A dieci anni di distanza da America oggi. Cinema, media, narrazioni del nuovo secolo, ventotto saggi si interrogano sul cinema, sulla serialità e, più in generale, sul panorama mediale statunitense contemporaneo. Un libro che affronta autori, generi, divi, ma anche questioni politiche e di rappresentazione, mode e tendenze, tecnologie e sconfinamenti verso altre discipline (la letteratura, l'architettura, la videoarte...), da Quentin Tarantino a Sofia Coppola, da Star Wars a Stranger Things, dalla finzione al documentario, dall'entertainment popolare alla ricerca più rigorosa. Più che proporsi come un bilancio, America Oggi II. Cinema, media, cultura vuole rendere conto di uno scenario complesso e mutevole, ma in cui il cinema, specie quello hollywoodiano, conserva ancora una notevole capacità di penetrazione, ricoprendo tuttora un ruolo di primo piano nella formazione del nostro immaginario.

La figura della Duse giunge oggi a noi come circonfusa di un alone mitico: è questo uno dei casi in cui la tradizione, che spesso è a senso unico, impedisce di riuscire a capire come veramente siano andate le cose. Si tratta, dunque, di cercare di rendersi conto che il pericolo, quando si intenda affrontare l'esegesi storica, è proprio quello di assumere acriticamente un determinato fenomeno come la tradizione - che è sempre la tradizione dei vincitori - ce l'ha tramandato. E il pericolo, sempre presente come ci insegna Benjamin, è di "ridursi a strumento della classe dominante". Il problema è pertanto quello di cercare di mettere a punto una strumentazione critica che possa permetterci di capire ciò che Eleonora Duse e la sua arte possono ancora dire, oggi, a noi e quale sia il vero significato dell'idea che di lei ci trasmette la tradizione.

C'è vita nei computer? L'osmosi fra naturale e artificiale è la vita che il computer ci mostra con più naturalezza, attraverso un processo creativo interno, diventando immagine che si manifesta all'esterno, attraverso lo specchio di Alice del monitor, vero ponte di passaggio fra una dimensione e l'altra. Un viaggio che esplora l'arte della vita digitale. Il mondo digitale vive in una dimensione spazio-temporale ipertrofica, dedita all'eccesso, all'abbattimento del concetto di limite. La fine della fine. Nel mondo digitale la morte non esiste. Che rapporto nasce fra il mondo naturale, che vive di limiti, e quello digitale, ipervitale, che limiti non ha? Un viaggio che esplora l'arte della morte digitale.

A partire da una panoramica di carattere generale relativa alla carriera di Elsa de' Giorgi, il volume focalizza l'attenzione sul versante letterario della sua attività artistica e propone un approfondimento sulle scritture del sé firmate dall'autrice. L'indagine intreccia gli studi sull'autobiografia alla prospettiva teorica delle "divagrafie" - che chiama in causa la comparatistica intermediale e un approccio pluridisciplinare - e si sofferma su alcuni aspetti peculiari delle narrazioni e dei versi dell'attrice-scrittrice, ponendo l'accento sulla dimensione performativa della prosa e sul modo in cui de' Giorgi ha problematizzato, attraverso il linguaggio letterario, la propria immagine divistica. La trattazione, inoltre, segue le tracce di una visione della scrittura come terreno di conquista di una cifra autoriale e di uno spazio di enunciazione pubblica.

In questo volume si prendono in considerazione tre capolavori del teatro musicale del primo Novecento, che tematizzarono il dibattito sulla donna e sull'eros attraverso originali declinazioni del femminile: Elektra di Richard Strauss, A kékszakállú Herceg vara (Il castello del principe Barbablù) di Béla Bartók, Lulu di Alban Berg.

Prime luci propone un itinerario tra pellicole prodotte (perlopiù) in Italia, talvolta legate a eventi storici decisivi collocabili tra il 1909 e il 1930. L'approccio analitico adottato persegue vie in parte praticate dalla storiografia cinematografica antica e recente, impegnandosi a dare rilievo, di capitolo in capitolo, a singoli titoli corrispondenti a pellicole superstiti o disperse, di ambito fantastico, comico, divistico, bellico, politico, avanguardistico, dal vero, infine soffermandosi sul passaggio che dal muto conduce al sonoro. I film scelti vorrebbero stimolare in chi legge una riflessione dedicata a temi, soggetti, generi, rappresentazioni e stereotipi talvolta divergenti rispetto al tradizionale canone, o presunto tale.

Gian Piero Brunetta: "Lo dico subito cercando di trasmettere al lettore anche il mio entusiasmo: Paolo Caneppele ha portato a termine, dopo una ventina d'anni di lavoro tenace e accuratissimo, un'impresa filmografica che personalmente ho sempre considerato impossibile. Grazie a questa ricerca di fatto vengono illuminati per la prima volta un paesaggio e un capitolo della storia delle origini del cinema documentario e più in generale della storia del cinema che costituivano una sorta di buco nero filmografico e storiografico".

Febo Mari (1881-1939), fra gli artisti teatrali e cinematografici più significativi del primo Novecento, spicca per singolare poliedricità. I suoi scritti qui raccolti - a partire dall'autobiografia incompiuta Vita comica - sono una testimonianza di alcuni aspetti della ricchezza del suo universo creativo e concorrono ad aggiungere alla bibliografia dell'autore voci inedite. L'importanza di questi documenti non si esaurisce nella possibilità che offrono di rispecchiare l'articolata fisionomia di Mari. Essi consentono, pure, di riconsiderare alcune questioni date ormai per acquisite, tra cui le cruciali vicende della paternità contesa de Il fuoco (1915) e della collaborazione con Eleonora Duse per la realizzazione di Cenere (1916) e testimoniano le costanti di una ricerca espressiva unica, centrata sulla parola e su ciò che come simbolo essa cela.

Roberto Roberti (nome d'arte di Vincenzo Leone, 1879-1959) è stato uno dei più interessanti "direttori di scena" del cinema muto italiano, nonché padre del grande regista Sergio Leone. Nell'arco di una lunga carriera che si estende dagli anni Dieci ai primi anni Cinquanta, ha diretto una sessantina di film, inizialmente a Torino, prima capitale del cinema italiano, e poi a Roma, dove è stato il regista prediletto della celebre diva Francesca Bertini. In anni recenti alcuni suoi film, ritenuti perduti, sono stati recuperati e preservati, favorendo così la riscoperta della sua produzione. Attraverso nuovi studi analitici, un ampio apparato iconografico, documenti d'epoca inediti e un'aggiornata filmografia, questo volume intende contribuire alla conoscenza e alla valorizzazione di uno dei grandi protagonisti del primo cinema italiano.

Fin dal primo decennio del Novecento, in molti paesi industrializzati si inizia a pensare al film come a un moderno e irrinunciabile ausilio alle attività di apprendimento. È il grande sogno della "cinedidattica". Anche l'Italia, dalla metà degli anni Trenta, con la Cineteca Autonoma per la Cinematografia Scolastica (1938) prima e il Centro Nazionale per i Sussidi Audiovisivi (1956) poi, si inserisce in questo solco. Molte le personalità del cinema e della cultura italiana coinvolte nella progettazione. Per tutti l'obiettivo è mettere in forma un cinema elaborato, con la scuola per la scuola. Un'avventura politica e intellettuale che però finora non è stata mai raccontata. Il presente volume, corredato da una esaustiva filmografia, si propone di offrire un contributo alla conoscenza di questo dimenticato settore del cinema italiano, mettendo a disposizione degli studiosi un testo ispirato a una dimensione interculturale, capace di tenere insieme il piano storico, quello legislativo e l'analisi del film.

Le sigle delle serie TV realizzate negli anni Duemila si configurano come brevi opere autonome dove l'osmosi tra linguaggi sperimentali audiovisivi del passato e innovative estetiche digitali crea affascinanti ibridi autoriali.

La rappresentazione della soggettività delle donne è sempre stata legata alle ambivalenze del regime della visibilità sia come proiezione dello sguardo altrui, sia come negazione e occultamento dell'autonoma produzione autorappresentativa. I media visivi e performativi si offrono come dispositivi elettivi della espressione della dialettica fra invisibilità e proiezione fantasmatica dei processi identitari. Il presente studio disegna un percorso intermediale, attraverso specifici esempi che spaziano dalla letteratura alla fotografia, dal teatro alla narrazione audiovisiva e seriale, dal cinema alla pittura, mettendo al centro le correlazioni fra questioni di genere e dimensione simulacrale delle immagini. Le donne raccontate nei case-studies proposti si trovano a combattere con nuovi e vecchi fantasmi, che prendono le sembianze di nuvole o di cloni, ma che nascondono e rivelano al tempo stesso come lo statuto ipericonico del simulacro possa farsi veicolo dei discorsi che imprigionano l'identità femminile nelle sue plurime declinazioni e che aprono al contempo uno spazio di agency per l'invenzione di nuove immagini del sé e delle relazioni umane.

Nel contesto dell'attuale rigenerazione degli spettacoli operistici, Fanny & Alexander (Luigi De Angelis e Chiara Lagani) si distinguono per una spiccata intersezione fra media, codici e poetiche dello sguardo. Il volume indaga le forme intermediali e i temi delle loro regie liriche, tracciando un percorso interdisciplinare che attraversa gli Opera Studies, i Performance Studies, la musicologia, gli studi sul cinema e sui media digitali. Dal corpus di spettacoli analizzati, arricchito da una sezione fotografica, emerge con chiarezza l'importanza delle sperimentazioni drammaturgiche e tecnologiche messe in campo da De Angelis e Lagani.

Adattare o piuttosto "disadattare" Pirandello? Su questa seconda possibilità si orienta questo libro sin dal titolo, Pagine girate, nel doppio senso di "voltare pagina" e "girare" ex novo con la macchina da presa le celebri "pagine" narrative e sceniche pirandelliane. Per oltre un secolo, infatti, la galassia dell'audiovisivo è incorsa nel fraintendimento della fedeltà all'originale che il concetto di "adattamento" alimenta, a differenza del "disadattamento", che invece rende coerenti e sostenibili le esigenze specifiche del mezzo filmico. Occorreva perciò uno sguardo capovolto, d'opposizione, per restituire ai film la parte che spetta loro nell'affrontare l'autorità e i testi di Pirandello. Il sottotitolo, Nuovo cinema Pirandello, rimarca la necessità di una svolta innovativa per studiare e restituire diritti d'autore supplementari a registi e attori, sceneggiatori e produttori che, sul grande e sul piccolo schermo, hanno assecondato il perpetuo "sentimento cinematografico del contrario", introdotto da Pirandello stesso, quando ha provato a disadattare da solo la sua narrativa e il suo teatro. La seduta spiritica cui partecipa Mattia Pascal è perciò il segno inconfondibile che la fitta filmografia pirandelliana, quasi evocando il fantasma di Pirandello, ha ereditato e rilanciato in un presente inconoscibile e fitto di terreni misteri.

Non un libro su Pastrone ma di Pastrone. Attraverso scritti autobiografici, studi scientifici, carteggi privati e appunti, riemerge la sua vita straordinaria: l'infanzia ad Asti, l'attività di violinista e la determinante passione per la musica, l'avventura nel cinema e la controversa collaborazione con D'Annunzio, la lunga sperimentazione medica, il legame con Maria Adriana Prolo e molto altro. Lo stupefacente autoritratto di una mente geniale, che si compone, pagina dopo pagina, attraverso testi inediti emersi durante una ricerca durata quasi venti anni. Un appassionante viaggio nell'universo di "Piero Fosco", alias Giovanni Pastrone, alla scoperta di uno dei più misteriosi e controversi personaggi del Novecento.

Il libro si propone di dimostrare che il "Rinascimento" del cinema italiano non dipende da una scuola o da un regista, ma dal complesso artistico e produttivo che ottenne in quegli anni risultati rimasti ineguagliati. Si evidenzia inoltre lo stretto legame tra il cinema e la situazione politico-economica del periodo.

Attraverso un'accurata selezione delle fonti bibliografiche, la prima parte del volume esamina le principali tappe della biografia di Williams, mentre la seconda è dedicata al testo - struttura, linguaggio, corpo - e alla fitta rete delle sue connessioni storiche, simboliche, metateatrali e di genere. Un capitolo conclusivo ripercorre le messinscene di Elia Kazan e di Luchino Visconti che, negli Stati Uniti e in Italia, hanno dato inizio alla fortuna teatrale di Un tram che si chiama Desiderio.

L'autore ricostruisce la storia della sua famiglia con gli spostamenti obbligati per sfuggire ai nazisti, a partire da Colonia negli anni Trenta del Novecento fino alla fine della guerra nella Valle Stura in Piemonte.

Il libro torna a riflettere sul linguaggio della scena del primo periodo dell'attività artistica di Carmelo Bene mostrandone la grandezza nel rapporto con l'operazione scenica, con il quale l'artifex rivela la precisa intenzione di voler creare un'espressione scenica antagonistica a quella del tempo, essendo il suo artefice antagonista anche e proprio allo spirito di quel tempo.