Mirella Bentivoglio è stata un artista, poetessa e performer che ha operato nell'ambito delle poetiche verbo-visuali occupandosi sia di poesia concreta che di poesia visiva come critico e artista, con le sue composizioni di parole e immagini, collage e grafiche. Mirella Bentivoglio ha anche curato numerose iniziative di arte al femminile in Italia e all'estero, tra cui la mostra di ottanta donne Materializzazione del linguaggio ai Magazzini del Sale nell'ambito della 37a Biennale di Venezia (1978). Ha pubblicato poesie in volume per Scheiwiller nel 1943 e monografie e saggi in Italia e all'estero (Francia, Stati Uniti, Paesi Bassi, Germania), editi, tra gli altri, da Fabbri, Mazzotta, Eidos. Nel 2011 l'artista ha donato la sua ricca collezione-archivio di arte al femminile, raccolta in anni di forte impegno anche come curatrice di mostre, al 'Mart' di Trento e Rovereto. Il libro accompagna l'omonima mostra al Museo Stazione dell'Arte di Ulassai (2021) e all'Istituto Italiano di Cultura di Atene in collaborazione con Gramma_Epsilon Gallery (2022). Con saggi in italiano e inglese di Rosaria Abate, Davide Mariani e Rosanna Ruscio.

Già vent'anni fa, Rosalind Krauss aveva preso in esame la 'condizione post-mediatica' e la necessità di 'reinventare la fotografia' ogni volta che si materializza la sua obsolescenza. In ogni epoca si è sempre cercato di reinventare il medium, di spostare ulteriormente nuove questioni, di dare spazio ad altre potenzialità espressive e concettuali... Mauro Zanchi Le argomentazioni in questo libro sono un tentativo di ripensare i termini, i limiti e le logiche con cui produciamo o veicoliamo immagini e immagini fotografiche, tentando sconfinamenti o reinvenzioni attraverso diverse declinazioni. Forse è vero che nel tempo attuale sia più corretto parlare di immagini piuttosto che di fotografie, visto che il fotografico è stato inglobato nella complessa macchina combinatoria dell'iconosfera, tra la rete e gli smartphone, tra i social e qualcos'altro che ancora non conosciamo. Ci sono numerose declinazioni del termine 'immagine', anche ibridazioni fra diversi tipi, utilizzi e direzioni diverse. E la fotografia veicola tutte queste tipologie di immagini senza essere ciò che esse rappresentano dentro il medium che le ha messe in visione.

Il catalogo (in italiano e inglese) della mostra al Mac di Lissone comprende i saggi di Francesca Guerisoli, Marco Senaldi e Pietro Gaglianò, include inoltre ampie descrizioni della maggior parte delle opere in mostra. Francesco Lauretta è un artista poliedrico, fine pensatore e autore di scritti filosofici, noto nell'ambiente artistico per la sua straordinaria capacità di interpretare il mondo attraverso la pittura, spesso non limitata alla bi-dimensione del quadro, bensì estesa allo spazio tridimensionale attraverso l'impiego di materiali eterogenei, di uso comune, che danno vita a installazioni multisensoriali. Francesco Lauretta è nato a Ispica-Ragusa, nel 1964 e vive e lavora a Firenze. La sua produzione spazia dalla pittura, al disegno, alla scultura, alle installazioni multimediali.

Il passaggio da oggetti a iperoggetti nasce dal bisogno di creare nuovi percorsi per la progettazione e in secondo luogo, come possibilità di costruire ponti e vie secondarie per facilitare gli incontri, così da liberarci delle visioni univoche della storia del design, dalla costante tentazione di gerarchizzare gli esseri e gli oggetti. È un futuro non ancora scritto, capace di combinare tradizioni acquisite o ereditate, interpretazione, sperimentazione e creazione di qualcosa di nuovo, con l'intento principale di partire da questo mondo per altri mondi possibili. Il design di Formafantasma si profila, sin dalle prime espressioni progettuali come arte conoscitiva del possibile, una ricerca di alternative allo status quo.

«Per pigrizia mentale molti chiedono all'artista la fabbricazione di oggetti fermi: così per anni gli ambienti si sono riempiti di tavole e manichini la cui opacità e inerzia ci precludono ormai di sentire i valori di divenire che in essi sono solidificati sotto forma di simboli. Da tempo ho cominciato a stabilire sul piano del 'quadro-oggetto' dei dislivelli, in modo che l'occhio dello spettatore, scorrendo sulla superficie, fosse costretto a salire e scendere da spessori, ad entrare e uscire da cavità indagando gli aspetti che la luce in naturale variazione determinava nel quadro.» (Gianni Colombo). Questa monografia dedicata a Gianni Colombo (Milano 1937 - 1993) si aggiunge ai numerosi cataloghi di esposizioni collettive e personali dell'artista, pubblicati da istituzioni pubbliche e private. La sua storia si inserisce in quella internazionale della neoavanguardia degli anni Sessanta e Settanta, con cui ha condiviso uno stesso sentimento, orientato a proporre nuove forme e inedite modalità percettive.

Questo è il catalogo della personale di Michele Lombardelli al MAGA (febbraio - maggio 2022), partendo dalle opere pittoriche degli ultimi anni la mostra intreccia i diversi linguaggi sperimentati dall'artista, evidenziando come l'interesse, la ricerca e il pensiero laterale di Lombardelli si muovano contemporaneamente verso la pittura come segno, l'immagine fotografica come testo, il libro come oggetto d'indagine, e il suono come materia di esplorazione e dimensione priva di misure e confini.

Nel mondo contemporaneo, ormai lanciato verso la creazione di corpi e opere analogiche e digitali, ibride e meticce che cercano linfa, fluidità e rappresentanza, ARKAD, analogamente a Dimora OZ, si pone come luogo immaginario in cui provare a resistere insieme. ARKAD presenta diverse esperienze e contributi realizzati nell'ambito di Manifesta 13, Pixelache Festival, A.R.T Rethinks Transformation e infine dell'Italian Council che, attraverso il supporto della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le attività culturali, ha permesso tutte le fasi di ricerca, sviluppo e pubblicazione del progetto. Con i contributi di: Lori Adragna, Analogique, Sonia Andresano, Francesca Arri, Christian Caliandro, Iole Carollo, Casa Sponge, Eleonora Chiesa, Cristina Dinello Cobianchi, Dimora OZ, Gianluca Collica, Andrea Cusumano, Gianluca D'Incà Levis, Modesta di Paola, Mauro Filippi, Andrea Kantos, Maria Giovanna Musso, Santa Nastro, Isabella Pers, Tiziana Pers, Leandro Pisano, Pier Paolo Scelsi, Michele Vaccaro.

Milano possiede uno dei sistemi teatrali più solidi e articolati sul territorio nazionale e, fuori della luce dei riflettori, si muove una scena indipendente ed estremamente varia, che mescola stili e approcci differenti sia dal punto di vista artistico sia da quello organizzativo. Il teatro indipendente produce un importante lavoro sul territorio, copre aree di ricerca poco battute dalle realtà ufficiali ed è un incubatore di modelli di diffusione e gestione culturale innovativi. Nonostante ciò, ogni giorno, lotta per la sua sopravvivenza in un settore privo di adeguate tutele per i lavoratori, nel quale è molto complesso dare continuità alle proprie attività. Questo libro segue i percorsi di alcuni artisti, compagnie e spazi indipendenti che hanno segnato fasi importanti della storia teatrale cittadina e nazionale, dagli anni Novanta all'esplosione della pandemia di Covid-19. Lo fa attraverso la voce dei suoi protagonisti, ripercorrendone gli inizi, i progetti più originali, i fallimenti e i successi. Fra le sue pagine scorrono visioni di teatro, racconti di eventi formidabili, riflessioni sul senso dell'atto teatrale, esperimenti coraggiosi e analisi di come sia stato possibile realizzarli. Questo volume vuole essere un affresco su vent'anni di teatro sotterraneo e un manuale di sopravvivenza per chi abbia energie e vocazione per continuare a renderlo vivo.

Lettering, grafica, arte, design, scultura, architettura.. sono campi chiaramente distinti e distinguibili oppure l'orizzonte è più sottile di quello che il senso comune sembrerebbe suggerire? Questo testo cerca di mettere a confronto questi ambiti, attraverso una serie ragionata di esempi dalle Avanguardie Storiche ai giorni nostri, per provare a capire quanto di diverso esiste, ma soprattutto cosa hanno in comune queste discipline creative. Il percorso non è propriamente in ordine cronologico, ma piuttosto suddiviso in tre parti, ognuna con una sorta di opera o autore di riferimento da cui far scaturire il discorso: le prime sperimentazioni tipo-grafiche di inizio Novecento; le architetture tipografiche di Fortunato Depero ed il lettering monumentale di Robert Indiana; l'ambito dell'Arte Concettuale e della Public Art, in cui gli spettatori possono essere, più o meno consapevolmente, parte attiva. E forse sorprenderà scoprire che non sempre i casi che più di altri sfidano e sfiorano il confine sono quelli cronologicamente più vicini a noi.

'Le relazioni oltre le immagini' racchiude una serie di interventi di artisti, curatori, sociologi e storici dell'arte incentrati sull'arte pubblica, una categoria generica che allude a forme estetiche e sperimentazioni artistiche non convenzionali e interdisciplinari che hanno luogo negli spazi pubblici e che generalmente sono foriere di messaggi politici, identitari e sociali, rivolti o propri di chi vive o attraversa i luoghi in cui questi progetti/opere vengono proposti. L'intento di questo volume è, quindi, di proporre un'articolata conversazione a più voci che possa rendere conto di un panorama frastagliato e contraddittorio, il più ampio possibile, sui tanti modi di intervenire negli spazi pubblici e di usare l'arte non più, come in passato, quale chiave simbolica per rappresentare gli elementi condivisi dalla società che li esprime, quanto, piuttosto, come occasione per dar voce alle tante accezioni che le parole 'arte' e 'spazio pubblico' possono assumere. Ne emerge un quadro in cui l'arte viene intesa nella sua funzione politica e partecipativa, in grado di creare esperienze condivise con i fruitori generici o con comunità specifiche.

Tenebra è il catalogo della omonima mostra personale dell'artista G. Olmo Stuppia tenutasi a Venezia, nello spazio espositivo di SPARC* - Spazio Arte Contemporanea, dal 19 febbraio al 30 aprile 2021. La mostra è stata curata da Francesca Giubilei e Luca Berta e, a partire da una riflessione sul lockdown iniziato a marzo 2020, tenta di proporre una rilettura della contemporaneità conservando la complessità degli eventi vissuti. Il catalogo contiene numerosi interventi critici sul tema: la prefazione e l'editing sono stati curati da Elisa Gremmo, mentre gli autori che hanno contribuito alla riflessione sono Francesca Giubilei, Luca Berta, Yasmine Helou, Mattia Pajè, Gabriele Tosi, Maria Abramenko, Yvanoe Kruger, Salomé Burstein, Luca Gennati, Giacomo Pigliapoco, Mirko Pajé, Elenora Ambrosini, Saverio Bonato, Giuseppe Amedeo Arnesano, Giacomo Gandola, Costanza Sartoris, Giulio Verago, Anna Battiston, Mattia Solari, Alessandro Castellani Guarraoui, Elise Anne Beuke, Pietro Consolandi e Stefano Coletto.

Fino a che punto l'arte collabora alla trasformazione del mondo in un miraggio imperniato sulla «fantasmagoria delle merci»? Per rispondere a questa domanda, Roberto Costantino raggruppa un insieme di opere apparentemente disparate mostrandoci il nesso nascosto che le collega una all'altra: tutte ci raccontano a modo loro le trasformazioni economiche che hanno caratterizzato il secolo breve da cui siamo usciti una ventina d'anni fa e che ancora distinguono il millennio in cui ci troviamo. Che il Novecento - e ancora di più il Duemila, siano i momenti storici in cui si è consacrato il trionfo della merce, ovvero si è definitivamente affermata la possibilità di convertire in denaro oggetti, comportamenti, saperi, «ancora prima che siano usati», non è certo una novità. Inusuale, però, è analizzare l'arte attraverso questo filtro critico, sapendone trarre ragionamenti affascinanti e convincenti.

Come ha scritto Alessio Galbiati, sul magazine Rapporto Confidenziale: 'Francesca Fini è una donna-immagine. Una produttrice di immagini attraverso l'utilizzo di differenti linguaggi: dalla performance alla regia, dall'interaction design alla (hyper) grafica, passando per una miriade di ibridazioni e contaminazioni. Nel corso degli anni si è cimentata con diversi media, esordendo nel 1996 con il romanzo (di autobiografica formazione) Così parlo Mickey Mouse, per passare poi a lavorare per il cinema e la televisione. La sua formazione multidisciplinare è divenuta la forza e la caratteristica dalla quale partire per costruire una propria organica ed originale carriera artistica. Il corpo è per lei territorio sensibile con il quale esplorare suggestioni e riflessioni sull'ancestrale (a)modernità dei bisogni e delle necessità dell'uomo (o meglio, della donna), ma soprattutto campo di battaglia entro il quale, e con il quale, articolare azioni e gesti che diventino altro da sé. Un corpo manufatto, ibridato con tecnologia concettuale d'ispirazione cyberpunk'. Con i contributi di: Lori Adragna, Adriano Aprà, Bruno Di Marino, Giacomo Ravesi.

Questo nuovo titolo, a cura di Elisabetta Longari, raccoglie alcuni contributi che studiosi specialisti in diversi ambiti dedicano alla lettura della complessa e variegata opera di Meri Gorni, che si muove tra letteratura e arti visive. Il suo luogo prediletto è la carta, dove l'autrice scrive, disegna e applica fotografie, scattate o trovate. Ha frequentato continuativamente nel corso del tempo il video come linguaggio per andare a comporre una sorta di vocabolario, condensando in un flusso di immagini il significato di ogni parola. Sempre più spesso di recente i suoi cicli di lavoro escono dalla forma prediletta del libro per squadernarsi nello spazio tridimensionale dell'ambiente, dando luogo a installazioni di grande impatto ma aliene da ogni inclinazione alla spettacolarità. L'opera di Meri Gorni in tutte le sue forme costruisce nidi per il pensiero, teatri mentali, ambienti intimi e silenziosi adatti alla lettura e alla scrittura, sue grandi passioni che costituiscono una vita parallela, anzi, seguendo l'indicazione di Borges, la vita vera. Con i contributi di: Manuela Gandini, Elisabetta Longari, Silvana Turzio, Sara Fontana, Cristina Casero, Mariapia Bobbioni, Luca Panaro.

Il parco di scultura Rossini Art Site si estende per dieci ettari sulle colline della Brianza e conserva e valorizza la collezione d'arte moderna e contemporanea della famiglia Rossini. L'esposizione comprende una sessantina di opere, tra cui importanti sculture di César, Arman, Jean Tinguely, Daniel Spoerri, Grazia Varisco, Dennis Oppenheim, Fausto Melotti, Pietro Consagra, Hidetoshi Nagasawa, Giò Pomodoro, Giulio Turcato. Aperto al pubblico nel 2015, il Rossini Art Site fa anche da cornice per le mostre e i progetti temporanei prodotti da Fondazione Pietro e Alberto Rossini, riconosciuta da Regione Lombardia nel 2017, impegnata nella valorizzazione dell'arte e della cultura contemporanee oltre che della collezione permanente.

'Un must per i fan dei Black Sabbath. . . tutti gli appassionati di letteratura rock dovrebbero dare un'occhiata a questo libro'. _PiercingMetal.com 'Così come i punk circa sette anni dopo di loro, i quattro ragazzi conosciuti come Black Sabbath non avevano la minima idea del segno che stavano lasciando nella Storia. Si i Sabs hanno inventato l'Heavy Metal. Semplice, inattaccabile, inopinabile'. _ Martin Popoff Quasi 40 anni di droga, depressione, depressione, alcol, bestia e paranoia sono a vostra disposizione in questo fantastico viaggio nel malvagio mondo del Black Sabbath. Con tanti album nelle 'top list' della storia del rock, l'influenza sulle band contemporanee, gli eccessi del famigerato Ozzy Osbourne (ancora oggi in circolazione) e le invenzioni di Tony Iommi, i Black Sabbath hanno continuato a riempire le arene di tutto il mondo fino alla decisione finale del tour di addio con data conclusiva il 4 febbraio del 2017 a Birmingham, lì dove tutto era nato nel 1968. Sono stati classificati da MTV come la più grande Metal Band di tutti i tempi, mentre la rete televisiva VH1 li piazza al secondo posto nella lista dei '100 migliori artisti di Hard Rock'.

Intorno alla metà degli anni Settanta in Italia si diffondono le posizioni del nuovo femminismo, il femminismo della differenza. Questo rivoluzionario pensiero, incentrato sulla necessità di ridefinire l'identità della donna a prescindere da secoli di cultura maschile, ha forti ripercussioni sulle ricerche di molte fotografe e artiste che ricorrono alla fotografia come mezzo ideale per condurre la riflessione identitaria o testimoniare la condizione della donna, operando con una nuova consapevolezza del proprio fare e del proprio ruolo. Nel giugno del 2020, l'anno che il Comune di Milano dedica a 'I talenti delle donne', il Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo ha organizzato una giornata di studio curata da Cristina Casero e introdotta da Giovanna Calvenzi, seguita da un dibattito animato da alcune delle protagoniste degli anni Settanta in dialogo con autrici più giovani. Da questa occasione di confronto scaturiscono le riflessioni raccolte nel presente libro e una mappatura necessaria alla ricerca della fotografia in Italia. Con saggi di: Linda Bertelli, Cristina Casero, Lara Conte, Elena Di Raddo, Laura Iamurri, Lucia Miodini, Federica Muzzarelli, Raffaella Perna.

A seguito della mostra del 2018, nella quale veniva inaugurata la sua opera site specific Dionysus' Place nel foyer del teatro Pacta di Milano, Ernesto Jannini coglie con questo libro l'occasione per fare il punto sul suo rapporto con l'arte e il teatro. L'esperienza teatrale, infatti, ha avuto una ricaduta significativa sul suo percorso artistico. L'artista si è sempre mosso tra arti visive, scrittura e teatro. Per mettere nero su bianco Jannini ha deciso di raccogliere i vari scritti elaborati per convegni, riviste cartacee e on line, cataloghi e pamphlet di mostre personali. Da tutto ciò il lettore potrà scorgere le sinergie intercorse tra l'attività artistica primaria e il teatro, che Jannini ha frequentato e che frequenta, oltre alla scrittura critica e al suo interesse per altre discipline che lo hanno portato a dialogare col pubblico, con scienziati, critici d'arte, musicisti.

All'inizio del 2021, il boom del mercato degli NFT (Non Fungible Token, certificati digitali di autenticità) ha aperto nel mondo dell'arte il dibattito sulla blockchain, il registro pubblico decentralizzato su cui questi certificati convivono con le criptovalute, promettendo 'scarsità digitale verificabile.' In realtà la blockchain, sorta all'inizio della crisi finanziaria del 2008 e vista da molti come il fondamento di un nuovo Web 3.0 più privato e sicuro, ha già cambiato l'economia mondiale e sta ridisegnando l'ambiente digitale in cui, sempre più, anche l'arte si trova a essere creata, distribuita e scambiata. Nato nel tumulto di un hype tecnologico e di una bolla speculativa, questo volume colloca le promesse del mercato degli NFT in una prospettiva storica che approfondisce e analizza sia gli sviluppi delle tecnologie su cui si fonda, sia il ruolo di certificati e contratti nell'arte contemporanea, sia le vicende del mercato della media art nel corso degli ultimi trent'anni. Cavalcando l'onda di un dibattito in corso, Surfing con Satoshi affronta una serie di domande ancora aperte, come: cosa ha a che fare l'arte con la blockchain? Ha senso parlare di 'Crypto Art'?

Esiste un filo sottile che lega le donne ai territori sperimentali dell'audiovisivo, dove il cinema si interroga, si mette in discussione, supera i suoi stessi confini. È cinema altro o meglio CINEma oltre, fatto di sconfinamenti, di eccessi, di 'smarginature' che aprono a invenzioni e narrazioni impreviste. Sono molte, e ancora poco esplorate, le artiste italiane che dagli anni Settanta a oggi hanno scelto l'immagine in movimento come medium di espressione e talvolta di lotta. Questo volume si occupa di loro e intende aggiungere nuovi tasselli a una cartografia in divenire, non esaustiva ma promettente, che tenta di restituirne la complessità e la ricchezza. All'incrocio tra Film Studies e Women's Studies, è qui radunata una selezione di artiste differenti - note, emergenti o da riscoprire - chiamate a dialogare fra loro in una sorta di immaginario convivio. Dalle esperienze storiche del cinema di ricerca e degli albori della videoarte, nell'ottica di una genealogia da ricucire, gli studi proposti in queste pagine si espandono fino all'attualità degli ultimi anni, tenendo insieme le pioniere delle origini e le audaci sperimentatrici d'oggi. Questa ricerca è frutto di una collaborazione con il Dipartimento di Scienze Umanistiche e Sociali dell'Università degli Studi di Sassari. Con saggi di: Luisa Cutzu, Lucia Cardone, Lucia Di Girolamo, Francesca Gallo, Sandra Lischi, Elena Marcheschi, Jennifer Malvezzi, Raffaella Perna, Simona Pezzano, Farah Polato, Giulia Simi, Maria Teresa Soldani, Bianca Trevisan, Deborah Toschi, Lucia Tralli.

Le nuove forme di comunicazione online, la costante connettività e le pratiche sociali in rete hanno influenzato in maniera radicale il modo in cui viene percepito e rappresentato il corpo, la costruzione e il racconto della soggettività, la percezione e l'espressione dei sentimenti e delle emozioni. Secondo le più recenti prospettive filosofiche, l'individuo contemporaneo manifesta un'identità mutevole e fluida, condizionata dai ritmi frenetici e accelerati della società e della tecnologia; e in quanto utente e generatore di dati, costituisce la base e il punto di partenza dell'infrastruttura a 'catasta' della società digitalizzata in cui viviamo. Da acuti osservatori dell'ambiente online, gli artisti sono stati in grado di descrivere, interpretare e rielaborare questo cambiamento, fornendo nuovi linguaggi artistici e nuove estetiche.

Il libro propone una serie di viaggi nell'arte contemporanea analizzando artisti diversi e lontani nello spazio gli uni dagli altri, ma accomunati spesso da vicende biografiche e snodi tematici. Le opere sono studiate a partire dalla loro collocazione storico-artistica, da un lato in grado di rapportarsi creativamente con l'arte degli anni Sessanta e Settanta, e dall'altro capaci di aprirsi all'inclusione di dialoghi interdisciplinari, senza mai rinunciare alla specificità del mezzo. Viaggi, e non viaggio, perché si è ritenuto che l'opzione migliore fosse quella di procedere per medaglioni tematici, dettati dalla natura stessa delle ricerche in atto.

Cos'è una metodologia? Performance come metodologia non si pone l'obiettivo di rispondere a questa domanda, ma vuole mettere in atto (quindi performare) una serie di interrogativi attorno all'uso della performance come pratica artistica ma soprattutto conoscitiva. Per far ciò il volume prende in esame alcuni metodi d'indagine che analizzano il medium espressivo della performance e, contemporaneamente, guarda a come la ricerca e l'esperienza conoscitiva presentino di per sé dei tratti rapportabili alla performance. Il testo intreccia percorsi di ricerca diversi che si relazionano tra di loro attraverso una doppia trama: si guarda alla performance come oggetto di studio e allo stesso tempo si mettono in evidenza gli aspetti performativi della metodologia di ricerca. La scrittura, come gesto, si lega a specifici contesti spazio-temporali e alla lettura di documenti, foto, tracce e come azione cambia continuamente forma. Il volume si compone di diverse tipologie testuali che vanno dall'analisi dei testi all'interpretazione personale, dal disegno grafico alla presentazione di esercizi performativi che potranno essere messi in atto da un ipotetico gruppo di persone.

Andy Warhol l'artista, Andy Warhol il filmaker, Andy Warhol il divo tra i divi. Dell'artista si è conosciuto ogni sfaccettatura della sua produzione: dai primi passi nel campo pubblicitario alla sua morte tutto è stato passato al setaccio della storia e della storia dell'arte. Forse meglio dire quasi tutto, perché di questo intenso percorso artistico esiste ancora qualche angolo oscuro, qualcosa alla quale la critica ha dato, per varie motivazioni, poca importanza, ponendola come esperienza marginale e non significativa nella messa a punto dell'estetica warholiana: l'Exploding Plastic Inevitable, uno spettacolo di luci, musica, colori e danza messo in scena, tra l'aprile del 1966 e il maggio del 1967, in varie città americane. La critica lo considera quasi un aneddoto, una sorta di sfondo per le ricerche filmiche di Warhol, ma l'Exploding Plastic Inevitable, è un'entità a sé stante in grado di anticipare le teorizzazioni che Debord raccoglierà in La società dello spettacolo, trampolino di lancio per Lou Reed e i Velvet Underground, la ricerca di un format artistico inedito e sperimentale.

Cos'è un ready-made? Come si fa? Perché si fa? Questo libro spiega la teoria del ready-made attraverso la pratica del ready-made: è composto da citazioni e commenti ai testi citati; è frutto di letture male interpretate che è come dire: interpretate in maniera diversa; ed è frutto di osservazioni non pertinenti, spesso impertinenti, travisamenti, depistaggi e détournement. Per semplificare: l'autore guarda un orinatoio e vede una fontana. Teoria e pratica del ready-made è un libro è consigliato non solo agli amanti di Duchamp ma agli amanti dell'arte in genere che tra le cento voci del libro - tra un rimando e l'altro - si ritroveranno a ripercorrere sensazioni e letture del loro vissuto.

Tratto da un storia vera (al 99%) in questa graphic novel di Gabriele Picco si narrano le tragicomiche avventure di un artista italiano alla ricerca del successo a New York. Conseguito l'iniziale riconoscimento in Italia, il ventenne protagonista approda nella grande mela per la consacrazione internazionale. Qui viene tuttavia coinvolto in fatti che poco hanno a che fare con l'arte e che contribuiranno a fare di lui una persona nuova. Al centro di questa graphic novel - disegnata a biro Bic - c'è la scoperta di se stessi, la fame di futuro, il mistero del sesso, dell'amore e della morte visti con gli occhi di un giovane sognatore. C'è anche la consapevolezza che comunque vada l'importante è che sia andata bene.