Una guida per realizzare i vostri film con qualsiasi attrezzatura già a disposizione, apprendendo le tecniche base del cinema e della narrazione. Come ci viene detto nell'introduzione, possiamo definire la realizzazione di un film come "l'ingegneria inversa dei sogni... una formula magica che infonde la vita ai sogni e alle visioni". In questa guida introduttiva perfetta alla realizzazione cinematografica, l'autore, cineasta premiato con l'Emmy Award, che insegna recitazione, regia, scrittura e montaggio alla New York Film Academy, offre ai lettori le informazioni essenziali per accompagnarli nel loro primo viaggio nel mondo della regia, utilizzando le attrezzature già a disposizione. In parole povere, si tratta sostanzialmente di un libro sull'arte di creare; l'autore illustra i diversi passaggi del processo per realizzare un film, attraverso la chiara spiegazione dei metodi di narrazione appropriati al mezzo visivo. Il lettore apprenderà gli elementi che fanno funzionare una storia e, con l'aiuto di esempi dettagliati e schemi efficaci, imparerà a costruire una narrazione coinvolgente. Inoltre, verrà introdotto nei diversi aspetti della regia, come i tipi di ripresa, la direzione degli attori sul set, la scelta delle location, le luci, il montaggio lineare e quello non lineare, e infine gli effetti sonori. Con uno sguardo onnicomprensivo sull'arte della creazione cinematografica, questo libro è ideale per registi amatoriali, studenti, amanti e appassionati di cinema, e per chiunque sia curioso di scoprire come nasce un film e voglia infondere vita visiva ai propri sogni e

In questo libro, i designer, gli studenti e i creativi professionisti potranno trovare le ultime tendenze, contenuti stimolanti e nuove fonti d'ispirazione nel campo della tipografia. The World's Best Typography: The Yearbook of the Type Directors Club of NY (pubblicato per la prima volta nel 1980) è un caposaldo altamente specializzato per i professionisti della tipografia e gli studenti di design grafico. All'interno delle sue pagine, i più illustri creativi, ma anche gli editori e gli studenti, potranno trovare figure di riferimento, tendenze di ultima generazione, contenuti stimolanti e nuove fonti di ispirazione. L'incontro tra artigianato e creazione, tra abilità della tradizione e innovazioni rivoluzionarie costituirà l'elemento ispiratore per i lettori. Come le 750 illustrazioni, i 203 esempi di design premiati, provenienti da 41 Paesi diversi, e i 37 nuovi font presentati nel libro chiariscono senza ombra di dubbio, questo è il luogo in cui le tendenze vengono individuate e definite. Dalla tipografia cinetica alla grafica in movimento, dal packaging alle riviste, dal design aziendale alla comunicazione architettonica: qui si sfidano le menti più creative del mondo, e le opere vincitrici sono strabilianti. Le precedenti due competizioni separate, Communications Design e Typeface Design, sono oggi riunite in una competizione singola (che in questa edizione ha accolto più di 2.000 opere), articolata in tre categorie: Communication Design (137 premiati), Lettering (28 premiati) e Type Design (37 premiati). Un'ulteriore sezione dedicata ai giovani e denominata Young One

Una guida illuminante per imparare a riconoscere e dipingere la bellezza dei fiori selvatici e la natura incontaminata che ci circonda. Papaveri, piantaggine, sambuco, camomilla, rosa canina... Sono solo alcuni dei fiori selvatici che incontriamo nei nostri giardini o durante una passeggiata. Per un acquarellista, i loro petali trasparenti e tenui sfumature sono qualcosa di irresistibile. In questo suggestivo manuale, Gaëtane Nicoulin, appassionata acquarellista e amante della natura, ci insegna a riconoscere e dipingere i fiori selvatici, offrendo ai lettori le tecniche dell'acquerello necessarie a riprodurre i fiori che crescono spontaneamente nei campi e nei prati. L'autrice ci invita a uscire e incontrare questi fiori noi stessi, per affinare le nostre capacità di osservazione e interpretazione e sviluppare il nostro stile personale. Risorsa preziosa per gli artisti a tutti i livelli, il libro include uno studio passo dopo passo di 20 piante e 5 progetti con dovizia di dettagli per creare composizioni floreali, oltre a tecniche e suggerimenti specifici sulla pittura. L'approccio di Gaëtane ai fiori vuole anche essere una celebrazione della natura incontaminata che ci circonda, per invitarci a osservare e riprodurre i fiori spontanei in versioni semplificate che ne catturino l'essenza. Oltre a incoraggiarci ad abbracciare un genere di pittura più contemplativa, il libro offre anche ricette aventi come protagonisti bacche e fiori, che ci insegnano a individuare e trarre beneficio dalle tante risorse della natura.

Punti e linee danno vita a tutte le forme geometriche: circonferenze, archi, triangoli, quadrati, trapezi, rombi, cubi, sfere, poliedri... Le forme geometriche trovano vasto impiego da parte dei designer grafici e sono applicate a tutti i campi della comunicazione. Questo libro illustra il modo in cui forme a noi familiari possono subire trasformazioni ed essere usate per trasmettere concetti e tendenze nell'ambito del design. Con la sua ampia gamma di esempi, costituirà certamente una valida fonte di ispirazione per tutti i professionisti del design grafico.

Un libro che presenta l'opera di ampio respiro del designer grafico, illustratore e artista messicano di fama internazionale Alejandro Magallanes. Per questa pubblicazione, che presenta l'opera del designer grafico, illustratore, poeta e artista messicano di fama internazionale Alejandro Magallanes, l'autore ha scelto esemplari tra migliaia di poster, illustrazioni per libri e opere d'arte. Il lavoro è suddiviso in cinque sezioni che introducono il lettore in un universo visivo denso di fascinazione, all'interno del quale Magallanes "illustra con le parole e scrive con le immagini." Nei testi che popolano il libro, l'artista esamina la diversa natura dei suoi progetti e offre una riflessione sul suo personale stile grafico. L'ampia varietà di opere dà al lettore l'opportunità di assistere alla costante trasformazione del processo creativo applicato da Magallanes alle illustrazioni e alle pubblicità ideate per aziende leader. Le immagini che ne scaturiscono possono avere carattere poetico, arguto, fanciullesco, tradizionale e talvolta perfino grottesco. Sono esempi della poliedrica visione di un adulto che non intende salutare il suo bambino interiore, di una persona sempre immaginifica e giocosa, che stravolge la convenzionalità di idee, immagini e parole, rendendole parte immanente della memoria collettiva.

Un libro d'arte arricchito da profondi testi letterari che racconta ventotto animali tra i più comuni a cura dei più celebrati artisti e artigiani giapponesi. Tutti gli animali, dall'inquietante corvo alla sublime gru, sono sacri e occupano un ruolo centrale nella mitologia, nella letteratura, nelle arti e nelle creazioni giapponesi. In questo libro d'arte ricco di testi, il lettore troverà ventotto animali realmente esistenti, come la volpe, la rana, il gatto, la scimmia e la lucciola, descritti con parole che riuniscono haiku, racconti e aneddoti della vita quotidiana e illustrati attraverso oggetti creati da alcuni tra i più celebrati artisti e artigiani nipponici. Ne risulterà chiarissima la centralità degli animali nelle leggende e nella letteratura giapponesi, ma anche nei più recenti fumetti manga e film di animazione. In alcuni casi, gli animali si vedono trasformare e dotare di caratteristiche umane; in altri, essi vengono amorevolmente ritratti nel loro elemento naturale, attraverso una selezione rappresentativa dell'arte giapponese. Mentre la maggior parte degli animali di questo bestiario giapponese sono chiaramente di buon auspicio, perfino quelli leggermente dispettosi, decisamente cattivi e tipicamente sacri sono rivestiti di un potente simbolismo e sono diventati molto popolari in un paese dove ogni cosa è considerata effimera e fugace, eppure permanente. Japanese Bestiary è il libro ideale per coloro i quali siano interessati al disegno e alla pittura giapponesi, alle illustrazioni di animali, all'arte e alla letteratura che celebrano la fauna.

Il disegno è un linguaggio universale, ma non tutti si sentono capaci di provarci. Questo libro utile e divertente tratta il bello di dedicarsi a questa attività, mostrando con l'aiuto di esercizi che chiunque può disegnare, purché impari prima a vedere. Basato sul metodo di Betty Edwards, e pensato sia per chi vuole cimentarsi sia per coloro i quali necessitano di un aggiornamento, il libro rappresenta una versione personale e aggiornata dall'autore, che farà sparire la paura di disegnare in chiunque voglia provarci. Si tratta di una scuola di disegno completamente diversa, dedicata a chi ha talento e a chi non ne ha, a chi si stressa e a chi è completamente disperato. È anche un metodo utile e divertente per imparare a disegnare imparando prima a vedere. Guardando il mondo senza lasciare che le sensazioni interferiscano, o che il cervello ci dica cosa stiamo guardando, sarà la mano stessa ad acquisire abilità e capacità di produrre una grande varietà di disegni. Leggere questo libro pieno di humour e molto esemplificativo farà scattare definitivamente la scintilla della creatività.

Armato di nient'altro che un album da disegno e un pennarello a punta fine, colori ad acquerello e uno sgabello pieghevole, Lapin racconta le immagini e i fenomeni della vita urbana di tutti i giorni. L'ispirazione è ovunque, in tutti gli esempi della vita di città. In questo diario visivo di Barcellona, una vera chicca per sketcher e amanti della capitale catalana, l'urban sketcher Lapin crea una narrazione grafica dei suoi ambienti metropolitani per trasmettere una visione fortemente espressiva e profondamente personale della città. Utilizzando vecchi registri contabili che trova nei mercatini delle pulci, Lapin, armato di nient'altro che un album da disegno e un pennarello a punta fine, colori ad acquerello e il suo sgabello pieghevole, racconta le immagini e i fenomeni della vita urbana di tutti i giorni: le strade trafficate, i caffè affollati, i monumenti iconici, i muri schizzati di graffiti, i marciapiedi stipati di persone. A definire lo stile visivo quasi giornalistico di Lapin sono la tecnica di sketching che presta un'attenzione meticolosa al dettaglio, il suo particolare uso del colore e le distorsioni prospettiche che sorprendono e divertono. Mentre racconta storie evocative attraverso i suoi disegni, Lapin offre anche uno sguardo nuovo sulle trasformazioni urbane che la città sta affrontando di questi tempi: hub e piazze verdi, aree di parcheggio e giardini. L'artista ama definirsi un "illustratore mobile", una sorta di esploratore e documentarista urbano moderno itinerante, che si immerge nel proprio habitat (nella fattispecie, Barcellona) e registra quello

Un libro per designer e studenti che desiderano scoprire le ultime tendenze della tipografia. "The World's Best Typography: The Yearbook of the Type Directors Club of NY" è un testo sacro di ispirazione per professionisti e cultori della tipografia. All'interno delle sue pagine, i più illustri creativi, ma anche gli editori e gli studenti, potranno trovare i modelli di riferimento, le tendenze più recenti, contenuti stimolanti e nuove fonti di ispirazione. I lettori saranno ispirati dall'incontro tra artigianato e creazione, abilità classiche e innovazioni all'avanguardia. Come illustrato in modo chiaro dai 750 design premiati e dai 35 font di nuova creazione, questo libro individua e stabilisce le tendenze del settore. Guadagnarsi un posto nella pubblicazione costituisce materia di concorrenza tra i designer di tutto il mondo. Suddiviso dapprima in due rami di competizione, uno dedicato al Design della comunicazione e l'altro al Design del carattere tipografico, il programma si compone oggi di un'unica gara, composta da tre discipline: Type Design, Tipografia e, per la prima volta, Lettering, disciplina dotata di una giuria a parte. Il Certificato di Eccellenza Tipografica rappresenta un biglietto per le migliori agenzie su scala globale. L'annuario riflette altresì le ultime tendenze nel settore della tipografia, stabilisce gli standard, rappresenta un articolo per collezionisti e contraddistingue i suoi possessori come leader del pensiero visivo.

Questo libro contiene una selezione rappresentativa delle opere di alcuni tra i migliori ceramisti del mondo. Attraverso le loro parole, i 25 artisti ospiti spiegano i processi creativi dietro la loro opera, cosa li ispira, le strategie che mettono in campo per mantenersi innovativi e creativi, ciò che distingue la loro opera da quella di altri artisti della ceramica e in che modo la realizzano. Con esempi delle loro creazioni più personali - oggetti capaci di colpirci dal punto di vista emotivo, di sorprenderci e farci riflettere - gli artisti rivelano importanti dettagli delle loro creazioni in ceramica, come i processi di creazione e modellazione, e i trattamenti di smaltatura e ingobbio scelti per dare all'argilla colore e 'texture'. Al lettore viene offerta una visione illuminante del personalissimo universo creativo dei singoli artisti, che include i tratti distintivi della loro opera e alcuni dei segreti che caratterizzano i loro processi creativi. Modelli di sperimentalità, rischio e versatilità, gli straordinari artisti illustrati in questo libro riscoprono tradizioni millenarie, reinventano le prospettive, travalicano i confini, raccontano storie e si ribellano alle aspettative convenzionali, creando nel processo uno spazio entusiasmante nel quale arte, argilla, acqua, aria e fuoco si incontrano e, infine, ispirano. Tra i ceramisti compresi nella pubblicazione: BELGIO: Ann VanHoey; CINA: Wan Liya; PAESI BASSI: Cecil Kemperink; UK: Nicholas Lees; USA: Lauren Nauman, tra gli altri.

A cura della celebre calligrafa tedesca Stefanie Weigele, questo libro contiene tutorial ricchi di preziosi suggerimenti su come padroneggiare la calligrafia in punta di pennino. Innamoratevi della calligrafia in corsivo inglese e di altri stili di scrittura in punta di pennino, espandendo al contempo il vostro repertorio creativo, con questa guida pratica facile da seguire. Tutto ciò di cui avete bisogno per cominciare sono un pennino, dell'inchiostro e la carta adatta. Con un po' di pratica sarete presto in grado di creare e stampare i vostri personali inviti, biglietti da visita e molto altro ancora. Ciascun capitolo contiene uno o più tutorial ricchi di suggerimenti utili su come trarre il meglio possibile dai contenuti divertendosi. Non è necessario essere già esperti della materia, grazie alle istruzioni spiegate nel dettaglio. Se invece avete una conoscenza diretta del mondo della calligrafia, questo libro sarà una grande risorsa per sviluppare le vostre abilità. L'autrice, una dei pochi calligrafi in Germania specializzati in calligrafia classica in punta di pennino, condivide il proprio approfondimento sugli strumenti, sui materiali e sulle regole e le cose da non fare, che vi aiuteranno a padroneggiare i metodi e le tecniche dimostrati in modo rapido ed efficace. Il libro include schede e griglie scaricabili con esercizi utili a mettere immediatamente in pratica le vostre abilità nuove di zecca.

Attraverso esercizi, i lettori impareranno a raccontare una storia mentre dipingono e disegnano un paesaggio con l'acquerello e altre tecniche. Questa guida pratica all'acquerello del paesaggio e ad altre tecniche di disegno e pittura accompagna i lettori in una serie di escursioni dal mare alla città, padroneggiando l'uso della linea e del colore lungo il percorso. Un utile manuale per disegnare sul posto, offre preziosi spunti su come osservare con attenzione il paesaggio che abbiamo davanti e scegliere cosa di esso vogliamo esprimere; come selezionare e dare priorità alle informazioni visive; e come applicare le tecniche di disegno per creare l'illusione che le nostre composizioni siano state organizzate senza sforzo, come dalla natura stessa. In ciascuna delle cinque sezioni del libro (Colore e Materiali; Orizzontalità e Profondità; Grafica, Ombre e Luce; Linee e Prospettiva; e Linee Urbane e Colori), l'autore suggerisce alcune delle domande che dovremmo chiedere quando osserviamo un paesaggio. Impareremo a raccontare una storia mentre dipingiamo, dando priorità ai rapporti cromatici e agli elementi grafici rispetto alla rappresentazione fedele del risultato finale.

Questo volume presenta come i graphic designer possono adattare i loro progetti a questo mondo che vive e cambia rapidamente utilizzando l'animazione e la narrazione per trasmettere i contenuti più velocemente. Nell'era dell'esplosione dell'informazione, in cui si assiste al passaggio dalle informazioni stampate statiche ai media digitali, è probabile che i progetti in grado di trasmettere le informazioni in modo più rapido, più convincente e, grazie ai telefoni cellulari, in modo ubiquo, ottengano il favore del pubblico. Di conseguenza, i graphic designer includono sempre più l'animazione nel loro lavoro per migliorare la loro narrazione, rendendola più funzionale da un lato e più vivace dall'altro, aumentando l'interesse facendo appello alle emozioni e al desiderio delle persone di divertirsi. Questo libro presenta lo stato attuale della grafica in movimento alla luce dei nuovi media come i media tattili, mobili, outdoor e video digitali. Diviso in tre capitoli, in primo luogo postula come un "ripensamento" della grafica in movimento sia essenziale nel contesto dei nuovi media per garantire che il design grafico rimanga dinamico e in grado di coinvolgere le persone in modo accattivante e informativo. Il secondo capitolo consiste in interviste esclusive con designer di animazione che discutono la natura della grafica animata contemporanea e il loro lavoro, mentre il capitolo finale comprende progetti selezionati da tutto il mondo. Presentando le idee più recenti e il lavoro dei designer, il libro è una preziosa fonte di ispirazione e informazioni per grafici professionisti

Una raccolta di ritratti di artisti, all'interno dei quali essi stessi parlano della difficoltà di mantenersi creativi e di come superare gli ostacoli. Questo libro vuole essere una fonte di ispirazione per le menti creative, che aiuti a superare i probabili ostacoli durante il processo di produzione. Grazie alla partecipazione di 25 artisti rivoluzionari, estranei al mainstream, il libro guida i lettori all'interno dei loro spazi di lavoro e sfida gli artisti a concentrarsi sui dettagli utili a rivelare qualche segreto della loro attività creativa. In aggiunta alle numerose immagini delle loro opere, gli artisti gettano luce, con parole proprie, sui processi creativi che hanno reso possibile realizzarle. Spiegando perché creano, qual è il messaggio che vogliono veicolare e in che modo considerano la letteratura, la scultura, la musica, il teatro e gli scenari della vita quotidiana, questi artisti aiutano a superare i blocchi creativi e le insicurezze, ed a rimanere ispirati e produttivi. Attraverso le loro parole e opere, i pittori, gli scultori, i fotografi, i tatuatori, gli artisti del graffito e i muralisti contemporanei che compaiono in questa pubblicazione accurata e visivamente ricchissima, trasmettono l'emozione, l'energia, l'individualità e l'ironia che definiscono la loro produzione artistica e i processi creativi che ne sono la base. Tra gli artisti, troviamo: Alexandra Duprez, Eltono, Soeurs Siamoises, Hermann Josef Hack, Gaia Bernasconi, Luca Giovagnoli, Johanna Schaible, Nicholas Stevenson, Sophie Woodrow, Michael McGrath, Cristina Sitja.

Una vetrina dei migliori design di orecchini, creati con una grande diversità di tecniche, materiali e stili. Fa parte di una celebre collana di libri sulla gioielleria d'arte, a cura del designer di gioielli Nicolás Estrada, questa edizione completamente nuova di New Earrings (dell'edizione del 2013 non è stato qui incluso alcun pezzo), che evidenzia il lavoro di alcuni tra i più entusiasmanti e innovativi artisti del gioiello oggi attivi sul territorio internazionale. Gli oltre 550 pezzi presentati da 198 designer di gioielli da tutto il mondo si distaccano dalla nozione tradizionale di gioielleria per esplorare nuovi contesti. Essi rappresentano una varietà di approcci e metodi creativi, dalle realizzazioni più tradizionali a quelle suggestivamente avant-garde, che parlano e ispirano, incarnando tutta la genialità, il talento, l'espressività, la sensibilità e la libertà individuale dei loro variegati creatori. Alcuni tra questi orecchini nascono da materiali non convenzionali, come porcellana o plastica, mentre altri utilizzano materiali classici come l'oro in modo provocatoriamente contraddittorio rispetto alle convenzioni, riflettendo l'identità e i gusti personali degli artisti, o comprendendo una critica discreta dei problemi contemporanei. Pensato per gli studenti, i professionisti e gli amanti dei gioielli, questa seconda edizione del libro pubblicato nel 2013 presenta una nuova struttura e si conclude con una breve descrizione delle carriere degli artisti presentati e con gli indirizzi dei loro siti web.

Da un capitolo all'altro, i lettori apprenderanno le tecniche fondamentali per padroneggiare gli elementi essenziali della creazione di corpetti, bustier, abiti, maglieria e costumi da bagno per la moda femminile. Il terzo volume della nostra serie Patternmaking for Womenswear illustra il metodo ideale per creare bustier, corpetti, maniche, abiti in maglia e costumi da bagno per la moda femminile. Esso contiene le informazioni necessarie per disegnare cartamodelli secondo pressoché tutti gli stili esistenti. Sviluppato dal creatore di moda e docente Dominique Pellen dopo molti anni di esperienza in atélier e in classe, l'approccio fresco e moderno alla creazione e all'adattamento dei cartamodelli qui illustrati rende questa pubblicazione adatta a un vasto pubblico, comprendente i professionisti, gli studenti e in definitiva tutti gli appassionati di cucito. La serie è stata adottata con successo come testo nella scuola d'alta moda Institut Français de la Mode (IFM) di Parigi e in altre scuole professionali in tutta la Francia. Nella parte finale, il libro include anche un grafico delle taglie internazionali, una tabella delle misure del corpo femminile, un glossario di termini utili, un capitolo sui diversi stili di tasca e uno sui margini di cucitura. Questo volume, mai pubblicato prima, è il terzo di una serie di manuali che esplorano l'entusiasmante mondo delle creazioni di moda. Nel solco dell'alta moda, le regole dettagliate, descritte passo dopo passo, appaiono semplici e facili da seguire; il loro soffermarsi su tutti i fondamentali della creazione permette di costru

Questo manuale svela la ricca storia dei caratteri fatti a mano e il processo della stampa tipografica, mostrando le opere di celeberrimi stampatori e designer internazionali del nostro tempo. La stampa tipografica: un'invenzione cinese del X secolo, consistente nell'uso di caratteri mobili, adottata nell'emisfero Occidentale nel 1440 circa, che ha trasformato per sempre la comunicazione e il modo e la velocità di divulgare le informazioni, aprendo la strada alla stampa moderna. Questo libro esplora la ricca storia e il complicato processo della stampa tipografica, con un elenco accurato dei caratteri mobili classici ordinati per stile e mettendo in luce la bellezza e la maestria della tipografia contemporanea. Un manuale, ma anche una fonte di ispirazione per i designer tipografici, gli appassionati della stampa tipografica, gli studenti di design e gli amanti dell'artigianato. Il libro descrive il revival della stampa tipografica classica e il suo ampio utilizzo, in chiave estetica moderna, in diverse forme d'arte e design, come libri, poster, cancelleria personalizzata, biglietti da visita e carta intestata, tra le altre. Arricchito con biografie e interviste esclusive, il libro introduce il lettore nel Gotha della stampa tipografica, attraverso i suoi designer, artisti, fonderie tipografiche e istituzioni di tutto il mondo, divenendo uno scrigno inesauribile per i designer grafici, i tipografi, gli autori indipendenti e le piccole tipografie. Il futuro della stampa tipografica promette di essere lungo e pieno di colore. I lettori sono invitati a unirsi a questo affascin

Jesús Cisneros è un acclamato illustratore internazionale, la cui opera è caratterizzata dall'economia degli elementi, dalle pennellate essenziali, quasi minimaliste, e da una selezione limitata di colori, per insufflare la vita nei suoi disegni fortemente evocativi. Il libro, arricchito con immagini vibranti, presenta i processi creativi di Cisneros, man mano che l'artista condivide il suo pensiero su ispirazione, improvvisazione, stile personale ed evoluzione artistica. L'autore include un'intervista, intessuta nel testo, e regala scorci dei bloc-notes personali di Cisneros, svelando il lavoro di ricerca ed esplorazione che costituisce le fondamenta delle sue scene magiche. La vastità dell'arte di Cisneros si dipana davanti agli occhi dei lettori, dai laboratori sperimentali condotti con i giovani in tutto il mondo, alle opere su commissione, passando per i lavori personali, espressivi e introspettivi che illustrano poesia e prosa, libri per bambini e scenografie teatrali. Noi assistiamo alla sottile interazione tra il rosa pallido e il grigio perla, e alla vigorosa intensità del rosso carminio baciato da un marrone che sa di Africa. Attraverso una raccolta visivamente ammaliante delle sue opere, questo libro celebra la vastità e l'intensità del talento artistico di Cisneros, e il modo in cui sensibilità e tecnica si fondono all'interno delle sue illustrazioni, dimostrando come sia possibile raccontare grandi storie con pochissimo.

La storia di questa arte popolare unica, il suo significato, il contesto sociale e l'evoluzione, uniti a una raccolta di rare interviste ai maestri tatuatori, condotte negli ultimi trent'anni. Nell'ambito dell'arte del tatuaggio, sono poche le tradizioni in grado di competere con il talento artistico elaborato e ricercato dei tatuaggi giapponesi. In questo libro riccamente illustrato, i lettori troveranno un patrimonio di informazioni dettagliate sulla storia di quest'arte popolare unica nel suo genere e sul suo legame con la letteratura e l'arte, insieme a foto a colori delle opere. Grazie alla straordinaria ricchezza della loro iconografia, all'equilibrio delle composizioni e alla ricercatezza dei dettagli, i tatuaggi giapponesi hanno stregato, fin dal XV secolo, i viaggiatori e i mercanti occidentali, e più tardi, nel XVIII e XIX secolo, navigatori, soldati, personalità eccentriche e artisti del calibro di Degas, Monet e Toulouse-Lautrec. Il libro racconta l'influenza storica dell'arte giapponese del tatuaggio sulla comunità mondiale del settore, e com'è avvenuta la sua integrazione nel panorama culturale globale. Con oltre 270 illustrazioni, questo libro è un potente tributo al talento artistico, all'abilità e al fascino senza tempo del tatuaggio giapponese. Perfetto per gli appassionati di tatuaggi, questo volume completo e strabiliante dal punto di vista visivo è un must-have anche per gli amanti dell'arte Est-Asiatica e per chi apprezza le tradizioni culturali.

Disegna i contorni di bellissimi sfondi ad acquerello. Un libro affascinante, che vi condurrà in un viaggio attraverso il mondo della colorazione inversa, dove scatenare la vostra creatività e lasciar volare l'immaginazione. Nel libro ci sono i colori, voi disegnate i contorni. Questa attività artistica unica nel suo genere riunisce le qualità meditative della colorazione, la stimolazione cognitiva del puzzle e la libertà di esprimere la vostra creatività. Ogni pagina vi invita a rallentare, lasciar andare e permettere alla vostra penna di muoversi liberamente, cercando e trovando la via giusta. Lo sfondo è costituito da un'immagine ad acquerello, tutto ciò di cui avete bisogno è una penna, per tracciare forme, disegnare motivi o, se vi va, riempire gli spazi con dei puntini. Questa semplice attività meditativa, profondamente appagante, placherà la vostra mente rafforzando al contempo la vostra autostima artistica. L'autrice vi condurrà per paesaggi lussureggianti e fioriti, invitandovi a immaginare cosa succede dopo, a stabilire le regole e creare la vostra personale atmosfera magica. Potete rimanere ancorati alla realtà, avere una visione o sguinzagliare la vostra immaginazione come se steste osservando le nuvole nel cielo. Con 50 opere d'arte originali, stampate su carta da disegno speciale, avrete a disposizione la tela perfetta per scatenare la vostra creatività e lasciar volare l'immaginazione. Questo libro di colorazione inversa pensato per un pubblico adulto offre una piacevole via di fuga dalla consuetudine, un mix di svago fatto di relax, rompicapo ed espressione

Una guida completa nel mondo del redesign del logo, che presenta un'ampia raccolta di casi studio. Il libro è un viaggio esplorativo attraverso una miriade di esempi di questo genere di progetto oggi molto richiesto; progetto all'interno del quale il designer affronta la sfida di ridare vita ai marchi e creare identità intelligenti e flessibili nel panorama di un mercato in costante cambiamento, incorporando nuovi elementi strategici, ma assicurandosi al contempo che l'essenza del marchio rimanga intatta. In questa guida completa, oggi in edizione tascabile, l'autore presenta un'ampia raccolta dei migliori esempi internazionali di casi studio inerenti al redesign del logo. Attraverso interviste di approfondimento, i designer dei più importanti studi grafici condividono i loro processi creativi, offrendo informazioni preziose sul loro approccio personale. Il libro esplora le domande fondamentali alla base del design di un logo: Qual è la sfida principale del marchio? Come far risaltare il logo in uno spazio affollato? Quali emozioni e messaggi deve trasmettere? In che modo può esso continuare a evolversi nel tempo? Il libro illustra le possibilità senza limiti di cosa un logo sia in grado di rappresentare, attraverso concetti audaci e innovativi, esaminando il rapporto tra forma e funzione. Grazie alle immagini e ai contenuti ricchi di spunti, i lettori intraprendono un viaggio attraverso il potere rivoluzionario del redesign di un logo. Che tu sia un designer in cerca di ispirazione o il titolare di un marchio nel bel mezzo delle complessità del redesign del logo, questo li

Artisti impegnati in campi normalmente lontani dal tatuaggio accolgono quest'arte antica con uno sguardo e un approccio innovativi. Artisti provenienti da svariati campi, come il design grafico, la fotografia, l'illustrazione, la pittura e la scultura scorgono nel tatuaggio un nuovo strumento per esprimersi e aprire la strada al proprio inconfondibile linguaggio. Il look è completamente nuovo e i risultati straordinari, spesso lontani anni luce dal tatuaggio tradizionale, con disegni innovativi che vanno dai tatuaggi floreali ai tatuaggi di dimensioni minuscole, a quelli con soggetti animali e tanti altri ancora. New Tattoo Artists è una vera e propria bibbia del tatuaggio, che espone le opere rivoluzionarie di 25 artisti del tatuaggio da tutto il mondo. Il lettore si imbarca in un viaggio affascinante e denso di informazioni attraverso questa "nuova arte del tatuaggio", che offre opere originate da fonti molteplici, per dare vita a un libro eterogeneo e soprattutto unico. Attraverso disegni inconfondibili, riflessioni ed esperienze personali di questi artisti, veniamo introdotti in una nuova visione dell'antica arte del tatuaggio, grazie alle opere di artisti come quelli esposti in questa pubblicazione.

New Brooches concentra lo sguardo sulla spilla, esplorando le nuove tendenze della gioielleria contemporanea. Curato da Nicolás Estrada, New Brooches concentra lo sguardo sulla spilla, esplorando le nuove tendenze della gioielleria contemporanea. Con una selezione di oltre 400 creazioni di artisti della gioielleria da tutto il mondo, questo volume rappresenta la raccolta più completa sul soggetto. Un must-have per tutti i professionisti e gli studenti di gioielleria o fashion design, questa opera mostra la natura versatile e dinamica delle spille e i molteplici e diversi materiali e forme da cui hanno origine. Fissata al capo di abbigliamento di chi lo porta mediante un semplice spillo, questo ornamento è essenzialmente la tela bianca dell'artista gioielliere, una tela che lo invita a esprimersi senza limiti alla creatività e offre maggiore libertà di espressione di qualunque altro gioiello. La spilla ha continuato a evolversi e ad essere reinterpretata; oggi gioca un ruolo fondamentale nella creazione di nuovi gioielli come piattaforma dell'espressione artistica. Dopo il successo di New Rings, New Earrings e New Necklaces, editi da Promopress, New Brooches rappresenta un valido contributo a tutta la serie. Un compendio d'ispirazione delle creazioni più innovative nell'ambito del design di gioielli moderno.

Un atlante magnificamente illustrato e fonte di ispirazione per designer di moda e fashionisti, che rivela la struttura, le caratteristiche e i materiali dell'abbigliamento femminile e maschile contemporaneo. Un manuale per i designer del vestire, per gli stilisti e i fashionisti, questa pubblicazione di grande eleganza si serve di bellissimi disegni e illustrazioni per portare alla ribalta il design e i dettagli fondamentali delle diverse forme di abbigliamento contemporaneo: capi spalla, giacche, camicie, top, bluse, abiti, pantaloni, short e gonne. Sono inclusi materiali, colori e texture sia tradizionali sia contemporanei, per tutti i tipi di stile. Questo atlante è un valido aiuto per il lavoro dei designer, al di là del diverso metodo creativo scelto per il design del costume: inversioni, analogie, empatia e immaginazione, per dare vita a nuove combinazioni e soluzioni ai problemi. Lo scopo è diventare una fonte di ispirazione, oltre a uno strumento utile, per artisti e designer del settore abbigliamento, e per tutti gli appassionati di moda e stile.

Questo libro presenta una selezione dei più moderni laboratori di design grafico, artisti del collage e artisti di altre discipline nelle cui opere il design e il collage si intrecciano nei modi più disparati e brillanti. Vi figurano progetti all'interno dei quali linguaggi e tecniche diversi si mescolano, dialogano gli uni con gli altri, si completano e talvolta si stemperano a vicenda, interrogandosi sui rispettivi limiti. Attraverso questa vetrina di progetti di design e opere d'arte, e tramite conversazioni con gli autori, apprendiamo l'approccio esclusivo al loro personalissimo processo creativo; ne nasce una riflessione sui modi di comprendere la loro opera e una ricerca del rapporto speciale che design e collage condividono oggigiorno.

Questo libro riunisce le esperienze personali, i sogni, gli obiettivi, i gusti culturali, le lotte e gli esempi dell'opera di oltre 50 artiste del graffito, street artist e muraliste dedicate a rivendicare lo spazio pubblico e arricchire il nostro contesto urbano. Un libro abbondantemente illustrato che riuscirà a ispirare nel lettore la ricerca di street art nelle nostre città, puntando a mondo più giusto in termini di uguaglianza femminile nell'ambito della street art e dei graffiti. Nella pubblicazione si esplicitano le modalità di lotta per la liberazione della donna dall'ineguaglianza che ancora permane nella società di oggi e che continua a influire negativamente sullo status femminile in molti settori, arte compresa.

Questo libro contiene il metodo ideale per creare modelli di base per adeguare i corpetti, le maniche e i colli ai diversi stili contemporanei e al design moderno. Vi si possono trovare tutte le informazioni necessarie per disegnare i cartamodelli di quasi tutte le forme esistenti, in modo progressivo in termini di difficoltà, ed è quindi un'opera facilmente adattabile a tutti i livelli di abilità. Sviluppato dal fashion designer e docente Dominique Pellen, dopo tanti anni di esperienza in laboratorio e in classe, il metodo per la creazione e l'adattamento dei cartamodelli offerto in questo libro è pensato per un pubblico vasto, dai professionisti del settore agli studenti, e sostanzialmente per tutti gli appassionati di cucito. Questo volume ampliato e aggiornato su corpetti, maniche e colli è il secondo di una serie di guide alla moda femminile che esplorano l'entusiasmante mondo delle creazioni di abbigliamento, un varco pensato per aiutare gli studenti di fashion design e gli appassionati del cucito a leggere i modelli e disegnarne secondo la loro ispirazione.

Un libro avvincente, che guida il lettore in un viaggio alla scoperta della nascita di un logo e del processo che rivela le migliori pratiche per trasformare il logo in un sistema completo di brand identity. I loghi stanno diventando sempre più semplici, al punto in cui ci si potrebbe chiedere fino a quale livello di semplicità riusciranno a spingersi. Una impercettibile modifica a un logotipo comincia a sembrare un eccesso di design. Un logo semplice affascina perché lo fa apparire più sincero. Attraverso casi di studio sul cliente, da designer rinomati, questo libro si rivela un must-have per tutti i designer grafici, gli studenti e gli appassionati dei loghi; l'edizione completamente rivista e aggiornata contiene interviste nelle quali i designer grafici condividono i loro processi creativi e il loro pensiero su come debba essere sviluppato un logo di successo.

Un libro organizzato con creatività e generosamente illustrato, che esplora l'arte del pensiero creativo attraverso l'opera visiva, gli scritti, le riflessioni e le esperienze del celebre designer grafico e illustratore spagnolo Isidro Ferrer. Con il suo background teatrale, Ferrer ricorre a una vasta gamma di strumenti, tecniche e canali di comunicazione per trasformare le idee dei suoi clienti in immagini al contempo potenti e delicate. In "About Nothing", i lettori troveranno esempi della sua vasta opera, dai lavori più riconoscibili a quelli meno noti, seguendo l'autore nell'esplorazione della personalità e dei processi creativi di questo artista dalle mille sfaccettature, attraverso la condivisione del pensiero e delle idee di Ferrer, e comprendendo a fondo i motivi per cui il design è importante e cosa significhi essere un designer e illustratore. Il libro racconta la visione dell'artista sul proprio lavoro di autore, offre panoramiche del suo studio, estratti dei suoi taccuini, testi autobiografici e un intero scrigno di illustrazioni e disegni in gran parte inediti. Il risultato di questo tesoro di parole e immagini è il viaggio del lettore nella filosofia personale e nelle tecniche ed esperienze, nell'estetica, nella poetica e nelle suggestioni che danno origine all'opera di Isidro Ferrer, con numerosi esempi di come l'arte del pensiero creativo venga sviluppata, coltivata, perfezionata e, in ultimo, trasformata in oggetti di grande bellezza.

Questo libro è uno strumento eccellente per imparare a schizzare sul posto. Grazie alla tecnica "nessun disegno preliminare", i lettori impareranno a usare acquerelli e pennello per dipingere direttamente sui loro taccuini, tracciare rapidi schizzi urbani, tenere diari illustrati e creare affascinanti quadri urbani in esterni. Ideato come un workshop in movimento, con oltre cinquanta esercizi progressivi, questo libro invita il lettore a sperimentare attraverso l'acquerello, traducendo lo spazio e il movimento di forme e colori in insiemi e valori, anziché in contorni e rigide regole della prospettiva. L'autrice, pittrice di scenografie teatrali, urban sketcher e insegnante di urban sketching, mostra al lettore come rappresentare il mondo che ci circonda. Il suo metodo è stimolare il lettore a osservare il luogo, comprenderlo e imparare a scegliere il soggetto per catturare l'anima del luogo stesso, preservando il senso fugacità dell'istante descritto. I temi includono la vegetazione, gli edifici, le forme delle persone, sia in movimento sia da fermi.