Centoquarantaquattro fotografie, di autori spesso anonimi, per una viva rappresentazione dell'"educazione sentimentale" di una grande antropologa, dall'esteso nucleo parentale ai primi viaggi e impegni di studio, dalle amicizie di una vita fino alle pionieristiche campagne di ricerca, in solitaria o con alcuni dei protagonisti della cultura italiana del Novecento, da Ernesto de Martino a Diego Carpitella, da Michele Gandin a Roberto Leydi, da Ferdinando Scianna a Luigi Maria Lombardi Satriani. Nel suo saggio Francesco Faeta, affidandosi a ricordi personali e con il vaglio di numerose fonti, ricostruisce la personalità di Annabella Rossi e i caratteri salienti della sua ricerca etnografica, mentre Francesca Uccella, a lei legata da rapporti di parentela, si sofferma sul contesto più prossimo alla sua famiglia, appellandosi anche alla memoria di quanti hanno avuto modo di conoscerla e frequentarla. Scritti e fotografie concorrono così a delineare il ritratto a tutto tondo di una studiosa protagonista del suo tempo, ma anche di una donna libera e coraggiosa, irriducibile ad ogni conformismo.

Ri-scoperta e ri-visitazione di una eredità musicale le cui radici alimentano nuove prospettive artistiche in un confronto-incontro: questo il senso del progetto ricostruito nel volume da Giuseppina Colicci. Si parte da una ricerca sul campo condotta negli anni Settanta del secolo scorso da Ivan Cavicchi e Liliana Bucciarelli in un'area ai piedi dei Monti Ernici, nel Lazio meridionale. In quel repertorio, si imbattono alcuni giovani musicisti di Alatri, Mattia Dell'Uomo e Simone Frezza, del gruppo musicale "I Trillanti", che traggono stimoli per il loro progetto denominato Our Folksongs, grazie anche all'incontro con l'associazione Gottifredo, attiva da anni nella loro città: ritornare sul campo per riprendere dalla voce dei pochi cantori superstiti quei repertori e cimentarsi in una loro rielaborazione e chiamare a fare lo stesso i musicisti del Conservatorio di Frosinone che, coordinati da Antonio D'Antò e Luca Salvadori, hanno composto musiche originali. Con i brani e traduzioni, un corredo fotografico e, nei tre CD allegati, le registrazioni del 1977, le registrazioni sul campo de "I Trillanti" e le rivisitazioni e, infine, le nuove composizioni eseguite dal quintetto a fiati Koch.

In dieci canzoni la storia di una famiglia ancorata a quella striscia di terra stretta tra il Levante ligure e le alpi Apuane ma legata, sul filo dei ricordi, anche alla Barbagia dove tutto è iniziato. Un racconto sommesso e discreto, di grande fascino e forza evocativa, scaturito dall'urgenza di dire, sopraggiunta quando la chitarra era già nel fodero e l'autore credeva di essersi congedato per sempre dalla musica. "Invece questo Spoon River così intimo, personale, è salito su con un impeto irrefrenabile, come l'acqua fresca che buca la terra, che da fango pian piano diventa chiara, cristallina". E di canzone in canzone lievitano le atmosfere e prendono forma e corpo personaggi e ambienti di una regione dell'anima, la Contea di Levante, che è anche il paesaggio d'elezione di letterati come Paolo Bertolani e Maurizio Maggiani, dei quali non a caso Lombardi ha trasposto in musica alcuni testi: un paesaggio ripercorso ora in una galleria di quadri di famiglia, dal cuoco di bordo al messo comunale fino al prete di collina, che si stagliano come figure esemplari di un'umanità viva e palpitante.

La storia di una piccola comunità ancorata a quella striscia di terra stretta tra il Levante ligure e le alpi Apuane ma legata, sul filo di ricordi personali, anche alla Barbagia dove tutto è iniziato. Assumono così forma più definita e sembianze più nitide personaggi e ambienti di una regione dell'anima, la Contea di Levante, ripercorsa attraverso figure che si stagliano come esemplari nella quotidianità di un'esistenza, dal cuoco di bordo al messo comunale, dal prete di collina ai contadini di mare: e alle loro vicende ed esistenze si intrecciano i pensieri e i giorni del "cantore soggettivo" che, inaspettatamente, si è ritrovato anche a scrivere di sé.

Attrice di talento con una passione tutt'altro che segreta per la musica, Maria Roveran si è mossa sempre al confine tra i due mondi, cercando di esaltare le connessioni tra immagine e suono. E al suo essere sospesa tra due mondi rimanda, fin dal titolo, il suo nuovo album, nel quale ha intenzionalmente voluto esaltare le affinità tra i due ambiti. "Come in un film" è infatti un racconto per parole e suoni che si sviluppa in una prospettiva cinetica, quasi che si levasse su un palcoscenico o si delineasse sotto la luce di una cinepresa, grazie anche alle creazioni sonore di Joe Schievano, splendide textures da soundtrack ma piegate ora all'esigenza della forma canzone. Dieci brani come temi di dieci colonne sonore, con un uso della voce che sembra stratificarsi tra echi ed elementi di sound design.

32 canzoni di cui 11 del tutto sconosciute, e offerte all'ascolto per la prima volta, e 21 allo stesso modo inedite ma come varianti di canzoni già note, anche se con significative differenze rispetto alle versioni pubblicate. E tutte con la viva voce di Piero Ciampi, a volte in registrazioni definite negli arrangiamenti e nell'orchestrazione, pronte insomma per andare in stampa, altre volte come provini, comunque di grande impatto emotivo nel restituirci le modulazioni sempre diverse del canto e del recitato dell'autore e di straordinaria importanza culturale consentendoci di seguire i progressivi affinamenti di una melodia o di un testo. Un ritrovamento che ha del miracoloso ma che, come spiega il curatore Enrico de Angelis nell'introduzione, è frutto di una grande passione per l'opera di Ciampi, coltivata per tutta la vita e orientata verso la ricomposizione della sua eredità artistica, grazie anche alla disponibilità di altri appassionati e alla collaborazione di co-autori di Ciampi come Gian Franco Reverberi, Gianni Marchetti, Pino Pavone e Roberto Ciampi, fratello di Piero. Brano dopo brano, in anni di paziente ricerca, ha preso così corpo questa raccolta di canzoni inedite che riguarda due fasi della vita artistica del cantautore livornese: il breve periodo, pressoché sconosciuto, in cui nel 1967 lavorò col musicista genovese Elvio Monti e la più assidua collaborazione negli anni Settanta con Gianni Marchetti. A quest'ultimo periodo risalgono anche gli studi preparatori per l'album di Nada del 1973, Ho scoperto che esisto anch'io, con brani che sono i palesi progenit

Un'opera di teatro-canzone in cui la musica è una componente fondamentale e non più soltanto un mero commento sonoro a margine di un racconto. Allestite con la complicità e la direzione musicale di Pasquale Scialò, le canzoni di Enzo Moscato delineano una fitta trama di rimandi dai quali è impossibile prescindere perché danno corpo e forma alla stessa "educazione sentimentale" dell'autore, maturata in una sala cinematografica nei Quartieri Spagnoli, tra gli anni Cinquanta e Sessanta del secolo scorso. Con la suggestione delle musiche di autori come Nino Rota e Nicola Piovani, opportunamente rivisitate, rimandano così alle grandi pellicole cui sono legate, da Federico Fellini a Luigi Magni, e i brani originali, a firma congiunta Moscato-Scialò, esplicitano questa mappa sentimentale di ricordi e visioni con omaggi ad altri grandi autori, da Charlie Chaplin a Wim Wenders, fino alla diva per eccellenza, Marilyn Monroe. Con due brani di Moscato-Scialò re-interpretati da Enzo Gragnaniello.

Letterati, storici ed archeologi, assieme a viaggiatori ed esploratori, tra la fine del '700 e gli inizi del '900 concorrono a rappresentare la cromatica varietà delle popolazioni dell'Ucraina in un'articolata etnografia che mette in risalto la ricchezza del patrimonio culturale tradizionale. Abiti e copricapi, monili e tessuti di molte icone identitarie delle popolazioni locali, per la vistosità dei loro tratti esteriori e per le accese coloriture, richiamano l'attenzione di quei visitatori che tendono a valorizzare i reperti etnografici soprattutto per il loro valore estetico. La vivace rappresentazione di queste genti e dei loro manufatti si affida inizialmente al pennello per poi passare alla fotografia, giustapponendo spesso fonti visive differenti in mostre e in esposizioni che consentono un'immersione tridimensionale nella realtà profonda di un'Ucraina policroma e lucente. Con uno scavo accurato tra memorie, biografie e pagine di storia e, soprattutto, una sistematica raccolta di queste rappresentazioni in 181 immagini a colori, il volume ricostruisce il progressivo affermarsi di un'immagine negli occhi meravigliati di quanti giunsero in quel paese, allora ai confini dell'Europa.

Compositore e ricercatore, Giorgio Nataletti il 20 dicembre del 1948 è San Giovanni Teatino (CH) per una prima ricognizione in Abruzzo dove ritorna ancora il 15 marzo del 1949, raccogliendo una significativa documentazione sonora. Ballate, stornelli a dispetto, saltarelli, canti di lavoro o legati a diverse occasioni, dalla festa di Sant'Antonio Abate al Carnevale, e musiche strumentali per organetto e fisarmonica testimoniano la vivacità di una cultura musicale contadina ancora integra, di cui si documentano anche le prime trasformazioni nei brani raccolti nella frazione Sambuceto, più esposta a contaminazioni perché dislocata in pianura a pochi chilometri da Pescara. Nel corso della seconda spedizione, Nataletti si spinge fino a Teramo per registrare le musiche della locale comunità rom, tra le più antiche di tutto il territorio italiano: dieci brani che offrono una testimonianza unica su una cultura musicale del tutto originale. Con saggi di Nazzareno Guarnieri, Andrea Scala e Giovanni Agresti, un significativo corredo fotografico e un CD allegato

Per trenta anni "viola" del Quartetto Italiano, grande didatta e formidabile organizzatore al quale si deve, tra l'altro, la fondazione della Scuola di Musica di Fiesole e dell'Orchestra Giovanile Italiana, Piero Farulli è intervenuto ripetutamente nel dibattito culturale nazionale in numerosi scritti che sono ora riuniti per la prima volta in un volume come testimonianza esemplare di un percorso intellettuale, speso interamente a favore di una concezione della musica come bene comune in una dimensione partecipata ed estesa ad ogni ceto sociale.

Con grande rigore interpretativo e una scrittura fluida e coinvolgente, Andrea Podestà riflette sulla complessa e straniante bellezza degli ultimi cinque dischi di Lucio Battisti che, realizzati con i testi di Pasquale Panella, perseguivano un lucido ed ambiziosissimo progetto artistico: ricostruire a intarsi una nuova forma di canzone. Al volume è allegato il CD L'artista non ero più io in cui Marco Sabiu e Gabriele Graziani rivisitano 14 canzoni di questo repertorio per ricrearne le atmosfere, gli slanci e le sorprendenti intuizioni sonore e letterarie, a conferma della vitalità dei cinque album "bianchi" che, a distanza di trent'anni, non finiscono di stupire. Tutt'altro che accessorio, l'abbinamento tra libro e CD indica anche il profondo rapporto simbiotico che lega i due percorsi: non a caso Podestà interviene, come voce narrante, nell'introduzione del disco mentre i due musicisti sono presenti, con due approfonditi interventi, nel libro. Il risultato finale è un originale progetto artistico e critico allo stesso tempo che si profila come un viaggio, lungo strade convergenti, nello stra-ordinario mondo di Battisti e Panella

Quindici canzoni per un racconto in musica sulla Resistenza, pietra angolare su cui si fonda la nostra democrazia: una comunità, aperta e inclusiva, di liberi ed eguali nata dalla lotta di un popolo contro l'invasore e, allo stesso tempo, contro l'oppressore, in una guerra di liberazione che è stata anche una guerra civile. Per non dimenticare. E per ricordarlo a chi non sa o fa finta di non sapere.

Il racconto si articola lungo due storie in apparenza senza alcuna connessione tra loro. Leonardo Conigliaro è un medico di Camporeale, un paesino dell'entroterra palermitano dove molto forte è la presenza della mafia. Frank Fischer è un giornalista tedesco, noto per le sue inchieste sugli intrecci tra politica e malaffare e per la denuncia delle infiltrazioni mafiose in Germania. Nel succedersi delle loro vicende personali si delinea uno spaccato di grande efficacia sulla realtà politica e sociale del tempo, dalla caduta del muro di Berlino all'attentato alle Torri Gemelle, e prendono progressivamente corpo altri fenomeni sociali come le traversie esistenziali dei nostri emigranti all'estero. Con la scoperta del segreto che lega inestricabilmente le loro esistenze, i due protagonisti sono chiamati a scelte che cambieranno per sempre le loro vite, strette infine in un abbraccio solidale.

Il racconto si articola lungo due storie in apparenza senza alcuna connessione tra loro. Leonardo Conigliaro è un medico di Camporeale, un paesino dell'entroterra palermitano dove molto forte è la presenza della mafia. Frank Fischer è un giornalista tedesco, noto per le sue inchieste sugli intrecci tra politica e malaffare e per la denuncia delle infiltrazioni mafiose in Germania. Nel succedersi delle loro vicende personali si delinea uno spaccato di grande efficacia sulla realtà politica e sociale del tempo, dalla caduta del muro di Berlino all'attentato alle Torri Gemelle, e prendono progressivamente corpo altri fenomeni sociali come le traversie esistenziali dei nostri emigranti all'estero. Con la scoperta del segreto che lega inestricabilmente le loro esistenze, i due protagonisti sono chiamati a scelte che cambieranno per sempre le loro vite, strette infine in un abbraccio solidale.

Un compositore di fama, attento ai temi della ricerca, come Damiano D'Ambrosio, si cimenta nella rivisitazione dei canti popolari di Matera con 14 partiture originali che trasfigurano altrettanti brani della tradizione, interpretati magistralmente dal coro polifonico I Cantori Materani, capaci di assecondarne la grande varietà di registri espressivi, melodici e timbrici. Al CD Sassincanto si accompagna il volume omonimo che, con nuovi apparati critici e le trascrizioni musicali di tutti i brani, evidenzia ulteriormente l'importanza di un recupero consapevole di un'eredità culturale, trasposta in un linguaggio più vicino alla sensibilità contemporanea. Con un ampio saggio critico, Caterina Pontrandolfo offre per ogni brano il pertinente contesto culturale, colto anche in relazione all'originalità della rivisitazione artistica, mentre Patrizia Del Puente si sofferma sulla ricchezza di assonanze e declinazioni verbali che i brani presentano in relazione al dialetto. Il tutto con la cura e la supervisione di Michele Saponaro.

Una filastrocca regalata a Gianmaria Testa è all'origine di una successione di quadri che, con diversi registri espressivi, rievocano la figura discreta e l'opera potente del cantautore piemontese, autore di una personalissima e scabra forma di canzone-poesia. Costruiti attorno ai ricordi dell'amico scomparso e imperniati sulle parole-chiavi che ricorrono nella sua opera, i racconti di Guido Festinese hanno fatto da innesco per le canzoni originali di Paolo Gerbella che dilatano e rilanciano quegli stessi orizzonti di vita e poesia sui quali, con una forza di rara eleganza, si è posato anche l'obiettivo di Maurizio Logiacco. Nel fluire continuo di pensieri ed emozioni che concorrono a delineare con intensità il volto di una persona amata, "Schiena dritta" si configura come un sentito omaggio a un autore gentile che si è conquistato un posto di rilievo nella storia della canzone italiana, toccando vertici raggiunti solo da altri, pochi, giganti del dire in musica. Con un ensemble di grandi musicisti e la partecipazione straordinaria di Paolo Fresu.

Fondato nel 1987 da Luciano Berio, Tempo Reale ha costituito un importante polo per la ricerca, la produzione, la didattica e la promozione nell'ambito frastagliato della musica elettronica. Impostato inizialmente sulle possibilità offerte al mondo della musica dalle nuove tecnologie digitali, l'Istituto ha poi assistito numerosi compositori, da Battistelli a Sciarrino, da Stroppa a Guarnieri, nella creazione di nuove opere contrassegnate dall'uso dell'elettronica e ha agito da incubatore per numerosi altri progetti legati alle tecnologie applicate al suono, favorendo l'affermazione di molti giovani musicisti. Attraverso una sistematica ricognizione nei documenti d'archivio e attingendo anche alla viva voce di testimoni e protagonisti, il volume ripercorre la storia di questi trentacinque anni nei quali Tempo Reale si è conquistata una posizione di riguardo nel contesto internazionale della musica elettronica le cui vicende sono allo stesso modo richiamate nel volume per porre in risalto la novità rappresentata da questa esperienza fiorentina di ricerca musicale.

Raffinato gruppo musicale, organizzatore di eventi mastodontici o interstiziali, creatore di capovolgimenti estetici e linguistici, inventore di marchingegni ecosostenibili, la banda dei Têtes de Bois è stata in grado di animare stadi olimpici e stradine di paese, auditorium e cantine, mezzi di locomozione e pompe di benzina. Il racconto delle loro imprese inizia su un camioncino d'epoca nella centralissima Campo de' fiori a Roma e termina trent'anni dopo sulle selle dello stupefacente palco a pedali della recentissima Retromarcia su Roma, invenzioni entrambe brevettate. In mezzo, le visionarie, ironiche, commoventi, sorprendenti iniziative disseminate in giro per l'Italia e per l'Europa. Senza ritegno i quattro componenti della band confessano le loro sconclusionatezze, raccontano gli esordi squattrinati, ripercorrono le vicende di Stradarolo, di Avanti Pop, dell'esibizione sul palco dell'Ariston, a Sanremo, degli spettacoli in metropolitana, dei raduni in bicicletta, degli incontri e le collaborazioni con i grandi della cultura e dello spettacolo internazionale.

Premio Nobel per la letteratura, Grazia Deledda nella sua opera ha trasposto l'eredità di un intero popolo nella dimensione del simbolo, conferendo un valore più esteso a fantasie e immagini sedimentate nella memoria collettiva. Figlia della stessa terra e tra le voci più originali della scena musicale sarda, Claudia Crabuzza rende ora omaggio alla densità della sua opera, che ha trasformato il piccolo mondo delle origini in un racconto universale di emancipazione al femminile. Per iniziativa di Stefano Starace, autore anche dei testi, e con le musiche e gli arrangiamenti di Andrea Lubino e Fabio Manconi, in dieci canzoni sono stati tradotti in musica altrettanti romanzi della Deledda. Con scritti di Dino Manca, Neria De Giovanni e Antonello Zanda, i dipinti di Narcisa Monni, le fotografie di Marianne Sin-Pfältzer, una poesia di Paolo Pillanca, le traduzioni in sardo di Michele Pio Ledda e, con un QR Code, gli "Itinerari deleddiani" di Remo Branca.

Figura centrale nella storia culturale del Molise, Eugenio Cirese ha dedicato alla sua terra gran parte della propria opera, sostenuta da una spiccata predilezione per il dialetto e dalla solidale partecipazione alla causa dei contadini dei quali raccoglie, con grande perizia filologica, anche le voci e i canti: tuttora insuperata, per quanto irreperibile, la sua raccolta "Canti popolari del Molise", del 1953. Alla sua opera si è accostato Giuseppe "Spedino" Moffa, cantautore e polistrumentista che, figlio della stessa terra, ne ha colto appieno la ricchezza tematica e l'estrema vivacità linguistica ed espressiva. Trasponendone in musica alcune delle pagine più significative, ne ha evidenziato anche la sorprendente attualità e la loro profonda aderenza a istanze e aneliti che ancora pervadono molte delle comunità molisane. Una rivisitazione sonora di un intero universo poetico ed antropologico condotta all'insegna di quelle grida di ragazzi che spesso irrompono nelle pagine ciresiane: Uauà, per l'appunto. Con introduzione di Antonio Fanelli.

Piero Farulli è stato per trent'anni "la viola" del Quartetto Italiano, tra gli ensemble cameristici più amati nel secondo Novecento, la cui cifra interpretativa costituisce ancora un modello. Ma è stato anche un grande didatta e organizzatore. La Scuola di Musica di Fiesole e l'Orchestra Giovanile Italiana sono tra le sue imprese più note: per decenni hanno attratto e attraggono migliaia di musicisti, appassionati e "amateurs", bambini e comuni cittadini. A questi si sono aggiunti numerosi pedagogisti, musicologi, critici musicali e giornalisti, artisti, amministratori e politici, che hanno osservato le sue imprese per ricavarne un "exemplum", per estendere la cultura musicale a tutti, per una "cittadinanza" veramente matura ed egualitaria, coerentemente con il motto di Piero che definisce il suo ambizioso progetto: "la musica per tutti". La sua opera ha suscitato resistenze, critiche, indifferenza e ostilità che, a volte, sono risultate prevalenti rispetto ai suoi obiettivi. Il volume racconta le storie di Piero, lotte, successi e sconfitte, la rete delle sue relazioni, le sue "lamentationes" e gli scenari sociali e culturali in cui ha condotto coraggiosamente le sue battaglie.

La recente pandemia ha determinato un imprevedibile cambio di paradigmi culturali che ha spinto le attività umane, e in particolare molte pratiche performative, a riformularsi. Il volume è l'esito di un convegno internazionale, tenutosi "a distanza" nel dicembre 2020 e promosso dal Dipartimento SAGAS dell'ateneo fiorentino e da Tempo Reale-Firenze, al quale hanno partecipato numerosi studiosi con competenze e orientamenti diversi. Raccoglie contributi teorici e analitici sul suono, vettore di sorprendente efficacia emotiva, con il fine di riflettere sulla sua capacità di ispirare nuove forme di creatività e di attenzione alla "fonosfera". Allo stesso tempo, propone una riflessione sullo "stare al mondo" mediato dall'orecchio, inteso come strumento di "lettura" dello spazio antropizzato e dell'ambiente. Da più interventi è emersa la necessità di considerare anche il suono come un "bene comune". Il volume tenta di restituire un insieme di punti di vista da cui osservare la realtà sonora, interrogandosi su alcuni possibili effetti in termini di conoscenza, benessere individuale e collettivo

Questo lavoro è l'esito del Convegno dedicato al grande autore, traduttore e produttore di canzoni Sergio Bardotti (1939-2007), a dieci anni dalla sua morte, dal Conservatorio Bonporti di Trento in collaborazione col Dipartimento di Musicologia e Beni Culturali dell'Università di Pavia, sede di Cremona. Più che un convegno, è stata una festa concertante con un respiro interdisciplinare e multimediale, connaturato a una personalità artistica trasversale e poliedrica, capace di travalicare confini e steccati, abbattendo ogni residua distinzione tra 'colto' e 'popolare'. In una alternanza di contributi scientifici, performance poetico-musicali e testimonianze di parenti, amici e collaboratori, in molti, da Chico Buarque a Ornella Vanoni, da Vittorio De Scalzi a Dario Baldan Bembo, hanno contribuito a delineare il profilo di un protagonista della cultura italiana della seconda metà del Novecento, soprattutto in relazione alla sua attività di poeta per musica, traduttore e produttore. Saggi di Claudio Cosi, Enrico de Angelis, Serena Facci, Stefano La Via. Nel cd Maria Pia De Vito, Monica Demuru, Nicolás Farruggia, Stefano La Via, Natalio Mangalavite, Chiara Morucci, Têtes de Bois.

Giuseppe "Spedino" Moffa ha raccolto e formalizzato per la prima volta le proprie, ultradecennali, esperienze in quest'ambito nel volume Metodo per zampogna, realizzato all'interno di un progetto promosso d'intesa con il Conservatorio "Lorenzo Perosi" di Campobasso. Strumento emblematico delle musiche di tradizione orale del Meridione, la zampogna è la cornamusa del Sud Italia e fa parte della grande famiglia di aerofoni a sacco diffusi in tutta Europa. Associata per lo più ad ambienti rurali e pastorali e a determinati contesti festivi, ha rinnovato negli ultimi anni il proprio repertorio grazie all'impegno di alcuni musicisti che ne hanno rivelato le grandi potenzialità melodico-armoniche, portandola a dialogare con numerosi generi musicali. Guardando a questi sviluppi ma senza dimenticare le origini illustri della zampogna e quelle notazioni musicali e quei brani che ne hanno consacrato la fama, Giuseppe Moffa ha così realizzato un lavoro che sviluppandosi su diversi livelli, si rivolge al neofita, a chi già suona da autodidatta o "a orecchio", ai musicisti che vogliono ampliare le proprie competenze professionali. Con spartiti e, nel CD allegato, 12 brani

Nei Sonetti romaneschi Giuseppe Gioachino Belli ci restituisce una società che non sarebbe più stata la stessa, quella della Roma ottocentesca, papalina e preunitaria. Nel succedersi di diversi registri stilistici narrava così la demistificazione del potere e dei suoi strumenti di dominio ma, allo stesso tempo, denunciava il comportamento di un popolo che non si ribellava a norme e valori imposti dall'alto. Con il pensiero rivolto ai nostri giorni, sospesi nell'incerta attesa di qualche cambiamento, gli Ardecore hanno ricavato, ventotto canzoni che esaltano le atmosfere e i temi di quei versi. Quel 996, assunto come acronimo e maschera dal poeta per esprimere più liberamente il proprio pensiero, nelle loro canzoni si trasforma in un concetto diverso che, contrapponendo il quotidiano e il visibile allo spirituale e a ciò che non è tangibile, proprio a Roma trova la sua massima espressione con il Giano bifronte o anche il leggendario Mithra che domina sull'animalità. Introduzione di Marcello Teodonio, testi delle canzoni con le trascrizioni delle musiche, tavole illustrative di Marcello Crescenzi, Claudio Elias Scialabba, Scarful e Ludovica Valori e un QR code con i brani.

Per quanto sia vissuto a diretto contatto con la sua "città cantante", dalle Piedigrotte al varietà fino alla sceneggiata, le poesie di Eduardo De Filippo risultano impegnative da musicare, tanto più se a cimentarsi nell'impresa è un'artista di "fuori regno", per giunta milanese, come Patrizia Cirulli. I risultati sono però "ottimi sia sul piano creativo che interpretativo, collocandosi in modo equilibrato tra ammirazione e distacco, rapporto ravvicinato con questa tradizione poetica e autonomia espressiva. Punto di forza di questa impresa è la scelta timbrica di un organico da camera che mescola antico e contemporaneo con cordofoni (chitarra, liuto, mandoloncello), archi (violino, viola, contrabbasso) e percussioni. Un ensemble formato da ottimi solisti, con comuni affinità elettive, che imprimono al lavoro un tale equilibrio e varietà stilistica da consentire alle musiche della Cirulli di migrare dal folk alla canzone d'autore, con qualche piccola sosta finanche nella saudade portoghese. Benvenuta, dunque, nell'universo sonoro partenopeo con un contributo tanto impegnativo quanto riuscito, capace di mettere in musica e cantare gli sguardi, gli umori e i gesti di Eduardo" (Dall'introduzione di Pasquale Scialò). Con la partecipazione straordinaria di Fausta Vetere e di Dario Sansone.

Una raccolta di "cartoline acustiche" che, messe le une accanto alle altre, compongono un ritratto grandemente suggestivo di Venezia. Sono campielli e rive, gondole e vaporetti sintattici che squarciano la superficie oleografica di Venezia-icona e aprono la strada alla perlustrazione di Venezia-vita, Venezia-storia, Venezia-mondo: un'opera costruita sulla base di una suggestione maturata nel corso di una conversazione con Renzo Piano sulla natura armonica di una città costruita come una palafitta. Con scritti di Gianfranco Vinay e Lello Voce.

"Nomade per vocazione e irrequieto per temperamento, spostandosi di continuo da un continente all'altro, Peppe Voltarelli per il suo nuovo disco, Planetario, ha deciso di misurarsi con i grandi della canzone internazionale, da Jacques Brel a Bob Dylan, da Leo Ferré a Vladimir Vysotskij, offrendo una prova delle sue doti di interprete. Ma ciò che rende unico questo suo nuovo lavoro, è il fatto che altri giganti cantano assieme a lui, a due voci, i loro brani che acquistano così un sapore del tutto nuovo. Planetario è un progetto ambizioso che, dalla Catalogna, si propone di rinnovare la lezione di Amilcare Rambaldi attorno alla fecondità di un incontro tra artisti di nazionalità diverse dove a muoversi sono le emozioni e i pensieri affidati a una canzone."

Un'articolata riflessione sulle rappresentazioni dell'emigrazione, dalla Basilicata agli Stati Uniti d'America, dalla fine dell'Ottocento agli anni Cinquanta del Novecento, attraverso lo studio di alcuni casi esemplari. Il volume si sviluppa attorno alle storie di uomini e donne che, partiti da Castelmezzano e da Brindisi di Montagna, in provincia di Potenza, si ritrovarono a New York e a Chicago come imprenditori di successo, professionisti affermati o anche uomini di mondo, integrati nel nuovo contesto sociale. Desiderosi di raccontare di sé e delle proprie fortunate vicende, si avvalsero di quanto lo sviluppo della tecnologia metteva loro a disposizione, dagli ingegnosi dispositivi del precinema, alla fotografia e alla cinepresa, spesso in associazione a grammofoni a tromba e ad altri strumenti musicali per una debita colonna sonora. Nel corso di momentanei ritorni al borgo natio proposero ai loro esterrefatti compaesani tridimensionali visioni stereoscopiche e pionieristiche riprese filmiche quali stupefacenti testimonianze dell'affermazione ottenuta nel nuovo mondo.

Dorso mondo è un libro elettrico. Sono elettriche le sue parole, i suoi suoni, le sue voci, le sue musiche e le sue immagini. È dunque un'opera vibrante, che si espande e cortocircuita: in due lingue, italiano e francese, in tre codici (ma forse di più), testo, voce ed immagini, in quattro protagonisti, anche se l'autore infine, per quanto collettivo, avrà un nome e cognome. Un poema macchinato e dunque, oggi, naturalissimo e contemporaneo. È lì apposta per dimostrare che chi crede che la poesia in voce e suono sia più 'facile', sta scambiando il divertimento (che è cosa complessa) con il semplicismo. E siccome è orchestrato collettivamente sta lì a dimostrare anche che l'arte fatta insieme è spesso molto soddisfacente per chi la fa e per chi la fruisce. Che è una possibilità contemporanea. Ed è infine la prima scommessa di uno dei migliori poeti europei delle giovani generazioni: Gabriele Stera, che è il regista di questo film. (L.V.)