Catalogo della Mostra dei Finalisti di Arteam Cup 2023, 8a edizione, a cura di Livia Savorelli e Matteo Galbiati, 25 novembre 2023 - 6 gennaio 2024, Palazzo del Commissario - Fortezza del Priamàr, Savona. Giovanni Lombardini, Alice Padovani e Marco Tagliafico hanno trionfato ad Arteam Cup 2023 ottenendo i massimi riconoscimenti delle sezioni Pittura, Scultura e Fotografia. Vincitore assoluto del concorso è Marco Tagliafico che, oltre ai premi di categoria, si aggiudica il Premio Espoarte. Sono stati inoltre conferiti i seguenti premi: Premio speciale under 30 a Federica Gottardello, Camilla Gurgone, Simone Scardino, Giuliano Vaccai; Premio residenza d'artista Cascina Granbego a Martina Cioffi; Premio editoriale Espoarte a Navid Azimi Sajadi e Ivano Troisi; Premio editoriale Segno a Monica Gorini e Filippo Riniolo.

Questo volume raccoglie una selezione delle opere liriche e fotografiche di Adriana Scalise prodotte nel corso degli ultimi dieci anni. Il progetto che l'autrice porta avanti da tempo e con costanza, interseca ricerca d'identità e lettura del paesaggio, in chiave introspettiva. Adriana Scalise non data e non titola le sue opere, all'occorenza fornisce alcune indicazioni di massima, il che contribuisce ad attribuire alle sue fotografie e alle sue liriche, un senso di sospensione 'metafisica' e di dubbio 'esistenziale'. La sua opera sgorga da una esigenza creativa che a intermittenza e con urgenza declama l'espressione. Il libro nasce dal desiderio di 'oggettivare' l'effimero, 'fissare su carta' l'opera, ma anche di volerci mettere un punto... e a capo. Chissà...! L'intento consiste nel poter gustare, infine, lontano dalla tensione creativa, le emozioni che immagini e poesie sono in grado di offrirci. Si tratta di sensazioni colte nella quotidianità dei gesti, emozioni vissute giorno dopo giorno, esperite nei 'luoghi del cuore', trasformate poi in scrittura, oppure in immagine. Esse, tutte insieme, rappresentano il 'paesaggio interiore' dell'autrice.

'Il titolo, lo confesso, non è farina del mio sacco, l'ho preso in prestito da un'opera che Angelo Molinari ha realizzato nel 2007: una composizione in cui due piccoli tacche blu, sottili come petali e trasparenti come l'aria, sono state risucchiate da energiche pennellate nere e gialle. Davanti a loro, quasi a voler celare quanto sta accadendo, onde laviche arrossano buona parte del primo piano lasciando larghe scie incandescenti su quasi tutta la superficie del quadro. Il ritmo è concitato, i colori sono emotivamente carichi e le minuscole tarsie, ormai irrimediabilmente in balia del ciclone, sono rettangoli di cielo a questo punto irraggiungibili. Tutti elementi importanti e immediatamente riconoscibili, ma L'inizio non è mai dove si pensa, suggerisce saggiamente il titolo...'

La complessità della realtà, le mille sfaccettature che la compongono, un arcobaleno la cui cromaticità sfuma e si dissolve mediante una gestualità che si espande oltre la superficie e abbraccia ciò che la circonda. Alice Voglino (1995) agisce non tenendo conto dei confini, dei limiti del supporto, il suo è un linguaggio emotivo in grado di surclassare le zone limbiche tra il possibile e l'incerto e accogliere dentro sé quell'universo cromatico in grado di donare nuova luce ai propri sensi, a quella personale capacità di illuminare, mediante una pittura veloce, istintiva ed energica, l'ambiente che accoglie e protegge.

Gli avvenimenti traumatici della nostra esistenza - in primis la pandemia globale da Covid-19 che ha definito un tempo contraddistinto da un prima e dopo 'Covid' e alimentato un diffuso senso di vulnerabilità ed insicurezza - sono spesso forieri di una forte spinta all'indagine interiore, che può spingersi fino alla più profonda introspezione. È questo il caso di 'Amen. Di galleria e altre storie', un vero e proprio diario autobiografico, iniziato da Pietro Gagliardi nel maggio 2020. Un flusso di pensiero - riflessivo ed ironico, a tratti pungente - di un uomo di indole introversa che, dopo una brillante carriera da pubblicitario, decide nel 2002 di aprire una galleria d'arte a Torino, prima GAS, poi Gagliardi Art System, ora Gagliardi e Domke. Ripercorrendone la storia, tutte quelle 'parole non dette' diventano racconto e testimonianza.

Il volume, che prende il titolo dall'omonima mostra che il Museo dell'Arte Vetraria Altarese ha dedicato all'artista, ripercorre la ricerca fotografica di Matteo Musetti a partire da alcune sue serie iconiche: Il silenzio è violenza, Un silenzio assordante, Connessioni, Ferrania, Se vuoi sognarlo, puoi farlo!, Sann-a, a modo mio. Fotografie che rivelano uno sguardo laterale, 'maturate negli anni sulla base di una personale fragilità insita nel suo sguardo'. Come lo stesso Musetti dichiara: 'Ho scelto di fotografare e rappresentare il disagio umano, le sue difficoltà nell'entrare in connessione con il pianeta, la sofferenza di porre se stessi al centro di ogni ragionamento'.

Il volume è un racconto corale della storia di CEPIM Interporto Parma e del territorio che lo ospita. Nel tempo la Società è notevolmente cambiata: nata nel 1974 per rispondere a bisogni di gestione logistica delle merci, si è trasformata divenendo un Logistic Service Provider, in grado di progettare e sostenere tutta la catena di servizi necessari dentro e fuori l'area interportuale. I cambiamenti societari, territoriali e strutturali sono andati in questi anni di pari passo con quelli umani. Nel volume viene data voce alle molte anime e alla storia del luogo, dalle trivellazioni dei primi pozzi di petrolio del 1929 alla realizzazione del nuovo Terminal. La profonda unione col territorio viene ricordata con approfondimenti di Arte, Storia e accadimenti tout court che connotano ancora oggi quell'area di strada con la quale CEPIM dialoga quotidianamente, sulla quale viaggiano merci, clienti e grazie alla quale storie e oggetti si incontrano.

L'opera di Stefania Puntaroli è un 'perpetuum mobile' in costante ricerca di un punto di quiete che si sposta continuamente senza che lo si possa mai raggiungere. Non solo, il nomadismo linguistico la conduce a cercare di affrontare più linguaggi contemporaneamente spaziando dalla performance alla pittura, dal disegno alle tecniche incisorie. Nelle recenti 'Anatomie' ha sviluppato un senso particolare per l'iperbole visiva per un universo al limite tra naturale e soprannaturale che era presente nel suo lavoro fin dal lontano 1995 ('Creatures') al termine dei suoi studi accademici.

Antonio Ligabue e Renato Guttuso: due uomini che hanno scritto la storia dell'arte moderna. Due artisti, pur distanti artisticamente e culturalmente, che hanno parlato della realtà, entrando in essa come pochi altri hanno saputo fare, sebbene da porte diverse...

Questo volume nasce dalla volontà di documentare il lavoro svolto da Tito, tra il 1966 e il 2018, nel dar vita negli ambienti adiacenti al convento della Scala Santa a Roma ad uno spazio creativo alternativo, libero dalle logiche istituzionali e dal mercato tradizionale dell'arte. Un progetto che ha permesso la realizzazione del Parco delle sculture della Scala Santa, all'interno del giardino dei Passionisti situato nell'area archeologica Lateranense, non lontano da piazza Vittorio, a Roma, dove Mecenate aveva realizzato il suo parco bonificando l'area e lungo l'attuale via Merulana in cui si estendevano gli Horti Lamiani.

Pubblicazione realizzata in occasione della presentazione degli artisti selezionati per il Premio Osvaldo Licini by Fainplast 2024, giunto alla sua quarta edizione. Il premio è intitolato a Osvaldo Licini, figura centrale dell'arte italiana del Novecento e uno degli artisti marchigiani più significativi, di cui la città di Ascoli Piceno conserva un importante nucleo di opere. L'evoluzione artistica di Licini ha segnato un percorso rivoluzionario che ancora oggi ispira le nuove generazioni. La sua pittura, in cui convivono tensione tra forma e colore, tra segno e spazio, ha aperto nuove strade nella comprensione del linguaggio visivo, fondendo elementi figurativi e astratti in un vocabolario immaginifico e visionario. È proprio questo spirito di continua ricerca e audace sperimentazione che ritroviamo nei cinque artisti selezionati per l'edizione 2024 del Premio: Luca Bertolo, Guglielmo Castelli, Claudio Coltorti, Alessandro Pessoli e Alice Visentin. Il Premio Osvaldo Licini by Fainplast si conferma così un riconoscimento che celebra e promuove l'eccellenza nella pittura contemporanea italiana.

Libro d'artista di Cocis Ferrari, vincitore del Premio Nocivelli 2023.

A quasi quindici anni dalla mia prima personale sento la necessità di documentare il mio percorso artistico e l'evoluzione della ricerca pittorica che si è sviluppata negli anni. Il mio lavoro è articolato su diverse serie ed è essenzialmente incentrato su soggetti botanici e floreali. Le serie ne mostrano chiaramente l'evoluzione: sia nella padronanza delle tecniche pittoriche, sia nel mettere a fuoco e trattare tematiche e interessi a me cari, come la botanica e la percezione visiva, che sono riuscito a coniugare e esprimere a pieno nella serie che ho chiamato 'Narciso'. Sono sempre stato affascinato dagli aspetti della percezione visiva focalizzati sui 'pattern' (motivi ripetuti): insiemi di linee, forme e strutture, che sono ovunque intorno a noi: sia nelle geometrie del nostro urbano quotidiano, sia soprattutto nell'apparente disordine della Natura...

Nüshu significa letteralmente 'scrittura delle donne'. La sua pronuncia si basa sul dialetto locale, ovvero quello dei villaggi situati intorno alla contea di Jiangyong, nella provincia di Hunan, nella Cina meridionale. È difficile stabilire una data precisa della sua creazione, ma nacque sicuramente in risposta alla società patriarcale dell'epoca... Prende lo stesso nome il progetto che l'artista Alessandro Cardinale ha dedicato alle donne yao e alla loro scrittura ermetica...

Catalogo della mostra 'Analogie. Il lògos del colore', bipersonale degli artisti Enzo Esposito e Tiziano Bellomi a cura di Eleonora Bianchi e Matteo Galbiati, Castello Visconteo di Pagazzano (BG), 10 giugno - 10 luglio 2023. 'Per entrambi gli artisti vale l'appellativo di pittori che, nella nobile definizione che questo comporta, hanno sempre provato a delineare i contorni di modalità diverse con cui raccontare e raccontarsi, attenendosi a una letteratura di pennello che ha provato a concepirsi in contributi personali e individuali sia per la Pittura nel suo complesso, sia per il colore, nel particolare, come ente. Tra differenze e analogie possiamo osservare come il loro incontro, qui avvenuto in una sede espositiva non convenzionale dove, ben lontano dall'asettico contesto della galleria d'arte contemporanea, vi si è adattato come un organismo vivo, beneficia tanto della possibilità di accordarsi sinergicamente, quanto di mantenere un grado di autonoma attenzione sul fare singolo a tal punto da favorire letture inusuali per ciascuno dei due autori, per entrambi nell'insieme'. Matteo Galbiati

Negli spazi interni ed esterni del Forte Strino, Manuela Bedeschi dà vita ad un vero e proprio percorso di luce attraverso opere prevalentemente realizzate con i neon, da anni ormai il linguaggio espressivo più utilizzato dall'artista vicentina. Il visitatore, fin dal momento in cui entra nella fortezza, viene preso per mano e coinvolto in un viaggio che dà l'impressione di svolgersi fuori dallo spazio reale e oltre il tempo della quotidianità...

'La mia ricerca artistica esplora in partenza la costruzione, la definizione del sé e l'alterità nel loro delinearsi attraverso dinamiche relazionali. La riflessione intima ed esistenziale sul mio rapporto con il reale ha caratterizzato il primo decennio di produzione. In seguito, ho iniziato a concentrarmi su opere di natura partecipata. Inizialmente indagando il linguaggio performativo, poi permettendo a queste 'azioni' di convergere in progetti video strutturati. Il mezzo filmico, unitamente alla fotografia, al disegno, la scultura e l'installazione hanno rappresentato tanto un insieme di tecniche da approfondire, quanto una pluralità 'linguistica' indispensabile a declinare in modo efficace la complessità del sistema mondo. Il mio processo artistico si nutre inoltre del dialogo tra discipline umanistiche quali la storia come dispositivo di memoria e narrazioni, l'antropologia come luogo dell'incontro, la psicoanalisi come giardino in cui germoglia la parola. L'elemento sociale e politico è il collante che contraddistingue la ricerca, la quale, tuttavia, conserva un forte sguardo poetico.' (Elena Bellantoni)

Fotografia di famiglie è il tema e il titolo di Fotografia Calabria Festival 2024. Una scelta non casuale in cui singolare e plurale non hanno solo un senso grammaticale, ma anche sociale. Anche quest'anno si torna ad indagare la fotografia come linguaggio della contemporaneità, questa volta declinato sul tema della famiglia e delle sue rappresentazioni. La fotografia come strumento che ci permette di riflettere sul presente, sui rapporti profondi e a volte complessi che nascono nelle famiglie, ma che sono in grado di esistere e di resistere anche oltre i legami biologici. La fotografia come linguaggio che in tantissime famiglie, di ogni parte del mondo, viene utilizzato per fissa- re momenti, per mantenere vivi emozioni e sentimenti, per custodire piccole storie. La fotografia come medium per riscoprire e riappropriarci di tutti quei momenti che spesso restano cristallizzati in un album lasciato in qualche mobile di casa, ma che riaccende la nostra memoria appena ne sfogliamo le pagine.

Catalogo della mostra collettiva 'The same sky' presentata da Civiero Art Gallery presso la Sala 'R. Falchi' Palazzo del Parco di Diano Marina (IM) dal 23 marzo al 4 maggio 2024. In mostra una selezione di opere di quattro artisti: Pablo Atchugarry, Keita Miyazaki, Dagoberto Rodríguez e Yuken Teruya.

Cosa ci rende deboli? Cosa ci può salvare dalla nostra debolezza? Quanta distanza possiamo frapporre tra la nostra identità, tra quello che vogliamo essere e i solchi già scavati per noi? È possibile allontanarsene? E di quanto? Come può ogni individuo continuare ad essere un inizio in una società sempre più controllata e omologata? È fattibile resistere per conservare la nostra esistenza?

«[...] L'oggetto ready made e, di più, il recupero e il riuso di materiali non artistici, prelevati da altri contesti e rielaborati liberamente, permettono di aprire nuove possibilità alla narrazione estetica, rendendo valoriale la trama e l'ordito di un tessuto di vicende, azioni, eventi, situazioni che amplificano e potenziano il senso ultimo dell'opera d'arte... [...]. Seguendo questa premessa osserviamo come Alessio Barchitta agisca sul materiale con un'intenzionalità predeterminata, funzionale non solo a riassorbire unicamente quanto 'dimenticato' e 'disperso' nell'ambiente - prendendo in carico sia ciò che è considerato e pensato come 'rifiuto' e 'scarto', sia altre sostanze la cui energia rappresentativa è per lui peculiare - ma anche a concatenare eventi nuovi che, dalla loro memoria pregressa (la loro storia), si aprono all'evenienza del momento della visione risvegliando ricordi nella memoria di chi osserva».

Catalogo di Fotografia Calabria Festival II edizione 2023, il primo festival diffuso di fotografia in Calabria, ideato e promosso dall'Associazione Culturale 'Pensiero Paesaggio', che ha luogo dal 21 luglio al 20 agosto a Fiumefreddo Bruzio (già sede della I edizione del festival) e San Lucido (CS), suggestivi centri del basso Tirreno cosentino pronti ad accogliere mostre, eventi, talk e workshop dedicati alla fotografia. Un'esperienza emozionante per immergersi e scoprire l'autenticità e la bellezza del territorio calabrese attraverso un viaggio culturale unico nel suo genere. 'Il cambiamento' è il tema di quest'anno. Un tema che non è solo legato naturalmente a questa edizione, visto il nuovo naming che porta con sé, ma che vuole mostrare il cambiamento come qualcosa che parte da ognuno di noi e che smuove emozioni e sguardi profondi: che sia ricercato e attuato con coraggio da un bambino, accolto e accettato con naturalezza da un anziano, che sia la conseguenza della tensione tra la scienza e il suo sfruttamento commerciale e causa di grandi e piccoli mutamenti del nostro tempo.

Catalogo della XV edizione del concorso d'arte contemporanea Premio Nocivelli con le opere dei vincitori e degli artisti finalisti. 'Nella XV edizione del premio Nocivelli duecentosettantasei artisti si sono esposti per essere valutati. Tutto parte da qui, da persone che pensano a questo concorso come un'opportunità utile nelle varie accezioni che questa parola possiede. Gli artisti sono un movimento, condannati al desiderio di creare cose, con la fede che il risultato abbia un senso per sé e possa averlo per gli altri. Per fare questo serve studio, tentativi, qualche fallimento, dedizione, ostinazione, radicalità e in mezzo a mille altre attitudini è fondamentale trovare occasioni ed esporsi'. (Francesco Pedrini) I vincitori del Premio Nocivelli 2023 sono: Luca Brama, Cocis Ferrari, Martina Mura, Roberto Picchi Natasha Rivellini, Tommaso Silvestroni e Agata Treccani.

Catalogo monografico edito in occasione della mostra Matteo Sanna. Sunglasses, a cura di Angela Madesani, NM Contemporary, Principato di Monaco, 17 marzo - 30 aprile 2023. 'Per la sua terza personale nel Principato di Monaco, Matteo Sanna presenta la sua nuova ricerca attraverso cinque serie di lavori inediti, originati da una profonda indagine interiore resasi quanto mai urgente durante i momenti più duri della pandemia. La personale da NM Contemporary, dal titolo Sunglasses, ci avvolge in un ambiente accogliente, glamour per la forza dell'impatto visivo, per le tinte pastello e i blu brillanti. Tutto sembra perfetto ma di fatto quello che ci circonda non enfatizza la bellezza omologante, la perfezione a cui la nostra società ambisce quotidianamente quanto il suo esatto contrario, l'imperfezione, la fragilità, la caducità che trovano in queste sale la rappresentazione perfetta di quell''Elogio dell'imperfezione', citato dalla curatrice Angela Madesani nel suo testo in catalogo'. [Livia Savorelli]

Catalogo pubblicato in occasione della mostra Giovanni Blanco. Tutto quello che accade, a cura di Galleria Susanna Occhipinti, Auditorium San Vincenzo Ferreri, Ragusa, 3 settembre - 17 settembre 2023. Le venti opere in mostra sono una selezione di dipinti e monotipi inediti che narrano un viaggio di andata e ritorno: quello dell'artista stesso che, dopo gli studi all'istituto d'arte, oltre alla Sicilia, ha attraversato parte dell'Italia per continuare a studiare a Bologna, dove è rimasto per vent'anni, riconoscendo tuttavia alla variegatura unica della sua isola e alle inevitabili contraddizioni che ne derivano la culla di molti degli archetipi che fino ad oggi costituiscono il suo immaginario pittorico e che ritroviamo all'interno della mostra. La 'pittura come luogo', dunque, il tema inesauribile e complesso della Sicilia, visioni, parole, sentimenti, buchi di memorie e pure marginalità seducenti sono gli ingredienti dell'arte, per Blanco in perenne movimento.

'Plurale femminile' è il titolo della prima personale di Antonella Cinelli al Museo Casa Frabboni di San Pietro in Casale - BO (11 marzo - 30 aprile 2023). L'esposizione raccoglie per la prima volta una selezione di opere che offrono una panoramica ampia della sua produzione dagli anni 2021 fino ad oggi, con la presenza di due grandi tele assolutamente inedite. Due anni di intensa sperimentazione e ricerca personale che hanno costituito una decisiva svolta stilistica nell'artista, guidandola a un'osservazione sempre più approfondita della figura femminile in rapporto al sé, agli altri, all'universo emotivo tradotto in pose, dettagli, oggetti e abiti, di cui i corpi di Antonella si spogliano, per diventare essi stessi protagonisti delle tele e delle installazioni come involucri delle anime.

'[...] Attraversando il lavoro di Franco Belsole si ha la sensazione di vestire uno sguardo in cui la comprensione della complessità della scena guardata non allontana l'autore dalla possibilità di esprimere una grande cura formale. Un fare l'immagine in cui la consapevolezza tecnica e la capacità compositiva riferiscono una famigliarità con un panorama iconografico che si spinge ben oltre quello contemplato dalla storia della fotografia a cui l'autore rimane pur sempre profondamente legato. [...] Lontano dalle posture proprie della fotografia di architettura 'pura', le fotografie si soffermano piuttosto a rilevare quanto questa architettura produce e organizza sulla persona. Tratte in un illuminismo Foucaultiano, le immagini di Belsole inseguono il transitorio, il fuggitivo, il contingente, le posture del passaggio che si produce in un abitare nel quale la governamentalità ha prodotto i suoi monumenti nel disegno stesso dell'ambiente-mondo. [...]'. (dal testo di Matteo Cremonesi)

«Nella sua ultima produzione Giò di Busca (Milano, 1959) mette in scena opere completamente d'oro, colore oro e foglia d'oro. Si tratta di un ciclo di opere materiche (Lave d'oro), nelle quali le pennellate si sovrappongono, creando spazi fantastici tra i quali appaiono, a volte, altre cromie come il verde, il rosso e il nero, o le pietre dure che sembrano nascere da questa materia magmatica, vissuta, la cui ispirazione nasce dai paliotti d'altare della Chiesa della Salute a Venezia. [...] I suoi ultimi lavori, gli ori, appunto, ci parlano di un'arte 'immateriale', per usare un'espressione di Yves Klein, di una spiritualità che trascende la volontà dell'artista, e che cerca di interpretare quello spazio vuoto, quello iato tra materia e pensiero, quello stesso vuoto che non si può riempire solo con la ragione». (dal testo 'Giò di Busca. Lave d'oro - Labirinti di emozioni' di Vittoria Coen)

'Appuntamento con l'artista' è un progetto di residenze grazie al quale gli artisti invitati vengono accolti nella casa di Maria Antonietta Collu, Paolo Palmieri, Paolina e Giuseppina (e i loro gatti) attivando un'osmosi tra la sfera pubblica e quella privata. In questa bella casa sulle prime colline di Celle Ligure affacciata sul mare, gli artisti possono vivere e lavorare per il tempo che desiderano, avendo a disposizione uno spazio dedicato e la possibilità di intrecciare la propria vita con quella della famiglia. Al termine della residenza, le opere realizzate dagli artisti vengono esposte nella casa e rese accessibili al pubblico. Per tutto il periodo dell'esposizione la famiglia convivrà con le opere, prendendosene cura e aprendo su richiesta le porte della propria abitazione al pubblico tutte le volte che sarà necessario. Per la quarta edizione dell'iniziativa è stato invitato Giulio Alvigini (Tortona, 1995), artista, content creator, consulente per la comunicazione del settore culturale e, soprattutto, inventore delle pagine social Make Italian Art Great Again sulle quali pubblica meme pungenti rivolti al sistema dell'arte contemporanea.

'Quest'anno parleremo di cancro.' Con questa frase parte, nel settembre 2022, il Laboratorio di Design dell'interazione del corso di laurea in Design per la Comunità dell'Università degli Studi di Napoli Federico II. Gli studenti appaiono frastornati, indecisi, silenziosi, forse un po' impauriti. Poi chiediamo: 'Chi di voi conosce almeno una persona a cui è stato diagnosticato un tumore?'. Tutti alzano la mano. Il tema è in questo momento chiaro e gli studenti sembrano subito più interessati. Inaspettatamente, la cosa li riguarda da vicino, li coinvolge, tocca corde emotive, le proprie relazioni, la propria quotidianità. Cosa può fare il Design per contribuire alla diffusione di una necessaria 'nuova cultura della prevenzione'?