Nell'opera di Di Lieto è la meraviglia il punto centrale di uno stato emotivo spirituale, uno stato di estasi che guida l'immaginario dell'artista in un percorso creativo, intrecciando la dimensione morale, l'amore profondo per la sua terra, per quei luoghi eletti, nel tempo, come 'paesaggi' dell'anima reiterati sulla tela e la scelta estetica di un linguaggio naïf, proprio del sogno. Di Lieto muove, quindi, il suo sguardo tra la meraviglia, quale sentimento di stupore, e il sogno che, per Freud, realizza un desiderio sollecitato dalla sfera dell'inconscio, in quanto appagamento di un desiderio o, meglio ancora, 'è la soddisfazione di un desiderio'.

La 'cornice progettuale' che ha dato forza a questa edizione di Restart è quella del Salerno Green Forum, promosso e ideato da Fondazione Cassa di Risparmio Salernitana, realizzato in collaborazione con diversi enti e soggetti del territorio, con lo scopo di coinvolgere, informare e sensibilizzare la comunità sulle tematiche ambientali di sviluppo sostenibile e contribuire ad accrescerne conoscenze e competenze legate all'economia circolare, indispensabili per affrontare le nuove sfide poste dalla transizione ecologica. Restart ha inteso sensibilizzare in particolare i giovani, sul tema della sostenibilità ambientale, economia e riuso, uniti ai valori etici del rispetto e della cura delle cose che ci circondano e del creato.

Peppe Ferraro è uomo sensibile al pari di uno sciamano della foresta pluviale. Una di quelle creature profetiche che avvertono, in anticipazione, sommovimenti e metamorfosi, crisi o modificazione della Natura e, di essa, soprattutto le energie diffuse, non captate dalle distrazioni comuni. In questa opera materica, compiuta e conclusa nello spazio, ci rivela l'azione immersiva, con generosità. Si cala delicatamente nelle spalle e raccoglie una qualsiasi scheggia di un qualsiasi legno. La osserva, la trancia ancora, la modella e, infine, la brucia.

Sculture, acquerelli, disegni, libri d'arte, tutti lavori lievitati nel pensiero dell'artista all'indomani della tragedia che, dagli ultimi giorni del 2019, ha colpito l'intero globo. Esse, però, non rispondono all'iconografia che dai monitor televisivi, dalle illustrazioni dei giornali, ha assediato la nostra quotidianità, con volti stravolti dalla pandemia, boccheggianti, ansimanti, protesi verso il desiderio di vita, quanto al senso che il respiro assume come necessità del 'comune', quindi come progetto. Il catalogo e la mostra collegata ad esso sono a cura del critico, Massimo Bignardi.

Un dialogo fra una bambina e la sua mamma. La bambina vuole giocare: vuole che le venga chiesto quello che vorrebbe. È un po' quello che desideriamo tutti, che finalmente qualcuno ci chieda cosa vorremmo e che in realtà, non avviene quasi mai. Questo gioco porterà a delle risposte tipiche del fantasioso mondo dell'infanzia ma anche ad alcune più profonde e riflessive. Alla fine, mamma e figlia, scopriranno di avere punti di vista in comune, perfino inaspettati, e di non essere poi così diverse. Età di lettura: da 3 anni.

A partire dall'analisi delle abitudini alimentari dei protagonisti del processo risorgimentale, Padri della Patria ripercorrere le modalità di costruzione del mito culinario italiano. La difficoltà di Mazzini nel riprodurre le ricette genovesi a Londra e l'aspirazione all'autoproduzione alimentare della casa garibaldina di Caprera sono alcuni dei temi trattati dal volume Padri della Patria, arricchito da una riflessione sulla costruzione retorica del personaggio di Vittorio Emanuele II quale «Re buongustaio» e del conte Camillo Benso di Cavour come pioniere del settore agroalimentare in Europa. A ogni Padre della Patria è dedicato un saggio corredato da un proprio ricettario. Il volume è a cura di Andrea De Simone. Hanno collaborato alla realizzazione del volume Carmine Pinto, Agnese Portincasa, Luciano Pignataro, Alice De Matteo, Camilla Zucchi, Roberto Ibba e Carlo Scatozza.

L'Archivio Storico del Banco di Napoli, nella sua struttura architettonica segue un percorso labirintico: stanze che si aprono una dopo l'altra, dalle alte pareti di scaffali, dai quali si affacciano faldoni, reclinati come dormienti, segnati, anno dopo anno, secolo dopo secolo, da grandi cifre nere. L'artista si è calato, metaforicamente, in ciascun documento - spiega Bignardi - ne ha ascoltato le voci, ne ha percepito i gesti; insomma, è entrato nel vivo dell'agorà. Residuo Greco è una complessa installazione con cui Afeltra si propone di dare all'immaginazione il senso di presenza, quindi dell'abitare un luogo e precisamente all'interno di un archivio.

'Passi così tanto tempo nell'immaginazione che quando affronti la realtà lo scontro è letale.' Terapia Eremitica è un viaggio interiore ed esteriore attraverso le bizzarre storie dei primi Padri del deserto e le insicurezze di uno studente dei nostri giorni. Un viaggio multiforme ed allucinato che scava a fondo nella psiche di una generazione, che è la stessa dell'autore. Le ansie, le contraddizioni ma anche i voli pindarici e le fughe immaginifiche raccontate da Matteo Brasili nelle sue tavole fotografano fedelmente un momento storico in cui le certezze sfuggono al controllo. Età di lettura: da 10 anni.

Calandro, De Maio, De Michele, Mariacci, Oppido, Pozzo e Risola, sono sette artisti che hanno scelto di confluire nel 'Gruppo Astrattismo Totale. Cotroneo, Lanzione, Salzano', nato a Benevento nel 2012. Lo scopo di questa aggregazione è di dar vita al 'Movimento Internazionale per l'Astrattismo Totale' formato da Giulio Calandro, Giuseppe Cotroneo, Gelsomina De Maio, Giuseppe De Michele, Mario Lanzione, Fabio Mariacci, Salvatore Oppido, Gustavo Pozzo, Myriam Risola e Antonio Salzano. Personalità d'importanza internazionale che, durante i dieci anni di attività svolta dall'Arte/studio - Gallery di Benevento, 2012/2022, hanno condiviso attivamente eventi, mostre personali, collettive, incontri e scambi culturali con la Galleria e, di conseguenza, con il Gruppo Astrattismo Totale.

Calandro, De Maio, De Michele, Mariacci, Oppido, Pozzo e Risola, sono sette artisti che hanno scelto di confluire nel 'Gruppo Astrattismo Totale. Cotroneo, Lanzione, Salzano', nato a Benevento nel 2012. Lo scopo di questa aggregazione è di dar vita al 'Movimento Internazionale per l'Astrattismo Totale' formato da Giulio Calandro, Giuseppe Cotroneo, Gelsomina De Maio, Giuseppe De Michele, Mario Lanzione, Fabio Mariacci, Salvatore Oppido, Gustavo Pozzo, Myriam Risola e Antonio Salzano. Personalità d'importanza internazionale che, durante i dieci anni di attività svolta dall'Arte/studio - Gallery di Benevento, 2012/2022, hanno condiviso attivamente eventi, mostre personali, collettive, incontri e scambi culturali con la Galleria e, di conseguenza, con il Gruppo Astrattismo Totale.

Gubinelli dà vita ad un luogo di accadimento; un luogo d'incontro, ove darsi appuntamento con la luce: un luogo, avrebbe detto Merleau-Ponty, ove si celebra l'enigma della visibilità. Una possibilità altra che ha valore per l'artista mentre esprime la sua creatività, ma anche per noi fruitori, liberi di cercare, nell'infinito repertorio di appuntamenti, quello che 'dona esistenza visibile - accogliendo i suggerimenti di quest'ultimo - a ciò che la visione profana crede invisibile' perché, aggiunge, non ci occorre 'un 'senso muscolare' per avere la voluminosità del mondo'.

Il pittore dipinge per un bisogno di liberazione, cioè di non lasciare spazio alla relazione che l'immaginario ha con il reale. Angelomichele Risi nel corso di questi primi mesi del 2023 ha realizzato una serie di grandi tele che difficilmente possiamo iscrivere sia nell'ambito generico di una declinazione astratto-concreta, come teorizzava Lionello Venturi a proposito degli artisti inscritti nel Gruppo degli Otto, nei primi anni Cinquanta, sia nell'astrazione di matrice geometrica, tantomeno nell'indeterminata astrazione lirica. Nei dipinti realizzati di recente, una serie che abbiamo voluto definire 'Opereduemilaventitre', Risi si lascia guidare dal cuore, da lunghe 'sincopi' determinate da stati emotivi; nulla di mentale, nulla di concettuale, nulla di astratto tantomeno di rimando referenziale: è il cuore, non l'occhio, a guidare l'epifania che, davanti ai suoi e ai nostri occhi, ritrova una sua esistenza.

'Questo nuovo mondo le fa paura. Zappa e piccone lasciano il posto a spade e pugnali. Amazzoni forti come uomini e feroci come animali formano l'esercito.' La storia di un'amazzone africana di nome Koku, tanto coraggiosa da superare qualsiasi ostacolo, pur di salvare il prossimo dai mali dell'umanità. Età di lettura: da 10 anni.

Un racconto in cui la spontaneità, l'ingenuità e la creatività infantile vengono espressi liberi da condizionamenti adulti esterni, che spesso possono rappresentarne una limitazione. Una storia d'amicizia e su come questa non conosca barriere. Un racconto sull'importanza dell'alternanza delle stagioni e sulle loro ricchezze di colori e sensazioni. Una storia per sensibilizzare ad un maggiore rispetto del pianeta Terra. Ognuno di noi ha la sua stagione preferita e le ragioni sono infinite. La primavera per il profumo dei fiori appena sbocciati. L'estate per il mare e i gelati. L'autunno perché ricomincia la scuola e si può stare con gli amici e le amiche per più tempo. L'inverno per i maglioni colorati, la cioccolata calda e la neve. E se chiedessimo al sole e alla neve quale stagione preferiscono? Chissà se risponderebbero rispettivamente l'estate e l'inverno! Potrebbe anche essere che il sole preferisca l'inverno... Età di lettura: da 5 anni.

Aspectus è il tentativo di storicizzare il lavoro di un manipolo di artisti, circa quaranta, incontrati e confluiti in dialogo perpetuo con l'autore Gaetano Romano, sottraendo le loro ricerche al destino della dimenticanza e della dispersione. In un certo senso, e per vie simili e del tutto casuali, l'autore ha cercato, sul terreno arato e mai dimenticato dei situazionisti, di creare delle nuove 'situazioni' attivando il perimetro infuocato della 'geografia' ed estraendo dai luoghi, dove più vive e feconde sono le radici, i segni tangibili del passaggio degli artisti. Una sezione del volume raccoglie le presenze dei poeti Salvatore Violante, Mimmo Grasso/Quintino Scolavino, Domenico Cipriano, Michele Sovente. Saranno presenti all'evento: Salvatore Di Sarno, Sindaco di Somma Vesuviana, Rosalinda Perna, Assessore alla Cultura, Aurelio Cerciello, Luigi Paolo Finizio, Storico dell'arte e studioso dell'Astrattismo, Angelo Casciello, Scultore e docente Accademia di Brera, l'autore Gaetano Romano.

È ormai trascorso oltre un decennio da quando Maria Credidio compiva un decisivo giro di boa nella sua ricerca artistica. Dalla figurazione sostanzialmente simbolica, condotta per ampie e sintetiche falcate d'una forma pittorica dinamica e fluidificante, passava ad un'astrazione di forma oggettivata nella logica ordinativa della geometria. Una pittura ancora pervasa di risonanze emozionali e spirituali, pur formalmente assai controllata e concettualizzata. Un'arte di impianto geometrico rigoroso e spazialmente articolato, d'una ratio progettuale che tuttavia includeva, come si dirà, sottili rimandi segnici e semantici alla relatività dell'umano.

Il catalogo d'arte raccoglie opere fondamentali del percorso artistico di Latronico e traccia un vissuto nell'arte dove le grandi tele raccontano con segni antichi, intrisi di storia dell'arte, di un passato studiato e meditato. La centralità della sua opera è la figura femminile che veste il presente con rimandi eccentrici in un passato senza tempo. Nell'arte di Latronico entra in gioco l'ironia, per certi versi faziosa e penetrante. Questo concetto che si dirama nell'opera pittorica e dialoga nel tempo senza regole, dove la fantasia spoglia la sacralità dei templi classici, colonne e capitelli per renderli vestizioni del corpo femminile.

Nel percorso espositivo, Francesco Cocco (Scafati, 1968), ha coniugato insieme, in una originale costellazione metalinguistica, i vari linguaggi del contemporaneo: dal disegno alla pittura, dalla scrittura alla fotografia, dal video all'installazione e alla performance, mantenendo con lucidità e coerenza le fila di un discorso critico, tutto improntato sul 'giocoso' equilibrio della condizione umana. Nelle sale della galleria, l'artista ha costruito un luogo immaginifico in cui lo spettatore vive un'esperienza regressiva, come in una sorta di viaggio a ritroso nel tempo della memoria, ritrovando le immagini residuali di un passato infantile, che altro non è che l'infanzia dell'autore stesso.

Donare è un gesto importante per chi lo fa e impegnativo per chi lo riceve. Lo è in particolare per un'artista, come nel caso di Luce Delhove, che ha donato al Museo-FRaC Baronissi una significativa e importante collezione, che documenta il suo impegno nell'esercizio della grafica d'arte contemporanea. Donare, per un artista, è dare una parte di sé, quella che testimonia i passi salienti della propria esperienza e che si desidera conservare in spazi aperti al pubblico, in dialogo con esso, di generazione in generazione. Il Catalogo ripercorre le esperienze artistiche dell'artista italo-belga mettendo in evidenza alcune delle opere donate al Museo salernitano.

Pittura e poesia spesso si abbracciano, due mondi che si rincorrono, che si raccontano a vicenda. Come nella pittura così nella poesia, è proprio il caso di dire. Questo è il tratto distintivo di Valter Catoni, che coltiva da anni la passione per la scrittura e per le arti figurative. Eclettico, curioso sperimentatore, la sua personalità poliedrica esplora sempre nuove angolazioni di ricerca. Un percorso che è stato a lungo allenato nel comporre la sua collezione di opere d'arte, un'attività che ha portato avanti a latere della sua notevole carriera di manager d'azienda. Nulla accade per caso, e talvolta, persino una stella, una 'spilla appuntata sul cosmo' viene in soccorso per riportarlo alla dimensione dell'infinito, come scrive lui stesso in uno dei suoi testi più belli che (nello specifico) accompagna l'opera, 'Il voyageur e la fantasia'.

Artist' Stories Narrazioni, è un viaggio in compagnia di artisti. 'Viaggiare - suggerisce Luis Sepùlveda - è camminare verso l'orizzonte, incontrare l'altro, conoscere, scoprire e tornare più ricchi di quando si era iniziato il cammino'. Così anche io viaggio, in compagnia degli artisti che vivono a Somma Vesuviana (questi i loro nomi - Diana D'Ambrosio, Carla Merone, Angela Sodano, Teresa Capasso, Mary Pappalardo, Franco Tirelli, Laura Polise, Nello Mocerino) e, insieme a loro, gli invitati (Arturo Casanova, Marcello Cinque, Domenico Fatigati, Anna Coppola, Luisa Russo, Eliana Petrizzi, Luigi Pagano, Giuseppe Di Guida, Raffaele Bova, Stefania Sabatino, Gaetano Di Riso, Vittorio Vanacore, Luigi Vollaro, Ugo Cordasco, Luigi Caserta, Fabio Donato, Barbara La Ragione, Iole Capasso, Giovanni Ruggiero, Raffaele Boemio).

Questa pubblicazione è un vademecum, poiché ha l'intento di collocarsi in un ambito di agile consultazione da parte sia degli addetti ai lavori che da coloro i quali sono mossi da semplice curiosità, attorno al binomio tra arte e tutela ed accrescimento patrimoniale. In questo senso diritto, fiscalità ed arte, diventano un continuo laboratorio di crescita su ognuno di questi fronti. Da qui la scelta del titolo che, parafrasando la nota canzone dei Dire Straits, vuole guidare ed indirizzare il lettore verso la realizzazione di un sogno: quello di guadagnare con l'arte attraverso la bellezza. Questo libro è un saggio. Infatti non ha la pretesa di essere un momento definitorio finale di un settore in continuo aggiornamento, a volte straordinariamente immediato.

Questo volume apre una prospettiva di apparentamento disciplinare tra Musica e Geografia (e oltre...) che a prima vista potrebbe sembrare eccentrica, ma che in realtà esprime una consanguineità scientifico-culturale dalle duplici radici, al contempo soggettive e oggettive: da un lato, la passione e la profonda conoscenza di Aversano nel campo della canzone napoletana, frutto di una frequentazione di un'intera vita; dall'altro, la reale necessità di una convergenza - in un territorio ideale fatto di luoghi, persone, costumi, arte ed emozioni - degli studi musicali e geografici, ai fini di una definizione il più esatta e concreta possibile di quanto, ormai universalmente, si usa qualificare come 'paesaggio sonoro', vale a dire quello spirito comunitario che, attraverso la musica, genera un ambiente unico e caratteristico, riflesso dell'anima e della quintessenza di una specifica cultura in un determinato momento storico.

L'esposizione dedicata all'artista Bruno Marquardt, nato nel 1904 a Insterburg, oggi Cernjachovsk, ex Prussia orientale che, dalla fine degli anni Trenta al 1981, data della sua morte, ha vissuto a Positano, è stata realizzata dopo un attento lavoro di ricostruzione storico-critica. Marquardt ha scelto Positano come sua città di adozione: un luogo, negli anni della guerra, calato nel silenzio del suo incantevole paesaggio, ove l'esistenza era scandita da lunghe pause vissute tra la marina e le terrazze delle case. È una ricostruzione concentrata a far luce sulla formazione artistica e sulle varie esperienze, oggi testimoniate da oltre trenta opere che disegnano un percorso che giunge alle tavole realizzate per 'La storia della tartarughina', del 1958. Si propone, quindi come una pagina di storia che doveva essere ricostruita nella sua pienezza, registrando anche le piccole cadute, ma che, trasversalmente, richiama un'ulteriore riflessione sulla Positano di quegli anni, sul clima culturale che si respirava, sulle presenze, suo essere un luogo della cultura internazionale.

Il catalogo, curato dal critico d'arte Massimo Bignardi, è la prima esposizione di arte contemporanea africana in ambito campano e meridionale e presenta un'ampia selezione di dipinti e sculture realizzate da artisti contemporanei africani, appartenenti alla generazione che ha operato nel corso della seconda metà del XX secolo e primi del Duemila, unitamente ad un repertorio di oggetti, feticci, maschere della cultura dei popoli dell'Africa sub sahariana. Da un lato le opere di artisti contemporanei, dall'altro gli oggetti, gli idoli, le maschere provenienti dalla stessa collezione che tessono una sorta di trama comune, di dialogo tra il mondo dei miti, dei simboli posti a contatto con i segni della contemporaneità.

Il progetto Millenovecentootto, incentrato sull'esposizione dei gioielli ritrovati dopo il sisma del 28 dicembre 1908, è stato concepito site-specific per le sale del Castello Aragonese di Reggio Calabria, uno dei luoghi più simbolici della città. Un progetto complesso, pensato come assemblage temporaneo composto da media e linguaggi diversi, dove più che sui singoli oggetti esposti, l'attenzione è rivolta alla rete che li connette, al sistema che li tiene assieme. Questa dinamica di ricerca converge e si integra alla risoluzione principale della questione della valorizzazione di tali oggetti simbolico-memoriali come nella fattispecie di questi oggetti riemersi dal terremoto del 1908.

'Kerameikos', mostra promossa dall' Associazione Culturale 'Agarte - Fucina delle Arti', ha messo insieme le recenti esperienze di quattro artisti attivi nell'ambito della ceramica. Autuori, Caruso, Di Muro e Vassallo hanno qui dato vita a nuovi corpi dell'immaginario ed hanno, per vie diverse, elaborato il progetto chiaramente esplicitato in questa mostra che è lo spingere l'artefatto al di là della forma/funzione e dare ad essa la forza di una presenza che va ad arricchire, rigenerandolo, l'immaginario collettivo.

Farmacopee è un progetto corale che consta di più appuntamenti divisi in mostre bipersonali. Dieci in totale gli autori che hanno aderito alla rassegna, chiamati a lavorare ex-novo ad un'opera 'portabile': inediti che andranno a formare un'originale collezione di 'Raccolte Metafantafisiche delle cose di #.' Ecco gli artisti presenti in catalogo: Pietro Lista, Rosa Cuccurullo, Vittorio Vanacore, Rosanna Iossa, Antonella Pagnotta, Gaetano Di Riso, Angelo Maisto e Fiormario Cilvini, Felix Policastro, Enzo Palumbo. Un originale format che avvicina il pubblico in modo insolito all'arte contemporanea, puntando su un'idea di benessere totale.

Domenico Uccio Biondi è un artista originario di Brindisi. Dopo le Magistrali a Taranto porta a termine la sua formazione con gli studi in pittura presso l'Accademia di Belle Arti di Lecce (1977-80). Avvia l'attività artistica nel 1974 sviluppando una produzione pittorica e grafica. Sino al 1980 segue le poetiche espressioniste legate a problematiche sociali, esistenziali e della questione meridionale. In questo periodo intraprende il lavoro grafico di inchiostri ed incisioni che accompagnano sino al 1984 il corpus poetico della poesia di Pietro Gatti. Cura cartelle e produce opere d'incisione stampate in proprio su torchio calcografico a stella. Dopo una pausa di riflessione di circa due anni propone un rinnovato repertorio visivo aniconico, d'ispirazione informale non senza suggestioni materico-gestuali.

Lo scopo di questo libro è offrire una guida sulle tipologie di interventi che la medicina moderna propone per il trattamento della disfagia. Le prospettive terapeutiche inerenti alla patologia della deglutizione sono sottoposte ad aggiornamento costante, di pari passo alle informazioni scientifiche che di volta in volta si aggiungono a quelle già esistenti in letteratura. Si cerca, perciò, di contemplare l'apporto di tali innovazioni alla terapia tradizionale, ufficialmente approvata e consolidata. Il tentativo di relazionare in maniera completa ed esaustiva sugli interventi riabilitativi validati dal mondo scientifico che riguardano il processo della deglutizione in tutte le sue fasi, si ottiene tramite una analisi ampia ed articolata delle figure professionali coinvolte e del modo pratico di agire di ognuno di essi. Si realizza, quindi, un trattato medico sul modo corretto di affrontare il problema disfagico dal punto di vista riabilitativo, partendo dal sintomo stesso e distinguendo il tipo di approccio terapeutico tra le svariate patologie che lo determinano.