[...] Nell'estate del 1979 la Rotonda di via Besana a Milano ospitava una fondamentale rassegna curata da Luciano Caramel e Flavio Caroli intitolata «Testuale»: una esaustiva ricognizione - accompagnata da un catalogo con testi dei curatori e statement dei tantissimi artisti protagonisti del progetto espositivo - incentrata sulle sperimentazioni concettuali, verbo-visive e di poesia concreta, nel contesto italiano e internazionale di quegli anni. Nella sua Premessa, Caroli precisava che «Nelle intenzioni questa rassegna ambirebbe ad avere un taglio antropologico, verificando una problematica immaginativa in un preciso momento storico». L'apporto che una mostra di questo genere ha dato alla storiografia di quest'ambito della ricerca è stato particolarmente significativo, perché per la prima volta in Italia venivano affiancate - e quindi analizzate - attitudini e versanti processuali della ricerca molto differenti provenienti da varie geografie. Perciò, finalmente, tante esperienze venivano prese in considerazione anche in relazione a dei presupposti che si erano già verificati. [...]

Analizzando alcune fotografie tratte dal prezioso archivio fotografico del Museo Andersen, il volume si pone l'ambizioso fine di fornire delle chiavi di lettura dell'opera e della vita dello scultore Hendrik C. Andersen, la cui esistenza fu proiettata verso una profonda ricerca spirituale per mezzo dell'arte. Pur consapevole di essere solo una lettura parziale e ancora da approfondire, nel volume è possibile apprezzare vari aspetti, personali e sociali, che si intrecciano e si sovrappongono, nel tentativo di farne comprendere la complessità e i vari piani di lettura possibili.

L'opera di Carlo Pasini nasce a cavallo tra la comunicazione visiva di ultima generazione e l'ironia aggraziata della bellezza delle piccole cose. Il dualismo dei suoi lavori viene esacerbato dal continuo gioco tra concetto e rappresentazione e il fil rouge che funge da impronta stilistica in tutta l'opera è la sensazione di stupore e meraviglia.

Il volume si propone di dar conto delle numerose formazioni artistiche di natura collettiva che hanno attraversato la storia dell'arte italiana del ventesimo secolo. Esperienze che si intrecciano a quelle dei molti e importanti autori che hanno invece privilegiato una ricerca "solitaria", pur partecipando della sensibilità della loro epoca.

Da molto tempo volevo proporre una mostra su "Crack": i miei cari amici Fabio Mauri e Gino Marotta me ne avevano parlato tantissimo, sempre, come di un esperimento molto interessante e importante, unico nel suo genere, dove per la prima volta gli artisti si univano per diversità più che per affinità. Così quando Luca Gracis ha accolto con entusiasmo la proposta, Francesca Tribò si è messa subito al lavoro, Francesco Guzzetti ha manifestato il suo interesse per la parte teorica, gli archivi hanno collaborato fattivamente e attivamente, sono stata molto lieta soprattutto per la conferma della bontà della proposta. Ne ho parlato con Achille Mauri, fratello di Fabio, che aveva partecipato all'impresa in qualità di editore. Con la consueta vitalità Achille ha sposato l'impresa di fare la mostra e accompagnarla con un catalogo dove la pubblicazione dell'epoca sarebbe riapparsa in ristampa anastatica, come avevamo ipotizzato con Francesco Guzzetti, contributo importante alla conoscenza di quell'episodio.

[...] Ogni volta che andavo a Jesi a fotografare gli spettacoli al Teatro Pergolesi, tappa obbligata era una visita a casa sua che si trovava vicinissimo al teatro. Passavo ore a curiosare nella sua enorme biblioteca, e soprattutto a sfogliare i numerosi album di fotografie disseminati (quasi abbandonati) sui mobili della casa. Centinaia di foto che ritraevano Valeria a tutte le età: Valeria bambina (sempre con un'aria sbarazzina da impunita), Valeria adolescente, sempre al mare in costume da bagno, in acqua o distesa sugli scogli. Statuaria, di una bellezza non venerea ma assolutamente singolare, e con un'avvenenza conturbante che era difficile distogliere lo sguardo per non perderne la visione. E poi lei adulta: con il suo fascino personale e la sua proverbiale carica sensuale ed erotica. Come, quindi, non esserne perdutamente "innamorati"?

Il romanzo che diede a Pirandello fama mondiale fu pubblicato nel 1904 e - in continuità con Wilde, Dostoevskij, Stevenson e in contemporanea con Conrad, Freud, Kafka - farà dilagare in tutta la letteratura successiva il tema dell'Identità e del Doppio. Il fu Mattia Pascal li impose in modo così invadente da spazientire Nabokov (che considerava l'argomento del Doppio "di una noia mortale") ed è un fatto che questa intrusione abbia fatto scuola. Nel romanzo di Pirandello le vicissitudini di Mattia Pascal e del suo specchio Adriano Meis sono il contrario della noia, tanti sono i colpi di scena e lo spazio/tempo, dove si consumano le sovrapposizioni fra vita vissuta e immaginaria.

Reinhard Pfingst è legato ad Hendrik Christian Andersen, scultore nordico come lui e come lui votato all'Utopia di un mondo migliore, da una profonda vocazione architettonica e anche dalla capacità di vedere nel nostro Paese quella abbagliante identità e vocazione umanistica che noi italiani invece non sappiamo più sentire come nostra, drammaticamente. Così, in rapporto ideale con l'armonia della grande "Fontana della Vita" progettata da Hendrik Andersen nella sua Casa Museo, Reinhard presenta le proprie oasi visive, modelli di ambienti, incentrati ciascuno su una scultura, che ci invitano a sostare, a contemplare, a riflettere, a respirare meglio. Realizzati con materiali semplici e poveri, nel contesto di un periodo economicamente difficile per il nostro artista, hanno il loro punto di forza nella sintonia assoluta fra forme architettoniche e scultoree, sotto il segno di una musicalità e di una leggerezza che è danza nello spazio, tanto che varie opere plastiche di Reinhard hanno la vitalità guizzante della fiamma, la mobilità imprevedibile di bandiere al vento, il battito di onde e di orizzonti che si accavallano senza sosta. Reinhard propone una contestualizzazione meditativa dell'oggetto plastico e dello spazio circostante, basandosi sulla musicalità visiva della scultura astratta che modula vuoti e pieni come se fossero organismi naturali senza essere mai impositiva e chiusa in rigide geometrizzazioni. Nelle sue origini familiari tedesche e giapponesi hanno finito col convivere una sorta di spirito romantico volto al sublime, la rettitudine morale e un senso di comuni

"Il numero 4? Cosa potesse significare, per quegli attori di una stagione irripetibile dell'arte a Venezia, il numero 4, non lo sapremo mai: forse nulla significava. Forse si tratta solo di una coincidenza, con niente a che vedere con quella dimensione Spazio-Tempo che, in qualche modo, legava sensibilità e progettualità tanto diverse: quelle di un gruppo di giovani e meno giovani che, negli anni '50 e '60 a Venezia, riuscirono a lasciare una traccia mai più eguagliata nell'arte contemporanea: gli "spazialisti veneziani". Eppure Tancredi ci ha lasciato nel 1964, Guidi nel 1984, Morandi nel 1994, Licata nel 2014. E mentre preparavamo questa mostra, ci ha lasciato anche Ennio Finzi, l'ultimo sopravvissuto di quella banda di ragazzi. Nel 2024! Senza deviare in fantasie esoteriche, senza aggrapparsi a improbabili deduzioni cabalistiche, mi piacerebbe però immaginare che quel 4 per loro avesse un significato, e che magari adesso, con l'arrivo di Ennio, ne stessero discutendo per le praterie del cielo." (il curatore)

Cos'è mai un capolavoro? Silvana Baroni tenta più di una risposta a questo quesito. E per farlo s'inoltra nel mondo attuale dell'arte alla ricerca delle sue contraddizioni, di ciò che muta al variare dei codici, ma anche di ciò che resiste al logorio del tempo. Una sorta di critica alla critica, una serie di domande agli esperti: se possano rifarsi ai criteri della critica storica, se sappiano ancora riscontrare in un'opera d'arte quei requisiti che soli sanno reggere al tempo. Per rispondere alle tante domande l'Autrice s'avvale, oltre al pensiero di noti artisti ed autorevoli intellettuali, della propria esperienza d'artista, nonché della frequentazione pressoché quotidiana ai misteri della psiche. L'arte di leggere nelle profondità dell'animo umano non è poi così diversa dalla critica d'arte, se l'atteggiamento d'entrambe è sincero, leale e appassionato.

«Con questa pubblicazione cerco di recuperare, studiare, progettare elementi ad una "scala ridotta" per definirne gli "effetti ambientali" e procedere, da questi ultimi, fino alla definizione di fenomeni spesso considerati secondari, o comunque ad una scala che non è quasi mai praticata dall'architetto. Normalmente i particolari di cui parlo sono anche spesso i gesti di una persona, i rituali di gruppo, un insieme di suoni, una frase scritta, il contatto con una certa materia... un insieme di dettagli la cui suggestione o aggregazione riesce a dare un effetto ambientale ed architettonico. Tra le varie esperienze recentemente sviluppate e che esprimono abbastanza bene l'atteggiamento progettuale sopra espresso, ho voluto raccogliere alcuni progetti di spazi urbani. Per meglio cogliere il senso di queste proposte è indispensabile premettere che da alcuni anni cerco di introdurre due componenti che ritengo capaci di caricare di significati le situazioni progettuali che vado sviluppando alla micro e macro scala: la spettacolarità e la concettualità. Due componenti progettuali filtrate da una particolare ottica che è quella dell'attenzione e dell'intenzione. La nostra società oggi è orientata a dare sempre più importanza ad aspetti esteriori ed a fenomeni ludico-spettacolari: la civiltà dello spettacolo, che molti teorici avevano previsto negli anni Settanta, sembra aver raggiunto oggi il suo massimo sviluppo, ma la spettacolarità che io intendo sviluppare non è fine a sé stessa ma filtrata e condizionata dalla mia lunga militanza di ricercatore estetico nell'area concettuale» (

«[...] Un sentimento di silente malinconia avvolge la poetica di Merz, che percepisce quanto l'esistenza e la bellezza siano transitorie ed effimere, ma a questa consapevolezza di perdita e trauma Merz contrappone la sua rivoluzione copernicana: il miracolo germinativo della natura che trasferisce all'atto artistico la capacità di ri-creare universi più accettabili dove si riattivano energie sempre nuove. "Tutto è stato rotto - afferma Merz - e voglio rimettere in ordine, a posto. Voglio mettere le cose dentro e non fuori". Ecco dunque che i giornali - legati e allineati sul pavimento sui quali vengono posti i numeri al neon delle sequenza Fibonacci - dichiarano la loro presenza, il qui ed ora, anche se la data del quotidiano indica tempi e vissuti passati. Un analogo lavoro con i giornali, ma con la luce azzurra del neon che riporta il verso di Mallarmé Un coup de dés jamais n'abolira le hasard, avvalora la piena e autonoma facoltà dell'atto poetico - misterioso, imprevedibile, non totalmente governabile - di apportare, come un "colpo di dadi", significato e ordine all'apparente caos. [...]»

La mostra "Il canto del buio e della luce", a cura di Maria Giuseppina Di Monte e Gabriele Simongini, organizzata presso la Casa Museo Hendrik Christian Andersen, raccoglie una ventina di opere su carta, disegni in bianco e nero realizzati dall'artista Beatrice Cignitti negli ultimi anni. Essi costituiscono una sorta di dialogo che traccia le connessioni più o meno segrete fra i tre scultori Andersen, Rodin e Michelangelo, di cui Beatrice presenta le diverse interpretazioni ispirate ad alcune opere dei tre maestri.

"Blu: Il colore della cuccagna - Sulla via del guado tra storia e contemporaneo" è un libro che nasce dall'omonimo progetto diffuso per Pesaro 2024 - Capitale italiana della cultura, e attuato da Casa Sponge, la prima residenza d'artista della Regione Marche. Frutto di un anno di esperienze, il volume ripercorre il cammino ricco e articolato che, attraverso la cultura contemporanea, ha contribuito ad infondere nuova linfa ad una storia antica: quella della Isatis tinctoria, regina delle piante da BLU.

Questa Guida breve, giunta alla seconda versione in conseguenza di una ulteriore donazione di opere d'arte di famiglia realizzata nel maggio di quest'anno, è volta ad accompagnare il visitatore nel suo percorso attraverso le varie sale della Collezione Chiomenti Vassalli esposta nel Museo di Calvi dell'Umbria, situato in quella ridente cittadina negli ambienti dello storico Palazzo Ferrini (sec. XVII) e dell'antico Monastero delle Orsoline, opera del Fuga (sec. XVIII), beni oggi proprietà, come il Museo, del Comune di Calvi.

"Un uomo libero" è il racconto intimo della vita di Roberto Nardella, un imprenditore, ma soprattutto un uomo, che ha trasformato sfide e incertezze in conquiste, senza mai perdere di vista il valore della libertà. Attraverso ricordi e scelte coraggiose, Nardella offre un percorso di integrità e saggezza, mostrando come il vero successo vada oltre i guadagni: risiede nell'essere fedeli a sé stessi e nel costruire legami autentici. Un uomo libero non è solo un titolo, ma un invito a riflettere sul proprio cammino e su cosa significhi, per ciascuno di noi, essere davvero liberi.

Il romanzo prende le mosse da un ben noto avvenimento di cronaca, la storia tanto inspiegabile quanto drammatica di Anthony Blunt, curatore della Royal Collection of Art e imparentato con la famiglia reale britannica. Massimo esperto del pittore francese Nicolas Poussin e studioso di fama internazionale dell'arte europea, Blunt si ritrovò al centro di un grave scandalo che la stampa mondiale seguì con grande interesse e curiosità negli anni '70. La trama si sviluppa attorno a questo personaggio ricalcando a grandi linee gli episodi cruciali di quella spy story ambientata tra Londra e Mosca che nel romanzo viene arricchita di particolari e rielaborata scegliendo come setting Roma, oltre che la Capitale inglese.

A quasi un secolo di distanza dalla sua unica monografia, uscita nel 1927, il volume di Elena Pontiggia ricostruisce per la prima volta organicamente la vicenda di Emilio Malerba (Milano 1878-1926). Dopo esordi vicini alla tarda scapigliatura, ma in cui si fa conoscere soprattutto per i suoi cartelloni pubblicitari, l'artista nel 1916 solidifica la sua pittura e dal 1920 diventa un protagonista di quella forma precisa e stupefatta che prenderà il nome di realismo magico. Nel 1922 è tra i fondatori del Novecento Italiano, ma la sua ricerca è troncata prematuramente da una malattia incurabile che lo assale tre anni dopo.

"L'invito a esporre a Palazzo della Ragione di Verona, tanto gradito quanto inaspettato, mi ha convinto a realizzare alcune opere concepite per l'occasione. Ecco qualche riflessione a proposito dei lavori (e dei loro titoli) previsti per la mostra. Et in Arcadia ego: quattro brevi parole, pronunciate da non si sa chi, danno voce all'assenza di qualcuno venuto a mancare, reduce, come noi tutti, da esperienze e pensieri trascorsi che la nostra memoria non è in grado di ritrovare. È questo il titolo che annuncia un'esposizione dove incontriamo ancora una volta l'Io di un autore spossessato di sé, di qualcuno cioè che più non possiede, ma è come posseduto da una incerta identità, come la famosa figura del "tuffatore" tratta dall'affresco di paestum, qui rappresentato nell'atto della caduta trionfale nella materia dell'arte." (Giulio Paolini)

L'esposizione Rotte mediterranee e visione circolare, a cura di Maria Giuseppina Di Monte e Gabriele Simongini, si snoda attraverso una ventina di olii su tela quasi tutti inediti realizzati negli ultimi anni nei quali, come afferma Giuseppe Modica "il Mediterraneo non è inteso come una mitica Arcadia ma come un luogo segnato da plurime vicissitudini". A distanza di tre anni dalla mostra organizzata nella Casa Museo Hendrik Christian Andersen nel 2021 questo nuovo progetto sull'artista siciliano, che vive e lavora da oltre un trentennio nella Capitale, scaturisce dalla vincita del bando PAC2022-2023 - Piano per l'Arte Contemporanea della Direzione Generale Arte e Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura che ha consentito alla Casa Museo di acquisire due sue opere: Melanconia e Mediterraneo (2017, olio su tavola) e Rifrazione. Atelier (2020, olio su tela). Il titolo dell'esposizione Rotte mediterranee e visione circolare è programmatico.

Schiavonea, 28 ottobre 1937. Il barbiere, oggi ultraottantenne, Piero Migliacci con naturalezza continua a definirsi un cane sciolto. È questa la storia di un infante che ha fatto e fa, della sua vita, la differenza. Nato col sole dentro e il vento tra i capelli, impugnando pettine e forbice, ha trasformato il mestiere di barbiere in arte. Perfezionista al punto tale che tutto sembra lasciato al caso, non perde occasione per gridare al mondo, non con la voce ma con sguardo vivo, quanto bella sia la vita e quante possibilità si celino dietro a ogni inciampo. Il racconto ha inizio quando Piero, da tutti chiamato Pierino, poco meno che adolescente, spingendo sui pedali della sua bicicletta, spostava se stesso e tutti i suoi grandi sogni, al ritmo della determinazione.

Il nuovo appuntamento della collana "Giovani Artisti alla soglia del nuovo Millennio", ideata da Volker Feierabend e promossa dalla VAF-Stiftung per i tipi di Manfredi Edizioni, riassume nel titolo, L'orMa. Un cammino nell'arte per lasciare il segno, l'attività di un giovane artista la cui ricerca, traendo ispirazione tanto da maestri del passato, quali Leonardo e Bosch, quanto del presente, come Stefano Arienti e Bertozzi & Casoni, ha come scopo principale quello di rendere l'opera il più durevole possibile, così da lasciare un segno, malgrado la consistenza effimera dei materiali impiegati.

Ogni premio prevede non solo una ricompensa economica, ma anche l'acquisizione delle opere degli artisti partecipanti da parte della Fondazione VAF, confermando così il suo importante ruolo di sostegno alla giovane arte italiana nell'attuale panorama artistico. La nona edizione del premio ha portato con sé una novità: oltre ai giovani candidati, un artista già affermato, il Maestro Paolo Baratella, è stato invitato alla mostra e premiato con il "Premio alla Carriera". Nell'edizione di quest'anno sarà assegnato al noto artista Marcello Morandini.

Jacopo Mazzonelli suona, crea e compone. Compone con la musica o, per meglio dire, con oggetti, elementi, frammenti tratti da quel mondo, assemblati per raccontare altre storie e visioni, che con la musica hanno a che fare seppur in un rapporto non esclusivo. Le sue opere sono da osservare, da capire, da esperire, talvolta da suonare. Che Mazzonelli sia una sorta di alchimista della musica lo si capisce visitando il suo studio. Oggetti sparsi, pezzi di strumenti destinati per sempre al silenzio, elementi scorporati tratti da violini o pianoforti, ordinati e classificati in cassettiere o accatastati con cura, in attesa di divenire altro. Lo studio ha un che del luogo creativo, tra l'astratto e il concettuale, inondato di luce naturale enfatizzata dal biancore delle pareti, e un che della bottega dell'artigiano, con attrezzi del mestiere che immagineresti presso un falegname o un fabbro.

Condividere una collezione privata è un gesto di generosità. In fin dei conti i musei nascono proprio da questo impulso privato di condivisione pubblica. Ma questo è un altro discorso. Partiamo dunque da questo libro della collezione Elio D'Archivio che rappresenta il primo passo dell'esigenza di mettere in relazione le opere raccolte nell'arco di vent'anni con la dimensione dello sguardo pubblico.

Coltro, a cui questa monografia è dedicata, è il padre del System, un sistema digitale che modifica l'opera all'infinito in un flusso visivo continuo. Cambia così la natura della "tela", che diventa mobile e imprevedibile, come la vita. Ma cambia anche il rapporto fra l'opera e l'autore, che può intervenire su quella tela viva e reinventarla anche dopo il suo approdo in un museo o nella casa di un collezionista (entro però i limiti di un contratto fissato in anticipo tra le parti).

Il nuovo appuntamento della serie "Collana Giovani Artisti", ideata da Volker W. Feierabend e promossa dalla VAF-Stiftung per i tipi di Manfredi Edizioni, riassume nel titolo, DARIO MAGLIONICO. Dove abita il tempo sospeso, declinato tra sogno e realtà, l'attività del decennio 2013-2023 di un giovane artista fedele alla figurazione, eppure interprete di una poetica coniugata tra solitudine e presenza-assenza, tra mistero e senso del reale.

"È per me un grande piacere scrivere queste righe di prefazione al nuovo catalogo del Premio 2021/2022 - esse infatti significano che il Premio, nonostante le difficoltà, quest'anno ha luogo. Dopo l'ultima edizione del Premio, ancora organizzata e inaugurata dal nostro stimato Dr. Klaus Wolbert, che purtroppo è mancato, è toccato a me prendere il suo posto. E parlo solo di posto a ragion veduta, perché è quasi impossibile raccogliere il testimone di quella che era tutta l'ampiezza delle sue competenze e conoscenze."

[...] Fin dagli esordi Duilio Cambellotti propone una grande varietà di aspetti dell'immaginario femminile, dialoganti con un complesso sistema di simboli: dalla donna assimilata a una libellula-lucciola, come nell'illustrazione Le lucciole senza coscienza e nella vetrata Le lucciole, alla donna del mito arcaico e classico: Angeruna, Persefone, Cleopatra, Elettra e Alcesti, presenti in mostra, rispettivamente, attraverso un disegno a matita per l'omonima incisione, il definitivo a tempera per il manifesto, un progetto di costume, la locandina e la scenografia con il particolare dello spigolo; dalla donna resa come Medusa o come emblema pubblicitario del cinema in cui i serpenti si trasformano in riccioli di pellicole come nella copertina della rivista La Decima Musa, o in veste di emblema di leggende e storie, o di donna androgina per necessità, sopraffatta dal dolore e dai danni provocati dalla guerra, come nell'allegoria della Pace, espressione del pacifismo dell'artista [...]