"Sound Chapters: Voices of Sound Experimentation in Italy" è un volume ibrido dedicato alla scena delle arti sonore in Italia. Utilizzando la testualità come una forma intima del suono, il libro riproduce la temperatura della voce in scrittura. La parola agisce come ventriloquia e imita vocalità remote. Nei capitoli suonano senza gerarchie racconti, saggi, ricerche, poesie, partiture e canzoni, mettendo in risalto la pluralità. Intrecciando contributi che sfuggono alle consuetudini della scrittura, il progetto amplifica una bibliografia sull'argomento fluida e inclusiva. Le autrici e gli autori di questo libro sono artiste, ricercatrici, curatrici e organizzatrici culturali che, negli ultimi dieci anni, hanno avuto un ruolo attivo nella scena sperimentale della arti sonore in Italia. Il libro non è solo una riflessione teorica sulla scena sonora italiana, ma anche il catalogo di "Mezz'aria. La strana apertura della ricerca sonora", collettiva che ha esplorato la ricerca sonora nel contesto espositivo del Museo del Novecento e del Contemporaneo di Palazzo Fabroni a Pistoia (20.05-15.08 2023).

"Senza mai sfiorire. Densità e leggerezza nella scultura italiana contemporanea" riunisce una selezione di opere di artisti nati negli anni Settanta. Il percorso espositivo presenta interpretazioni differenti del linguaggio scultoreo, caratterizzandosi come una ricognizione sulle tendenze e gli sviluppi di un medium in continua trasformazione, capace di mettere costantemente in crisi se stesso e i suoi presupposti, rinnovandosi e rigenerandosi nel tempo. L'allestimento, caratterizzato da un'opera per stanza, è pensato per valorizzare la singolarità di ogni lavoro, sottolineando corrispondenze tra le proposte degli artisti e gli ambienti del Piano Nobile di Palazzo Collicola. Il dato anagrafico, insieme alla riflessione sulla dimensione plastica, non si configura come unico elemento distintivo. Tutte le opere esposte, infatti, sembrano condividere una specifica tensione interna: in ogni lavoro coesistono richiami alla tradizione ed elementi che sembrano contraddirla, senso di gravità e leggerezza, materiali organici e altri di origine industriale, durata e carattere effimero. Mostra a cura di Saverio Verini, Palazzo Collicola, Spoleto, 14 dicembre 2024 ore 11.30 - 02 marzo 2025.

Concerto, prima esposizione personale in un museo pubblico di Roberto Fassone, ripercorre i primi quindici anni di attività dell'artista. La mostra ospita una selezione di opere - una per stanza - rappresentative della sua singolare pratica artistica. Come le canzoni che si succedono una dopo l'altra durante un'esibizione musicale, le opere di Concerto attraversano l'intera produzione di Fassone, delineando i tratti salienti - nonché l'unicità - della sua poetica, invitando i visitatori ad abbracciare un universo ironico, surreale, psichedelico. Mostra a cura di Saverio Verini, Palazzo Collicola, Spoleto, 28 giugno - 10 novembre 2024.

La collezione sulle società di mutuo soccorso e sull'associazionismo operaio creata da Giovanna Moro (1920 - 2012) testimonia la lotta per un lavoro dignitoso e per il diritto all'educazione per tutti. La nascita delle società è stata una tappa importante nella storia dei movimenti dei lavoratori e un segno di consapevolezza della forza dell'azione collettiva. La volontà della collezionista di destinare la raccolta a un istituto pubblico che ne assicuri un'ampia fruizione, ha permesso di arricchire la documentazione già presente nella Biblioteca di storia moderna e contemporanea di Roma.

"Da Monterrey a Monteluco", mostra personale di Calixto Ramírez, nasce a margine della residenza che l'artista messicano ha effettuato a Spoleto, in particolare nell'area di Monteluco, un'altura occupata da un fitto bosco che si erge proprio di fronte alla città. Nel corso della sua permanenza, l'artista ha realizzato una serie di opere nate da un contatto diretto con la natura e lo scenario circostanti: un omaggio a Monteluco, alla forza - ora avvolgente, ora misurata - della natura, al rapporto tra gli elementi del paesaggio e la capacità di interpretarlo da parte dell'artista, che attiva con esso una relazione viscerale, poetica e a tratti ludica.

Sul finire del 2022, Helena Hladilová è stata invitata in una residenza di ricerca promossa da Pinacoteca G. A. Levis e a cura di ARTECO e CRIPTA747, per realizzare un progetto in dialogo con il territorio della Val di Susa. Interessata al mondo dell'artigianato, dalle tecniche di tessitura fino alla lavorazione della pietra locale, Hladilová si è confrontata con le tradizioni del folklore popolare e le narrazioni immateriali che - attraverso la storia - tramandano leggende e mitologie.

"Terreno. Tracce del disponibile quotidiano" è un percorso espositivo multidisciplinare che mette in relazione materialità e memoria, avvicina tradizioni culturali, documenti storici e pratiche artistiche quotidiane, generando nuovi immaginari collettivi. Ispirandosi al "disponibile quotidiano" di Gianni Celati, la mostra conduce il visitatore in un percorso dedicato al "non visto": scene, paesaggi, e gesti del mondo quotidiano che spesso passano inosservati e vengono riscoperti, cogliendone il valore e rivelando nuovi e possibili significati. Tra le sale del Museo si incontrano opere d'arte delle Collezioni del MAXXI, manufatti e documenti fotografici provenienti dal Museo delle Civiltà di Roma, materiali editoriali, progetti di design e di architettura, e una nuova produzione sonora. Il libro raccoglie una pluralità di immagini, saggi e ristampe, un inedito dialogo tra discipline artistiche, scientifiche e sociali. "Terreno. Tracce del disponibile quotidiano", a cura di Lisa Andreani, MAXXI L'Aquila, 6 dicembre 2024 - 4 maggio 2025.

Popoli di Vetro è un libro d'artista in forma di romanzo breve fantastico in cui la scrittura genera un mondo immaginifico dove il vetro è l'elemento pervasivo con il quale il protagonista è costretto a confrontarsi. Tan - detto anche Metastasio - si muove liberamente in un'ambientazione abissale, alla ricerca di sorgenti e fontanelle che colleziona come fossero tesori da custodire. Il suo rapporto con l'acqua diviene irresistibile da quando, da bambino, ha ingoiato del vetro accidentalmente. In un susseguirsi di visioni fantasmagoriche, cambi di stato materico, miraggi accecanti e oscurità intermittenti, Tan incontra entità ibride, animali/donne/uomini/oggetti animati che costituiscono i popoli di vetro. In questo libro, Cavaliere consolida la sua pratica di scrittura come indizio artistico. Il testo è offerto come oggetto di decodificazione della parola e - allo stesso tempo - della visione, il piano della letteratura si sovrappone a quello dell'arte e leggere significa immaginare.

L'esitazione è un concetto cardine nel lavoro di Luca Bertolo che da sempre nelle sue opere mette in scacco ogni possibile assertività dell'arte. L'hésitation (15 giugno - 8 settembre 2024) è l'esposizione antologica dell'opera di uno tra i più influenti pittori italiani della sua generazione in due diverse sedi in Francia, l'Atelier Maisenthal e il CEAAC di Strasburgo. In questa occasione, vengono esposti insieme per la prima volta molti dei lavori più importanti di Bertolo, abbracciando un arco cronologico che va dal 2005 al 2023. Il catalogo, dallo stesso titolo, raccoglie immagini della mostra, un'intervista e due saggi che gettano una luce preziosa per il lettore sull'approccio dell'artista. Presso il CEAAC di Strasburgo e l'Atelier Meisenthal, una mostra ideata dalla GAM e curata da Elena Volpato con Alice Motard, Direttrice del CEAAC. La mostra al CEAAC permetterà di presentare Grande Corteo, opera monumentale dell'artista recentemente acquisita per la GAM dalla Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT.

Il libro raccoglie circa 200 fotografie della collezione "Dark Portraits" di Dino Ignani, un progetto fotografico che cattura la Roma degli anni Ottanta attraverso ritratti dei giovani-adulti della scena dark. Le immagini esplorano il look di una generazione che animava i club romani, un mondo fatto di abbigliamenti, accessori, acconciature e make-up che diventano espressione di identità e stile. Ignani documenta questo fenomeno con ritratti in bianco e nero, trascurando il caos della dancefloor, in una "dark room romana" allestita nelle discoteche. Il libro rievoca un periodo in cui la Roma notturna era un crocevia di influenze londinesi e tendenze locali, con set fotografici mobili che catturano l'energia mutevole della scena. A dieci anni dalle prime pubblicazioni, il progetto si rinnova, includendo scatti a colori, pose di gruppo e immagini legate a eventi. Dark Rome è arricchito da articoli, poster e inviti che restituiscono il suono e il mood di quegli anni, rivelando due volti della città: il giorno dei poeti e la notte dei "nightseekers". Con testi di Daniela Amenta, Emanuele De Donno, Matteo Di Catro, Diego Mormorio. In collaborazione con s.t. foto libreria galleria.

Superimposition è un progetto artistico di Polisonum che indaga l'ascolto e il controllo cognitivo attraverso l'incontro di più ambiti disciplinari, tra cui suono, analisi dei dati, moda e arti visive. Superimposition esplora il concetto di "earworms", agenti sonori che si innestano coercitivamente nel cervello diventando parassiti e provocando meccanismi di controllo cognitivo. Conosciuti già nel XIX secolo, sono stati definiti brainworms da Oliver Sacks. I sound worms, legati alla cultura di massa come musica pop, pubblicità, videogiochi e sigle TV, abitano aeroporti, bar, negozi, palestre e centri commerciali e sono caratterizzati da melodie ridondanti difficili da evitare. Basato su questa ricerca, Superimposition ha analizzato oltre 10.000 brani delle classifiche internazionali (2000-2022) con un software dedicato. Algoritmi e tecniche di analisi dei dati hanno selezionato i testi più caratteristici, la cui sovrapposizione matematica compone l'opera. Presentato come sfilata performativa, Superimposition propone abiti in tessuti fonoassorbenti, progettati come armature per proteggere corpo e orecchie.

"Eternity, her responsive body and other stories", personale di Petra Feriancová, allestita al Piano Nobile di Palazzo Collicola, suggerisce già a partire dal titolo dell'esposizione la natura narrativa del progetto, che vede l'artista rileggere gli spazi e le salienze di questa antica residenza, attraverso una serie di interventi dal carattere quasi mimetico, concepiti per l'occasione. Il disegno espositivo prevede l'inserimento di un insieme di lavori eterogeneo, tra cui sculture, installazioni e opere sonore, che vanno a conversare, ora in contrasto e ora in sintonia, con le stanze della dimora nobiliare e le testimonianze storiche conservate al loro interno. Secondo tale approccio, opere appartenenti a periodi e linguaggi differenti, al di là di gerarchie cronologiche o stilistiche, si trovano a coesistere insieme, scaturendo associazioni di significato e direzioni di senso alternative, percepibili solamente in controluce, che emergono grazie all'intervento dell'artista. Ne deriva un racconto univoco che tratta tematiche come la metamorfosi, la nozione di memoria, di tempo, il concetto di interpretazione e quello di archivio, da sempre al centro della pratica di Feriancová.

"I Am Gonzo" è un libro-ricerca che tenta di raccontare il panorama disperso ma significativo del fumetto erotico-porno italiano. Gonzo è la tecnica immersiva e amatoriale che gli autori hanno scelto per indagare un tipo di editoria che, seppur povera ed infima, ha una carto-estetica sensuale ed un alto tasso di collezionabilità. Ma Gonzo è anche una persona, l'amateur-pornomane che colleziona e consuma in modo "animale" questi oggetti godibili, che li possiede nascondendoli tra libri seriosi. Questa ricerca crea una mega raccolta di questa porno-fumetteria, un vero genere pionieristico del cosiddetto fumetto "sporco" italiano, fantasy-horror-proletario che si muove dai suoi inizi pruriginosi e piccanti, poi sensuali, poi erotici e sessuofobici (1960-1970) sino a una deriva porno-violenta (1985-2000). Il libro raccoglie una selezione visiva di fumetti, dei testi-saggi, un testo-conversazione, i momenti espositivi che hanno contribuito allo sviluppo della ricerca e un regesto finale di tutti i fumetti collezionati per l'operazione artistico-editoriale. La presente edizione aggiornata propone una nuova selezione di fumetti in sostituzione alla precedente e due nuove copertine.

Alessandro Saturno vive il paesaggio attraverso il corpo, la sua memoria e la sua esperienza, trasponendo in pittura quel concetto di paesagire enucleato nella poesia di Andrea Zanzotto. La difficile lotta del poeta contro un progresso scorsoio ci mostra un paesaggio come condizione indispensabile per la vita e per l'arte. Quello del poeta è il paesaggio vissuto dell'infanzia in cui si rispecchia il rapporto con il padre, e che rappresenta un'influenza determinante nella sua formazione di uomo; e così, per Saturno, nella sua opera la città di Napoli e il suo mare si fanno soglia, un varco che si apre a un mondo che allo stesso tempo è concreto e ideale, che si fa cultura e si fa sogno, un mondo che è dell'anima dopo essere stato anche un mondo dell'esperienza. Un luogo che si conosce ma che non si sa nominare. Un luogo senza nome.

"Inizio fine. Rotondo. Tutte le cose del mondo" è la mostra che l'artista Chiara Camoni ha pensato per il Piano Nobile di Palazzo Collicola in occasione della 67esima edizione del Festival dei Due Mondi di Spoleto. Il titolo, simile a una cantilena o a una filastrocca, anticipa l'andamento della mostra, fondato su circolarità, accumulazioni e reiterazioni, con le opere che accompagnano il visitatore attraverso le sale in un'atmosfera sognante e ancestrale, popolata da spiriti, divinità, anime e animali. Richiami al mondo naturale e vegetale - costantemente presenti nella produzione di Camoni - si incontrano con il fasto delle sale di Palazzo Collicola, in un dialogo inedito che vede la presenza di un corpo di lavori quasi interamente realizzati per l'esposizione. Il Piano Nobile e le opere dell'artista stringono così un'alleanza speciale: la relazione con lo spazio architettonico viene sottolineata da un'installazione nata dall'assemblaggio di diversi materiali che, "strisciando" nelle sale, scandisce il percorso della mostra.

Precursori delle pratiche artistiche impegnate in chiave ecologica, Caretto/Spagna identificano nell'arte il campo di un'esperienza radicale di apertura, di ricerca indisciplinata e di engagement con le "cose" del mondo: la terra, i semi, le persone, le pietre, il museo, il fiume, la cava, l'albero, i microrganismi. "Bright Ecologies" è la monografia che ripercorre e documenta il loro lavoro ventennale, orientato da linee di ricerca incentrate sulla cura, la trasformazione della materia e la sperimentazione sulla forma, attraverso pratiche fondate sull'incontro, il processo, le esperienze di partecipazione e co-autorialità.

"Insalata di fossili" è una pubblicazione nata da un'idea di accumulo e lavorio materico, di dover rimasticare qualcosa per capirlo, o forse per sentirlo, con la mente e con i sensi. È un atlante, un viaggio visivo all'interno di una collezione personale e arbitraria di opere d'arte, eventi, situazioni che hanno a che fare con il fossile, non inteso qui come oggetto, ma come la sorpresa che genera il suo incontro. Nel 2017, Luca Trevisani, Mario Ciaramitaro e Giulia Morucchio si sono tuffati in centinaia di opere d'arte alla ricerca di quelle capaci di creare una forza centrifuga per chiunque le possa incontrare senza alcuna introduzione o avviso. Questo approccio, ideato da Trevisani, è diventato una pratica collettiva di apprendimento e insegnamento, di studio, aperta a idee inaspettate che gravitano attorno alla possibilità di trovare questo campo gravitazionale. Il libro non racconta una storia geologica, ma una serie di incidenti cronologici, di squarci nel tempo, di corpi sospesi nella storia; è a tutti gli effetti un manifesto programmatico, una dichiarazione di poetica dell'artista in guisa di tutorial, un ricettario, un insieme di istruzioni sotto forma di figurine.

Questa monografia dedicata al lavoro di Cleo Fariselli, la prima nel suo percorso artistico, racconta il processo poetico e formale che ha generato il progetto di immagini in movimento Your Storm Our Dew (2023), che esplora l'inconscio collettivo contemporaneo al tempo della normalizzazione degli stati di emergenza. I contributi di Lucia Aspesi, Cleo Fariselli, Chus Martìnez e Guido Santandrea gettano nuova luce sulla pratica multidisciplinare dell'artista. Allo stesso tempo, esplorano le zone d'ombra del pensiero antropocentrico all'incrocio tra arte e scienza, chiedendosi in definitiva come come il passato e il presente informino il futuro della nostra immaginazione. Con testi di: Lucia Aspesi, Cleo Fariselli, Chus Martínez, Guido Santandrea, Bianca Stoppani. Un progetto di Almanac Projects.

A Week from Monday 2021 è una pubblicazione con cd che raccoglie i materiali della seconda edizione della residenza - dallo stesso titolo - organizzata da Viaindustriae e Holydays a Scopoli (PG) tra agosto e settembre 2021. È un diario dei sette giorni trascorsi insieme all'artista visivo Davide Barbini (di cui sono visibili i disegni nel libro) e ai musicisti ksara, Vincenzo Marando, Steve Pepe (di cui sono ascoltabili i brani su cd) tra indagine sonora, ricerca visiva ed esplorazione dei territori. Il titolo del progetto, A Week from Monday, "cita non letteralmente" un libro tecnico di John Cage (A Year from Monday. Lectures and Writings, 1967), un'agenda di lavoro e pensiero. Al centro della ricerca sonora, la canzone e la voce. Le cinque tracce, composte con strumenti acustici ed elettronici, rappresentano la messa in suono di intuizioni e suggestioni raccolte dai musicisti direttamente dal contesto in cui si sono trovati a operare. Il lavoro di Davide Barbini, invece, si presenta come un video-diario che raccoglie un susseguirsi di azioni e idee, concepito in contemporanea con i disegni e gli appunti qui riportati, una sorta di sceneggiatura che ordina il girato.

La migrazione globale è uno dei fenomeni della contemporaneità, ma anche un leitmotiv nell'opera di Massimo Ricciardo. Nel suo più recente progetto, l'artista fa dialogare oggetti fotografici della Fototeca del Kunsthistorisches Institut in Florenz con oggetti della migrazione: cose funzionali al viaggio, come passaporti e carte nautiche, ma anche all'identità e alla memoria, come fotografie di famiglia, diari, un campione della terra d'origine. L'installazione ha generato quesiti di stringente attualità intorno a questi oggetti "parlanti": a chi appartengono? Sono parte del patrimonio culturale? Quali sono le pratiche artistiche e curatoriali appropriate se si decide di raccoglierli, archiviarli, esporli, trasformarli? I dialoghi iniziati intorno all'installazione di Ricciardo proseguono in questo libro che coinvolge una polifonia di voci. Progetto supportato da Italian Council, Direzione Generale Creatività Contemporanea. Promosso e curato da Kinstshistorisches Institut in Florenz, Max-Plank-Institut.

Dieci anni di pratiche performative della Compagnia Pietribiasi/Tedeschi intorno al progetto long term #memoriedelsuolo raccontate attraverso la rielaborazione di un'ampia gamma di materiali. Un percorso creativo dove la temperatura emotiva e il grado di verità del lavoro comune del duo di artisti Cinzia Pietribiasi e Pierluigi Tedeschi mette in dialogo memoria collettiva e archivio, con processi, sperimentazioni, letture, scritture, gesti scenici, azioni pubbliche. Introduzione di Isabella Bordoni.

"Interspecies Kin" è la prima pubblicazione che racchiude la ricerca che Giovanni Chiamenti ha condotto negli ultimi due anni. La pratica di Chiamenti si colloca a metà strada tra la divulgazione scientifica e il suo intento di essere formalmente speculativo, al limite con la fantascienza. L'artista ha creato un glossario organico, originato da relazioni interspecie, in cui le creature dimostrano la loro adattabilità a un ambiente sempre più inquinato e l'ibrido diventa protagonista di relazioni rizomatiche capaci di interconnettere mondi estremamente distanti. I testi della pubblicazione affrontano il tema dell'inquinamento da microplastica che affligge gli oceani e la sua conseguente integrazione nel processo evolutivo di organismi e batteri che abitano le profondità marine. L'argomento è affrontato non solo da curatori e critici, ma anche da un microbiologo marino e da un ingegnere biomedico. Si tratta di un progetto transdisciplinare in cui la potenza immaginativa delle forme generate dall'artista non intende oscurare la componente scientifica, ma al contrario avvicinare il lettore agli studi condotti negli ultimi anni in ambito evoluzionistico.

In occasione dei 700 anni dalla morte di Dante Alighieri, l'Istituto Centrale per il Catalogo (ICCD) e la Documentazione propone il progetto The Mimetic Observer, frutto di una profonda analisi e riflessione che guarda al mondo del Poeta in modo del tutto inedito: si concentra sugli oggetti, i paesaggi e gli altri elementi naturali di cui Dante Alighieri si occupa nella sua opera maggiore. La mostra e il libro raccolgono 27 opere fotografiche realizzate da Carlotta Valente, con la collaborazione di Joaquin Paredes, sul tema della luce e dell'immaginario dantesco nella Divina Commedia. La narrazione luminosa e fotografica prende vita attraverso una meticolosa ricostruzione di immagini e illusioni ottiche tratte dalle tre cantiche, con l'ausilio dei primi processi fotografici analogici, alternando la stampa ai sali d'argento su carta opaca, alla cianotipia su vetro e alla dagherrotipia su lastre di metallo. Le fotografie sono organizzate in tre serie di nove immagini che riprendono le cantiche dantesche a loro volta presentate secondo una diversa e precisa intensità di luce (Inferno/oscurità, Purgatorio/luce, Paradiso/bagliore). Il libro si apre con un testo di Giulio Ferroni.

«La sostanza agitata» presenta le opere di undici artisti under 35 legati da un comune interesse per la dimensione installativa e plastica e, in generale, per la relazione tra l'opera e l'ambiente che la accoglie. Il titolo fa riferimento al carattere sperimentale e difficilmente classificabile delle opere in mostra, alla eterogeneità dei materiali utilizzati e a un approccio che, tra leggerezza e monumentalità, tra ironia e questioni che riflettono i cambiamenti sociali in atto, dichiara una derivazione esplicitamente scultorea. A ogni artista è affidata una stanza, offrendo così al visitatore l'opportunità di immergersi nelle singole poetiche, tra materiali organici e industriali, verticalità e orizzontalità, movimento e staticità, opere formate da pezzi unici e altre che tendono a una disseminazione se non a una vera e propria moltiplicazione. Catalogo della mostra "La sostanza agitata", a cura di Saverio Veribi, 24 giugno - 16 ottobre 2023, Palazzo Collicola, Spoleto (PG). Artisti: Francesco Bendini, Paolo Bufalini, Lucia Cantò, Giovanni de Cataldo, Binta Diaw, Bekhbaatar Enkhtur, Roberta Folliero, Jacopo Martinotti, Lulù Nuti, Giulia Poppi, Davide Sgambaro.

"Contenuto rimosso" è un "esperimento di psicanalisi applicata all'ambiente". Un lavoro sulla memoria collettiva, che affronta la questione dello spopolamento delle aree montane, sperimentando un'arte di comunità laddove sopravvivono forme di vita comunitarie che hanno una tradizione secolare, nelle comunità alpine. In particolare, "Contenuto rimosso" fa riferimento alla natura paradossale di un processo di ricostruzione che è stato al contempo un processo di rimozione collettiva, il Rifabbrico in Cadore. La sera del 30 luglio 1855 un incendio distrusse il centro storico di Lorenzago. L'abitato venne ricostruito dando origine al Quadrato, un quartiere oggi per lo più disabitato. Il progetto "Contenuto rimosso" prevede dal 2012 l'interruzione dell'illuminazione pubblica lungo le strade del quartiere e un'installazione di fuochi, torce e candele nella ricorrenza dell'incendio. Con la ritualizzazione di una ricorrenza e la costruzione di una narrazione attorno ad essa, "Contenuto rimosso" contribuisce alla consapevolezza di un cambiamento lontano nel tempo, non presente, appunto rimosso, collocandolo stabilmente nel passato.

Il progetto editoriale "Caro Campo. Diario di lavoro" nasce dal più ampio progetto "Campo", l'esperienza umana, artistica e ambientale vissuta da Alberonero tra il 2019 e il 2021 sulle sponde del fiume Secchia a Campogalliano (MO), in simbiosi con un campo di duecentonovanta pioppi sino al loro taglio. Immerso quotidianamente in questo spazio, Alberonero ne ha accompagnato i mutamenti naturali trasformando porzioni di campo attraverso venti opere temporanee. Il workbook evoca le proporzioni portatili dei "quaderni di campo", i libri resistenti in grado di listare le "trans-azioni", i movimenti da tracciare sia come esperienza "poetica" che come diario di lavoro. "Caro Campo. Diario di lavoro" è prodotto da STUDIO STUDIO STUDIO, edito da Viaindustriae e realizzato grazie al sostegno dell'Italian Council (XI edizione, 2022), il programma di promozione internazionale dell'arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Turbomondi (Stratigrafia) racchiude il percorso realizzato da Andrea Martinucci tra il 2020 e il 2023, dedicato ad una ricerca su mondi sospesi popolati da creature che investigano la loro integrità in una continua evoluzione tra di loro. Turbomondi, raccolta di trattamenti cinematografici dell'artista e della sceneggiatrice Laura Sinceri, ha preso la forma di una sceneggiatura cinematografica unica che a partire dal 2021 è stata affidata a dodici figure che l'hanno interpretata per un tempo specifico, consentendo loro di scrivere commenti, fare osservazioni, rimuovere pagine, disegnare o addirittura distruggere parti di essa. La stratificazione di voci e impressioni diverse che ridefinisce virtualmente il significato del testo originale, viene trasformata in un archivio personale e pubblicazione che traccia l'evoluzione per seguire e la trasformazione plurale dei suoi contenuti.