura. Questo libro è la testimonianza di quanto è stato fatto e pensato per la mostra Dalí Experience a Palazzo Belloni - Bologna.

Le opere di Sergio sono questo, finestre di emozioni che finiscono per essere imprigionate dalla tela. Lo sguardo si concentra sulla finestra, i colori prendono il sopravvento sulla forma e percorrono una strada propria, colori che vengono dalla memoria e riaffiorano con prepotenza sulla tela. Il passaggio dall'acrilico all'olio ha intensificato questo aspetto ed ha portato alla luce un'altra identità dell'artista, la scultura che si percepisce in tutte le opere ma diventa evidente quando dalla finestra guarda le città, Venezia con la Basilica di San Giorgio che si affaccia sul Canal Grande, per citarne solo una. La violenza dei colori è un'altra chiave d'accesso al lavoro di Sergio, dopo il primo impatto ci si rende conto dell'equilibrio dei colori che, come succede per il riflesso del sole nel mare, quasi ci fa distogliere lo sguardo ma al contempo ci incanta. Un viaggio intenso che ci fa riaffiorare alla memoria ricordi di mare e di città, quasi come fosse un indizio di primavera una rondine o il ricordo di un estate che non riusciamo a collocare nel tempo ma siamo sicuri di aver già vissuto.

In Bassetti non c'è solo una spasmodica volontà di fare pittura per esigenza di vita e di sfogo di passioni ma, anche e forse soprattutto, per dar sfogo a quell'attività di studio 'matto e disperatissimo' che lo ha assalito fin da ragazzo, e per colmare quella sete di saperne, di arte e di semiotica, più di ogni altra cosa al mondo, riempendo di conoscenza quel suo mondo già colmo di vibrazioni e sensibilità, di paure e di certezze, di amori e di affetti, così come di lontananze e solitudini.

Vedere dal vivo la lunga teoria di altorilievi narranti l'Inferno di Dante è una esperienza indimenticabile. La scultura del Maestro Robazza è vigorosa e possente, filologicamente esatta, da profondo conoscitore e amante della 'Divina Commedia'. Selezionando, scomponendo, isolando ogni figura, ripetendo a mente le terzine ritratte, i due linguaggi differenti, la parola e l'immagine, compongono un'emozione intraducibile. Robazza ha scolpito con il cuore la passione dell'itineriarium mentis in Deum entrando dentro i personaggi stessi e usando una tecnica di cui lui solo ha il segreto. Le atmosfere si addensano intorno ai momenti drammatici e lirici del Poema, specie quando si ha a che fare con il dolore tenero di Paolo e Francesca o col dolore devastante del Conte Ugolino. A Robazza va lode di non aver tralasciato i gruppi dei penitenti, di aver segnato a forti contrasti chiaroscurali e volumetrici pure coloro i quali sono infitti nel ghiaccio al fondo dell'imbuto, alcuni fino al collo, altri riversi, altri ancora lontani e sfocati come in un incubo.

A quattrocento anni dalla nascita di Salvator Rosa, Viviana Farina, attraverso un approfondito saggio, racconta il periodo giovanile di questo pittore e poeta, celeberrimo già in vita, svoltosi negli anni Trenta del Seicento tra l'originaria Napoli e Roma. Una riflessione sugli inizi di uno dei protagonisti assoluti dell'arte e della cultura del Seicento, e un indagine ravvicinata sulle radici della sua arte in relazione ai suoi contemporanei a Napoli, osservando attraverso una serie di confronti, il tentativo di raggiungere e anche superare artisti quali i fratelli Fracanzano, Aniello Falcone, Jusepe de Ribera, Micco Spadaro. Un'inedita e importante sezione di Disegni contiene l'abbozzo di un nuovo catalogato ragionato dell'opera grafica di Salvator Rosa.

La cartina storico/turistica di Meta (NA) interamente disegnata a mano in assonometria con gli edifici antichi in '3D', i cenni storici, le descrizioni dettagliate, i percorsi, i numeri utili, le strutture ricettive.

Forse nessuna mappa potrà contemplare mai la disomogeneità di questo 'secolo breve' e troppo veloce in cui decine e decine di movimenti, di sperimentazioni, di stili si sono avvicendati, accavallati, schiacciati ed esauriti a volte in un tempo sufficiente solo a lasciare piccole e superficiali impronte nella storia. Abbiamo delineato, quindi, 8 nuove regioni attraverso le quali intraprendere questo viaggio nella pittura italiana del '900. Regioni fluide, con provincie spesso condivise e capoluoghi trasversali dove opere e artisti potrebbero abitarne liberamente il limite, dove il confine è la linea che unisce e non divide movimenti e stili che si intrecciano e dialogano tra di loro per svelarci nuove letture possibili: la valle del Corpo Sognato, il teatro dei Luoghi e gli Scenari, la terra degli Oggetti Enigmatici, la piana dei Segni, dei Gesti e delle Scritture, le grotte delle Materie e delle Alchimie, il golfo delle Azioni ed i Pensieri.

Il protagonista del romanzo è Marco Cicala, un diciannovenne di Cugliano, paesino della provincia di Napoli. Cresciuto in un ambiente gretto e retrogrado, dove ciò che conta è avere i soldi ed essere belli 'come quelli della Tv', Cicala trova il suo rifugio in casa, tra pc e romanzi. Non ha mai fatto sesso e non ha una vita sociale. L'occasione buona per uscire dal bozzolo che si è costruito viene dal cugino, che dopo l'esame di maturità gli propone una vacanza a Mykonos. Da lì inizia una vita all'insegna della movida, in giro per i locali più glamour dell.hinterland napoletano. Sbronze, ragazze e divertimento segnano la metamorfosi del protagonista. Ma alla fine tutti gli sforzi di adattamento al mondo che lo circonda non daranno i frutti sperati: Cicala non è fatto per quello vita e lo capirà al prezzo di insuccessi e delusioni.

La capacità tecnica di un artista si scopre nel disegno e proprio in queste pagine, piene di affascinanti segni grafici, torniamo a questo aspetto essenziale dell'opera di Bianca Brancati Carlevani. Ci muoviamo fra punti e tratti che diventano forma e figure in un continuo alternarsi di soluzioni e dissoluzioni di immagini e sensazioni plastiche.

In un'opera, prima di tutto vengono le idee, e qui l'idea attraversa epoche e continenti, surclassa l'imperfezione e la materia, annulla il tempo e lo spazio: Picasso dialoga con l'antico e con la tradizione classica sia nella scoperta della potenzialità espressive che tecniche e materiali gli possono offrire, sia nella continua ricerca della bellezza e della potenza nel suo disegno, mai accademico e mai conforme allo spazio rinascimentale, ma che, tuttavia, risponde sempre e comunque alle eterne leggi dell'armonia. Il gesto apparentemente indisciplinato del bambino, curioso di provare un nuovo arnese che non conduca alla pedissequa rappresentazione, restituisce una forza dirompente alla capacità espressiva dell'immagine e al contempo la freschezza e la gioia della scoperta di un senso nuovo.

Questa libro nasce per caso in un negozio di musica dove un passante chiede uno spartito musicale, titolo 'La Grotta Azzurra' autore Camillo Paturzo. Chi? 'Un certo compositore di origini metesi vissuto intorno all'800' è la risposta del passante. Io, metese, musicista, sento dentro un fremito di curiosità e di orgoglio verso un personaggio sconosciuto fino a quel momento a me e a tanti altri miei concittadini. Il legame tra Camillo Paturzo e la città di Meta nasce dal merito riconosciuto a questo grande compositore, poeta e musicista dell'800 che fece respirare al nostro paese aria di melodramma e di bel canto. Non è un caso, quindi, che alcune tra le più belle voci liriche della Penisola Sorrentina del 900 siano nate nella piccola Meta. È quindi giunto il tempo di dare lustro e gloria ad un grande concittadino dimenticato che ebbe l'onore di dirigere per la prima volta l'Ernani di Giuseppe Verdi a Napoli e con il quale più volte Gaetano Donizetti si confrontò sulle sue opere.

Una raccolta che ci riporta indietro nel tempo, quella di Domenico Segna. 'Le chiese scomparse' è infatti un viaggio a ritroso, razionale e sentimentale, alla ricerca di un tempo perduto di ricordi privati, famigliari, già fluiti nel tessuto di un'esperienza comune. Anche nello stile, che accoglie esperienze moderniste e surrealiste, l'autore sembra guardarsi alle spalle, a quel Novecento da cui proviene e a cui questi testi rendono esplicito omaggio, tra letteratura e vita. Al lettore non resta che avventurarsi tra questi versi, misteriosi e squillanti, avvertire il sentimento del sacro che li anima e che anima il loro autore, sospeso tra una parola catartica, quasi profetica, e una dimensione seriosamente giocosa, pienamente surrealista. Una poesia che scaturisce dal silenzio, questa, che ci fa abbandonare 'i cortili dell'istante' verso la conquista d'una terra di 'eremite abbondanze'.

Più di 100 opere del maestro del surrealismo a Sorrento in un'esposizione unica interamente dedicata a Salvador Dalí per avvicinarsi agli aspetti meno noti del suo lavoro. Un'ampia selezione tra sculture, di cui quattro monumentali ed altre museali, oggetti in vetro, oro, collages e raccolte grafiche di Dalí illustratore che intende rivelare le fonti di ispirazione del genio di Salvador Dalí. Un percorso che consentirà ai lettori di immergersi nel labirinto della mente e dell'infinita immaginazione dell'artista. Contiene scritti di Beniamino Levi, Wolf Guenter Thiel e Gino Fienga.

Doriana Freschi dipinge da sempre. La sua pittura, chiara e diretta, contiene messaggi poetici che trovano spunto nei soggetti più dissimili: da un cesto di frutta, a un bambino, da un paesaggio ad un sogno, realtà diverse che vengono tradotte in arte attraverso un linguaggio che parte da un figurativo 'classico' fino ad arrivare a toccare dei punti di surrealismo puro. Ma tutto sempre all'insegna del colore che riesce ad esprimere quei sentimenti di bellezza elaborati interiormente dall'artista e di cui si fa testimone e interprete nei confronti del mondo. Un colore materico e pieno che porta alla ribalta sensazioni forti, talvolta drammatiche ma sempre intimamente vissute e quindi coinvolgenti, capaci di trascinare l'osservatore nei luoghi lontani della sua poesia.

La ricerca che Luca Tornambè porta avanti in questo lungo racconto fatto di parole e immagini è sostenuta dal desiderio costante di tirare fuori dall'oscurità la potenza della poesia, sia che questa si manifesti lievemente, sotto forma lessicale sia che irrompa in maniera spettacolare con la pittura. La sua opera ci racconta il mondo come se fosse nuovo, tutto come per la prima volta, mettendo in luce le corrispondenze segrete che esistono fra le cose, e facendoci riconoscere la bellezza attraverso il filtro della semplicità anche nelle cose più piccole e sottili fino a rimanere travolti e trasportati dall'onda misteriosa dell'energia dei suoi sogni.

'Codamozza' unisce la fabula ad un linguaggio fantasioso e cartavetroso, per riportarci il nostro vissuto quotidiano pubblico, che il cinismo dei media ci manifesta senza il candore di un possibile cambiamento. Un campo di sorci sorto in una Scampia, dove vivono i derelitti di questa storia senza speranze né sogni, nasconde la vita in corso di una Napoli reale ottenebrata dal potere. Saggese disegna con la storia dei due sorci amici-divisi - ma per quanto? - la parabola-apologo di una società disgregata, la nostra, che solo nella controluce di una vicenda animale - come in una striscia di 'Lupo Alberto' - può essere compresa. Si serve dei suoi amati animali che predilige perché rappresentano forse ai suoi occhi degli amici-sentinelle che ricordano a noi umani le nostre-loro fragilità, l'importanza di una solidarietà non dettata solo da debolezza, e la grammatica fisio-cognitiva della sofferenza, che noi abbiamo dimenticato. Fa questo servendosi di una lingua che usa le screziature di dialetto per magnificare l'espressività della parola: saporita e indicativa di un cammino per tutti noi. 'Perché al niente preferisco il dolore' (W. Faulkner).

La difficile selezione fra le centinaia di opere che compongono la corposa produzione di Bianca Brancati Carlevani trova in questo volume la sintesi attraverso un percorso ideale, che ci guida fra i diversi approcci che, nel corso di tanti anni di lavoro, hanno caratterizzato il lavoro di questa artista catanese. La linearità della visione del mondo è una cifra costante, che lega tempere, grafiche, olii e collages in un percorso quanto mai coerente e segnato dalla serietà della ricerca e dalla minuziosità dell'indagine artistica. La ricorrente attenzione al segno e alla verifica formale allontanano ben presto l'artista dalla necessità figurativa, per indagare ancora più a fondo le problematiche spaziali in un susseguirsi di scelte e soluzioni del tutto originali che sintetizzano con decisione la sua poetica: l'eleganza dell'essenzialità.

'Si cammina soli, in queste poesie, e lo stupore di un nuovo evento viene salutato con calma, sì, ma senza gioia, se degli incantesimi del Mondo si riconosce ormai ogni formula, ogni artificio, e si può, si deve 'rinunciare al conforto di non sapere'. Ecco che tra versi sempre pronti a troncarsi, tra referti cronachistici in bassa definizione e prose asciutte che non si concedono fughe o sbalzi lirici, Maccari, con uno scacco matto, con una definitiva contromossa, può guardare in faccia, da pari a pari, all'ambigua maschera di una condizione d'esistenza che ci vuole attivi e che - nello stesso tempo - ci incita alla fuga.' Prefazione di Luca Lenzini

Paola Zaretti dà voce a una sfida fra due importanti figure del femminismo italiano - Angela Putino e Luisa Muraro - su un tema vasto, opaco e controverso qual è stato il rapporto tra femminismo, psicanalisi e politica. Attraverso i pensieri e le parole delle due donne - personalmente e politicamente impegnate su questi temi negli anni '70 - pagina dopo pagina si torna a cercare la centralità e il merito allora riconosciuto a quel rapporto e alla sua funzione nell'ambito della 'politica delle donne', di cui oggi ci sembra di aver perso le tracce.

Alla continua ricerca del gattosacco, il protagonista (il cacciatore della prima avventura: 'La cattura del gattosacco') si ritrova nel bel mezzo di una lezione un pò stramba dove tre conigli geometrigli discutono di numeri e forme. Età di lettura: da 6 anni.

Parigi. Louvre. Ala Denon. Primo piano. Sala n° 6: la Gioconda, ovvero il ritratto di Monna Lisa. Forse c'è qualcosa oggi, o da qualche tempo a questa parte, che si muove sotterraneamente per corroderne l'immagine, per insidiarne il primato assoluto, per inabissarne anche l'identità artistica? Nessuno può rispondere con certezza a questa domanda, certo è, però, che qualcosa manovra in questo senso. Tenteremo di capire, perché ancora la Gioconda ci interroga, benché lo faccia col suo eterno silenzio di oggetto che ci ostiniamo a chiamare arte, trascinando inevitabilmente con sé e il suo autore e il concetto di artista e di genio, e cinque secoli di storia, di storia dell'arte, di cultura con i suoi enigmi mai svelati e le sue avvincenti leggende.

La chiusura degli spazi espositivi della Fondazione Pomodoro, in via Solari a Milano è la perdita, non solo per la città, ma per la cultura in generale, di un luogo che aveva un approccio intellettuale, nei confronti del rapporto attività-comunità, oggi ancora assai raro. 'Vicolo dei Lavandai' è un doveroso documento in forma cartacea di questo momento, perché le parole di Arnaldo Pomodoro e di Flaminio Gualdoni possano rimanere e diventare, per tutti, spunto di riflessione e di dibattito sulle potenzialità, ma anche sulle problematiche, con cui gli spazi espositivi contemporanei si devono confrontare. Il libro si conclude con una postfazione di Gino Fienga.