Il volume permette di affinare la propria creatività e ripercorrere i passi di Leonardo aggiungendo il proprio tocco personale a disegni, schizzi e illustrazioni delle sue opere più celebri, dalla Gioconda all'Uomo vitruviano. Grazie alle 38 illustrazioni (a pagina singola e doppia) il lettore potrà immergersi nel mondo del grande maestro rinascimentale, e scegliere se sfidare Leonardo sul suo stesso terreno colorando coi suoi colori (attraverso i QR code che rimandano alle opere originali) o dare libero sfogo alle proprie capacità artistiche ricolorando a piacere il proprio capolavoro personale.

Il teatro, i film, la vita. L'attore e il regista. Vittorio De Sica, autore di capolavori indimenticabili della storia del cinema e protagonista dello star system internazionale, è stato un insuperato direttore di attori: nei suoi film spiccano interpreti come Sophia Loren e Marcello Mastroianni, Peter Sellers e Shirley MacLaine, Faye Dunaway, Richard Burton e tanti altri. A 50 anni dalla sua morte (avvenuta in Francia il 13 novembre 1974), l'opera di De Sica è ancora ricca di stimoli e sorprese, e offre la possibilità di approfondire e apprezzare ulteriormente un artista che tra luci e ombre ha segnato lo spettacolo e la cultura del XX secolo. Nei confronti di De Sica, di volta in volta si è parlato di "tradimento" (rispetto al neorealismo), di "sbandamento" (l'irruzione del fantastico in "Miracolo a Milano" e "Il giudizio universale"), di "bulimia professionale" (troppi film "alimentari"), ma soprattutto si è discusso a lungo sul connubio artistico De Sica-Zavattini, su quanto ci fosse dell'uno e quanto dell'altro nella qualità di certi risultati, dove a volte era il regista ad apparire in secondo piano. Una vera ingiustizia, e non è un caso che, più dei critici, siano sempre stati i registi ad amare ed esaltare De Sica. In primis Charlie Chaplin, che si riconosceva fratello di quel cinema e di quei film; e poi Orson Welles, René Clair, Jacques Becker fino ad Abbas Kiarostami, Steven Spielberg e intere generazioni di autori. Di certo, con la sua opera, Vittorio De Sica ha influenzato molti artisti e ha aperto strade che sembravano impraticabili. Come scrive René de Ceccat

Questo libro ripercorre la vita e la carriera dell'attore italiano più conosciuto nel mondo, interprete di oltre 140 film dei generi più diversi: dalla commedia sentimentale al dramma, dalla satira di costume al film storico, dal thriller al grottesco. Consacrato internazionalmente da La dolce vita (1960) e 81/2 (1963) di Federico Fellini - sorta di suo alter ego cinematografico -, nel corso di cinque decenni Mastroianni ha dato prova di un talento poliedrico che accende la recitazione di sfumature e sottotoni. Lo testimoniano film amati e celebrati come Il bell'Antonio (Bolognini, 1960), Matrimonio all'italiana (De Sica, 1964), Dramma della gelosia (Scola, 1970), La grande abbuffata (Ferreri, 1973), Una giornata particolare (Scola, 1977), La città delle donne (Fellini, 1980), Ginger e Fred (Fellini, 1985), Il volo (Anghelopulos, 1986), Oci ciornie (Michalkov, 1987), Il passo sospeso della cicogna (Anghelopulos, 1991), Sostiene Pereira (Faenza, 1995), fino all'ultima, struggente interpretazione teatrale di Le ultime lune (1996), suo definitivo congedo artistico. Divo gentile che parlava del suo lavoro come di un "gioco" e non si riconosceva nella figura del latin lover, Marcello Mastroianni era nato a Fontana Liri (Ciociaria) nel 1924. A cento anni dalla nascita, questa documentata biografia ce lo racconta in un coinvolgente viaggio a ritroso tra le stagioni del grande cinema italiano e internazionale.

L'ascesa vertiginosa di Taylor Swift è la storia musicale e di costume del secolo. La riccioluta teenager della musica country si è negli anni trasformata in un'artista da un miliardo di dollari, che risolleva le sorti economiche dei paesi in cui si esibisce e domina l'industria musicale come mai nessun altro prima di lei. I suoi record ormai non si contano più, a partire dai quattro album presenti contemporaneamente nella Top Ten della classifica Billboard, per non parlare dei premi ricevuti (tra i quali 14 Grammy, almeno fino ad ora...). La sua esistenza è costantemente sotto i riflettori ma - a dispetto di haters e tabloid invadenti - Taylor ne ha sempre condiviso i momenti più significativi con i suoi fan. E lo ha fatto soprattutto con le sue canzoni, disseminate di riferimenti personali (spesso amorosi) che solo loro sanno cogliere pienamente. Per la gioia di tutti gli Swifties, questo volume ripercorre vita e carriera di "Miss Americana" (titolo di un documentario a lei dedicato) con l'ausilio di un eccezionale corredo fotografico.

Antonella è ossessionata dalla "buona educazione" e non passa giorno che non subissi la figlia Lisa di insegnamenti e indicazioni sul giusto comportamento da tenere... finché non si ammala. È nella malattia che Lisa conosce davvero sua madre, e il loro rapporto finalmente si evolve. Di lei e sua madre insieme Lisa ricorda solo il momento più triste della sua vita, e mentre la vede morire non le rimangono che le riflessioni su quello che è stato e che avrebbe potuto essere.

L'autrice ripercorre gli anni della sua adolescenza, segnati dalla perdita del padre e dal tentativo di colmare il vuoto con il cibo. Il suo corpo cambia, e se i compagni di scuola e persino gli insegnanti non perdono tempo a deriderla e a chiamarla "balena", la madre all'inizio non sembra accorgersi di nulla. Ma alla fine sarà proprio lei ad aiutare Giulia a riprendere il controllo della propria vita. Un'autobiografia trascinante dallo stile diretto,sulla rinascita e sulla strada da fare per ottenerla.

Un volume sulle relazioni tra due forme d'arte apparentemente distanti come cinema e opera lirica. Analizzando a fondo 50 pellicole, 20 critici e studiosi illustrano come nel corso della storia del cinema l'opera sia stata adattata per il grande schermo, abbia fatto da ispirazione, o sia stata essa stessa attore del film, o spazio di recitazione e azione. Oltre a un inserto fotografico a colori di 80 pagine, il testo è corredato di una ricca iconografia e della prima filmografia completa sul tema curata dal critico cinematografico Enrico Giacovelli.

La storia di Taylor Swift è finalmente raccontata ai tanti "swifties" francesi. Un'artista talentuosa che in soli 17 anni di carriera ha collezionato 1280 premi su oltre 2060 nomination, e stabilito nuovi record di vendite in tutto il mondo. Non male per una ragazza di provincia cresciuta sognando di diventare Britney Spears! "Taylor Swift. Reine des pop stars" è la sua incredibile storia: l'infanzia, gli esordi, la vita privata, l'inarrestabile ascesa e il travolgente tornado mediatico che la circonda da anni. Un viaggio emozionante, accompagnato da oltre 150 foto a colori, che parte dall'infanzia e culmina nel trionfante "eras tour", ancora in corso.

Quando dieci anni fa giunse inaspettatamente la notizia della prematura scomparsa di Donna Summer a soli 63 anni, di colpo i dancefloor di tutto il pianeta interruppero i suoni elettrizzanti e le luci stroboscopische. La disco music aveva perso la sua regina. Voce potente e poliedrica come poche nel panorama musicale, nell'arco di quasi 4 decenni la superstar afroamericana originaria di Boston vende più di centocinquanta milioni di dischi, vince 5 Grammy, un Oscar e ottiene una valanga di premi e dischi d'oro e di platino in ogni parte del globo. Sovrana del dancefloor, ma anche iconica diva della musica pop, la Summer incarna l'intramontabile colonna sonora degli anni '70 con una pletora di mega-hits da lei stessa scritti insieme al duo di produttori e musicisti Giorgio Moroder e Pete Bellotte: dalla sensuale Love To Love You Baby alla futuristica I Feel Love passando per gli evergreen Last Dance, Hot Stuff e Bad Girls, tra gli altri. Ma c'è di più. Le radici artistiche della cantante risalgono all'epoca hippie tra rock psichedelico e musical teatrali in quel di Monaco di Baviera dove, alla fine degli anni '60, Donna inizia la sua ascesa verso il successo che la porterà a collaborare nel tempo con nomi come Barbra Streisand, Quincy Jones, Bruce Springsteen e David Foster. Incontrastata regina della disco music, genere poliritmico e rivoluzionario da lei stessa ancor più nobilitato, Donna Summer, trascendendo etichette e stilemi musicali, diventa una caposcuola per le generazioni di artisti che si succedono dagli anni '80 fino ai giorni nostri. Non una mera biografia, il vo

Questo volume, realizzato in sinergia con docenti dell'Accademia e dell'Università, è stato ideato dall'Autrice come un laboratorio di documentazione e approfondimento attraverso cui ricostruire il percorso artistico, creativo, didattico e imprenditoriale di Jia Ruskaja, la celebre danzatrice russa che fondò l'Accademia Nazionale di Danza. Sono infatti toccate tutte le linee su cui quel percorso si dipanò, dalle esperienze interpretative e coreografiche presso il Teatro degli Indipendenti nella Roma dei primi anni Venti, ai progetti didattici che via via approdarono alla Regia Scuola di Danza (1940), all'Accademia Nazionale di Danza (1948), quindi alle strategie per l'affermazione di quest'ultima sul piano nazionale e internazionale, fino alla creazione di un originale sistema di notazione del movimento (Orchesticografia-Scrittura della danza). Un ampio e innovativo spazio è dato alla parte artistica, ossia alle composizioni coreografiche e all'Orchestica, cosicché il lettore possa addentrarsi nella dimensione poetica ruskajana. A questo scopo, il volume fa luce - attraverso una documentazione iconografica e filmica messa a confronto con le descrizioni delle danze pubblicate nei programmi di sala - sugli aspetti fondanti dell'estetica ruskajana, quali la visione complessiva di stampo registico, la sensibilità per il colore e la luce, la percezione profonda del suono, l'"espressione che viene dal di dentro", senza dimenticare lo sguardo rivolto al rapporto tra la danza e le altre arti. Lungimirante per l'Italia fu la concezione della sua Scuola come "scuola aperta" dal forte

Il volto e la voce di Maria Callas sono icone del Novecento. In occasione del centenario della sua nascita, il mito della "Divina Callas" rivive in questa nuova edizione ampliata del volume di Crico. È il racconto avvincente di un'incredibile carriera, da giovane cantante greca di talento a diva di prestigio mondiale, di un'esistenza leggendaria, trascorsa tra l'amore viscerale del pubblico e gli amori sfortunati della vita privata, tra le sorridenti passerelle del jet-set e le inquiete fragilità vissute lontano dai riflettori.

Nato a Napoli, Giuseppe Picone è entrato giovanissimo alla scuola di ballo del Teatro San Carlo. Lì, infaticabilmente sostenuto dal maggiore dei suoi fratelli, Lello, ha mosso i primi passi di una lunga ed eccezionale carriera, a cominciare dall'importante ruolo affidatogli quando aveva solo dodici anni: quello di Nizinskij fanciullo in un balletto interpretato da Carla Fracci, Vladimir Vasil'ev ed Éric Vu-An, con la regia di Beppe Menegatti. Un'esistenza, la sua, da sempre vissuta in nome della danza: ed eccolo raccontare finalmente ai lettori - anche attraverso un ricco repertorio fotografico - la sua formazione, la carriera ultratrentennale trascorsa per buona parte in giro per il mondo (dal Ballet National de Nancy all'English National Ballet, all'American Ballet Theatre), i tanti balletti danzati, gli incontri con i grandi coreografi e con alcuni straordinari compagni di lavoro. Ma, con la stessa amabile schiettezza che caratterizza tutto il racconto, Picone non si ritrae dal ricordare anche i momenti travagliati del suo lungo percorso artistico: come quello della lunga degenza a New York che ha messo a repentaglio la sua carriera, o la difficile direzione del corpo di ballo del San Carlo, incarico che ha svolto dal 2016 al 2020. Con queste pagine, una delle nostre étoiles più luminose consegna a tutti gli appassionati un diario di vita che, "a passi di danza", li affascinerà per la varietà e la verità dei suoi tanti accadimenti, sopra e fuori il palcoscenico. Prefazione di Beppe Menegatti.

Dopo la Rivoluzione d'ottobre (1918), le autorità sovietiche cercarono di assoggettare anche la danza e il balletto - come tutte le arti - ai loro propositi di rivoluzione culturale e rieducazione delle masse. Le pressioni ideologiche, però, non spensero la creatività di coreografi, danzatori e musicisti. Piuttosto, furono l'innesco di un fermento che negli anni e nei decenni successivi li avrebbe portati a sviluppare nuovi linguaggi espressivi, oltre ad arricchire di nuove messe in scena il patrimonio classico. Questo volume prende le mosse dalle avanguardie antiaccademiche degli anni Dieci e Venti, per addentrarsi poi nella grande stagione del drambalet, il balletto drammatico che declinava in danza il realismo socialista e che sarebbe sfociato nel capolavoro Romeo e Giulietta (1940) di Sergej Prokof'ev, coreografato da Leonid Lavrovskij. Da lì, lungo gli anni del dopoguerra e del "disgelo" subentrato alla morte di Stalin, l'autore rintraccia percorsi e protagonisti della danza russa del secondo Novecento: dal fondamentale apporto di Jurij Grigorovich, per quasi un trentennio direttore del balletto del teatro Bol'soj, alle tournées che in Occidente celebravano étoiles straordinarie come Galina Ulanova, Maja Pliseckaja, Ekaterina Maksimova e Vladimir Vasil'ev. Ed è in Occidente che il racconto si conclude. In particolare a Parigi, città simbolo di quella caratteristica "migrazione" che sin dal primo Novecento vide molti talenti russi espatriare alla volta di nuove e più libere ribalte espressive. Nella Ville Lumière, il genio creativo di Sergej Djagilev, Vaclav Nizinskij,

Per questa raccolta, che omaggia la letteratura italiana, Philippe Vilain ha chiesto ad alcuni scrittori francesi di raccontare l'autore italiano che ha più inciso sull'evoluzione della loro scrittura, contribuendo ad alimentarne la pratica e l'immaginario. Da Dante a Buzzati, da Casanova a Bianciardi, a Calvino e altri, ripercorriamo dieci secoli di cultura italiana, dal Medioevo a oggi. E riscopriamo lungo le pagine di questo volume, attraverso gli occhi degli scrittori d'oltralpe, autori italiani noti e meno noti, come l'italo-ucraino Giorgio Scerbanenco, maestro del romanzo noir italiano degli anni Settanta, la politicamente impegnata Natalia Ginzburg o Vittorio Alfieri, uno dei pionieri della scrittura autobiografica. Attraversiamo Napoli alla ricerca di Elena Ferrante per poi tornare a Torino sulla scia del fantasma di Pavese, magnificamente descritto da Pierre-Louis Basse; e ascoltiamo Pierre Adrian evocare Pasolini, scrittore con cui la sua opera è in continuo dialogo.

Francesca e Flavia, poco più che trentacinquenni, s'incontrano per caso a Venezia, in una galleria d'arte. Francesca è una fotografa professionista dalla vita tormentata e dal carattere ispido. Flavia, pittrice di azulejosazulejos stabilitasi a Lisbona, sembra l'esatto opposto, con il suo sorriso dolce e l'eterno cappello di paglia ornato da un nastro azzurro. A unirle, nonostante i temperamenti diversi, la passione per l'arte insieme a qualcosa di molto più profondo: lo stesso senso di solitudine e di sradicamento, la stessa vorace fame d'amore. Il singolare rapporto tra loro - fatto di una curiosità e di un'attrazione che le sorprende e le avvince - si sviluppa tra gite in laguna e soggiorni portoghesi, in un mix inebriante di odori e colori. Ma l'incanto ha durata breve, e tra le crepe di una relazione via via più conflittuale affiorano i segni di un passato inquietante, in cui sembrano giocare un misterioso ruolo anche una polaroid scolorita e il tatuaggio di una farfalla sul collo di Flavia. In un crescendo narrativo sempre più incalzante e serrato, a metà tra noir e romanzo psicologico, la quotidianità di Francesca e Flavia si sgretola piombando in un vortice di follia e di sgomento, sino a un folgorante epilogo dal quale nessuna delle due uscirà indenne.

Claude Simon conosceva bene il Jardin des Plantes, del quale percorreva i sentieri quasi ogni giorno quando era a Parigi. È anche un luogo unico, con il Museo, il Giardino alpino e il serraglio, che riuniscono migliaia di minerali, piante e animali in uno spettacolo diverso per ogni visitatore e per ogni visita. Altrettanto esuberante e sorprendente è la geografia della memoria tratteggiata in questo romanzo, che non a caso intitola al celebre orto botanico parigino i frammenti sparsi della vita di un uomo nel corso di un secolo, ai quattro angoli del mondo. Ma sebbene Simon ne sia l'autore, e ogni ricordo tragga origine dalle sue esperienza di vita, Il Jardin des Plantes non è un'autobiografia in senso proprio. Il suo obiettivo non è raccontare una storia, ma trasmettere una serie di sensazioni attraverso le immagini che vengono richiamate alla memoria del narratore. Che si tratti di minuzie quotidiane, di brani di romanzi o delle sconcertanti esperienze di guerra e di morte, i ricordi di Simon si susseguono frammentari e apparentemente sconnessi, insofferenti alle convenzioni comuni in tema di narrazione e abili invece nella divagazione estemporanea e nella simultaneità - resa anche graficamente dalla peculiare impaginazione di molte sue pagine. Di volta in volta taccuino di viaggio, diario o romanzo storico, Il Jardin des Plantes - sinora inedito in Italia - si offre alla lettura con il vivido dinamismo di un film che procede e poi arretra, interrompendosi e ricominciando a seconda della natura stravagante o terrificante degli episodi rievocati. E non stupisce che sia lo

Quando Bill Gates fondò la Microsoft insieme all'amico Paul Allen, nel 1975, aveva solo 19 anni. Nel corso della sua carriera, Gates è stato progettista software capo e ha ricoperto posizioni dirigenziali di alto livello, oltre a essere azionista di maggioranza alla Microsoft fino al 2014. Questo volume ne ripercorre i passi, e analizza la tecnologia alla base della rivoluzione informatica innescata da Gates e i suoi effetti sul mondo, nonché i modelli e le strategie imprenditoriali che l'hanno reso l'uomo più ricco del mondo.

Amato, studiato e omaggiato da registi di culto come Truffaut, Wenders, Almodóvar e Scorsese, Johnny Guitar è un film che per fortuna sfugge al culto dei musei, non invecchia e a più di settant'anni dalla prima visione sa ancora parlare al pubblico contemporaneo con temi sempre all'ordine del giorno (l'intolleranza, il culto della sopraffazione, la democrazia messa a rischio). Un western misterioso e stravagante, ma anche liberatorio, anarchico, votato all'utopia, segnato dai veleni del contesto politico in cui prendeva forma (la guerra fredda, il maccartismo) ma soprattutto dalla feroce determinazione della protagonista, Vienna (Joan Crawford), che non cessa di evocare la sua voglia di futuro malgrado sia odiata, perseguitata e messa ai margini. Un destino, il suo, che assomiglia in parte a quello del regista del film, Nicholas Ray, sempre incapace di trovare un accordo con i produttori e di conseguenza destinato a perdere la partita col diavolo (il successo, il denaro) ancora prima di giocarla. Johnny Guitar è un western che ha poco a che fare con le regole del genere ma con dentro, vivissima, la fiamma della magia del cinema.

Questo volume è la nuova edizione riveduta, perfezionata e notevolmente ampliata di un testo - già da molti anni esaurito - sulle interrelazioni estetiche, psicologiche e percettive tra musica, immagine e racconto filmico. Cosa succederebbe se provassimo ad eliminare dal film Lo squalo di Spielberg il tema musicale composto da John Williams, che si presenta in coincidenza di ogni attacco del predatore? O magari il brano strumentale Unchained Melody nella scena del film Ghost di Zucker in cui Patrick Swayze abbraccia Demi Moore intenta a modellare la creta al tornio? Scopriremmo certamente quanto va perduto in termini non solo di significato delle immagini e del racconto cinematografico, ma anche del nostro coinvolgimento emozionale. In due ampi e strutturati capitoli e con l'ausilio di moltissimi esempi (da Lezioni di piano a Il grande dittatore, da Woody Allen a Peter Greenaway), La musica nel cinema scandaglia proprio questi aspetti, ovvero da un lato la straordinaria capacità del linguaggio musicale di sottolineare, potenziare e arricchire di significato la narrazione filmica, dall'altro quella di influenzare e addirittura trasformare lo stato d'animo degli spettatori. Il secondo capitolo del volume propone anche una sintetica disamina delle funzioni che la musica ha svolto all'interno della società e della cultura occidentali, alcune delle quali particolarmente rilevanti in rapporto al cinema: ad esempio, la funzione narrativa, che sin dagli anni Trenta del XX secolo si è ridefinita proprio nella musica per film, con il compito fondamentale di sostenere l'unità del racc

Nato dal desiderio di «raccontare un bullo di periferia e costruire su di lui l'intero film», il sesto film da regista di Carlo Verdone aggiorna il celebre Nando Mericoni di Un americano a Roma allo stile metallaro degli anni Ottanta, decennio che nelle sale cinematografiche vede il dominio indiscusso dei muscoli e degli sguardi truci di Rambo e Terminator. Ma non basta certo un poster taroccato di Stallone per trasformare un "bambacione" in un vero duro. Unico scartato per il casting del film americano I figli del pianeta nero, il protagonista Oscar Pettinari (Verdone) medita vendetta per l'onta subita. E la trova, o quasi, per mezzo del sedicente avvocato Giangiacomo Pigna Corelli in Selci (Alberto Sordi), tipo stralunato che lo convince a truffare il produttore americano simulando un incidente stradale. Il piano potrebbe riuscire, se non fosse per l'inaspettato coinvolgimento della bella Nancy, la protagonista femminile del film in lavorazione... Amato dal pubblico più di quanto lo sia stato dalla critica e dal suo stesso autore (poco soddisfatto soprattutto della recitazione di Sordi), Troppo forte viene ripercorso da Franco Ferrini con dovizia di particolari sulla sua ideazione e realizzazione, e con un dettagliato resoconto della trama in parole e fotogrammi. Un sapido racconto di cinema che comprende un'intervista esclusiva a Carlo Verdone e offre all'autore anche l'occasione per rievocare alcune delle figure variamente coinvolte nel film: dal comprimario Sordi ai co-sceneggiatori Sergio Leone e Rodolfo Sonego, dal produttore Augusto Caminito al caratterista Mario Br

Il teatro, i film, la vita. L'attore e il regista. Vittorio De Sica, autore di capolavori indimenticabili della storia del cinema e protagonista dello star system internazionale, è stato un insuperato direttore di attori: nei suoi film spiccano interpreti come Sophia Loren e Marcello Mastroianni, Peter Sellers e Shirley MacLaine, Faye Dunaway, Richard Burton e tanti altri. A 50 anni dalla sua morte (avvenuta in Francia il 13 novembre 1974), l'opera di De Sica è ancora ricca di stimoli e sorprese, e offre la possibilità di approfondire e apprezzare ulteriormente un artista che tra luci e ombre ha segnato lo spettacolo e la cultura del XX secolo. Nei confronti di De Sica, di volta in volta si è parlato di "tradimento" (rispetto al neorealismo), di "sbandamento" (l'irruzione del fantastico in "Miracolo a Milano" e "Il giudizio universale"), di "bulimia professionale" (troppi film "alimentari"), ma soprattutto si è discusso a lungo sul connubio artistico De Sica-Zavattini, su quanto ci fosse dell'uno e quanto dell'altro nella qualità di certi risultati, dove a volte era il regista ad apparire in secondo piano. Una vera ingiustizia, e non è un caso che, più dei critici, siano sempre stati i registi ad amare ed esaltare De Sica. In primis Charlie Chaplin, che si riconosceva fratello di quel cinema e di quei film; e poi Orson Welles, René Clair, Jacques Becker fino ad Abbas Kiarostami, Steven Spielberg e intere generazioni di autori. Di certo, con la sua opera, Vittorio De Sica ha influenzato molti artisti e ha aperto strade che sembravano impraticabili. Come scrive René de Ceccat

"Frankenstein Junior" appartiene di diritto alla collana "I migliori film della nostra vita", semplicemente perché è un film che appartiene alla vita di tutti. È il film di chi ama ridere di gusto, di chi apprezza le parodie e le commedie, di chi adora il cinema americano degli anni Settanta, degli anni Trenta e di tutto quello che è successo nel mezzo, di chi è nostalgico e un po' rétro, del cinefilo e del fan divertito dell'horror. Frankenstein Junior non è solo un film nato dalla fervida capacità di rielaborazione di Gene Wilder e Mel Brooks: è stato il compagno di viaggio di molti. Un amico verso il quale si prova un affetto viscerale, talvolta accantonato ma capace di riaccendersi con un'improvvisa scintilla che scatta al citare di una frase o nel vedere un'immagine vestita di un inconfondibile bianco e nero. Frankenstein Junior è il lavoro che forse ha meno bisogno di essere analizzato, perché non c'è niente di peggio che spiegare una battuta divertente. Questo libro chiede soltanto di intraprendere un percorso condiviso, per ridere insieme, riflettendo su alcuni aspetti e sottolineandone altri, sul filo del tempo che fu.

Punto d'arrivo della carriera di Ettore Scola e della commedia all'italiana d'autore, "C'eravamo tanto amati" è uno dei film italiani più amati in Italia e nel mondo, straordinaria opera corale cui concorrono l'eccellenza della regia, della sceneggiatura, della musica e della recitazione. Al di là del suo valore cinematografico, è anche una cavalcata comica e insieme amara, quasi chapliniana, attraverso trent'anni di storia, dalle illusioni dell'immediato dopoguerra alle delusioni dell'era democristiana, e un omaggio dichiarato e sentito agli anni d'oro del cinema italiano. Nel cinquantenario della sua uscita, questa monografia ne ricostruisce la genesi, ne ripercorre la storia e le storie, accompagna il lettore scena per scena grazie a un vasto e gustoso corredo di testimonianze, aneddoti, curiosità, e a centinaia di fotogrammi, in modo da fornire un ricordo a chi con questo film è cresciuto e uno stimolo ai giovani di oggi, che possono ancora trarne importanti insegnamenti di cinema, di storia e anche di vita.

Gian Maria Volonté non è stato un attore come gli altri. Che incarnasse figure storiche antiche e recenti (Giordano Bruno, Aldo Moro, Enrico Mattei) oppure personaggi frutto della creatività degli autori o della sua stessa inventiva (l'operaio Lulù Massa, il "Dottore" fascio-schizoide, il crudele criminale Ramón Rojo), in tutti i suoi ruoli ha saputo dar vita a metamorfosi sorprendenti, ben al di là della mera partecipazione estetica: un risultato espressivo al quale l'attore approdava immergendosi ogni volta in una profonda esperienza interiore. Alfiere coraggioso del cinema politico in un'epoca di grandi conflitti sociali, Volonté ha percorso la sua strada accompagnato da uno stuolo di registi che, insieme a lui, hanno reso grande la cinematografia italiana in patria e all'estero: Elio Petri, Giuliano Montaldo, Francesco Rosi, Damiano Damiani, Paolo e Vittorio Taviani, Mario Monicelli, Marco Bellocchio, Carlo Lizzani, Sergio Leone, Francesco "Citto" Maselli, Nanni Loy, Gianni Amelio, tra gli altri. Il suo approccio al mestiere di attore era simile a quello dello scultore, che di fronte al marmo informe ha un solo modo per dargli identità: "scordarsi di sé" e farsi marmo lui stesso. Volonté non "si cala nel personaggio", lo diventa. Anzi, lo è. «Recito, dunque sono».

Questo volume straordinario ci invita a ripercorrere la carriera del premio Oscar Kevin Costner (sette statuette per Balla coi lupi, suo esordio alla regia, nel 1991) attraverso una prospettiva inconsueta e particolarmente illuminante: quella offerta dalle sue stesse parole, grazie alle interviste rilasciate alla giornalista e amica Silvia Bizio in quasi quarant'anni di incontri e conversazioni sul suo cinema. Costner ci racconta così genesi e sviluppi di ognuno dei suoi film: dall'idea iniziale ai finanziamenti, dagli incontri-scontri con i produttori alle difficoltà sul set (come nel kolossal acquatico Waterworld), ai motivi dietro le scelte stilistiche o tematiche. Condivide anche il suo punto di vista sul mestiere di attore e di regista, sull'America contemporanea e le ombre del suo passato - a cominciare dalle violenze sulle comunità native durante la conquista del West, tema particolarmente caro alla sua ispirazione di cineasta. Il volume si sofferma su tutti i film più significativi della carriera di Costner, a partire da Fandango (1985) fino alla monumentale saga western di Horizon - An American Saga, che ha recentemente segnato il suo ritorno sul grande schermo in qualità di attore, regista, co-sceneggiatore e produttore. Splendide foto di scena, cui si accompagnano gli affascinanti artwork dell'artista brasiliano Thobias Daneluz, arricchiscono il racconto di questa carriera hollywoodiana così poco incline alle mode mainstream.

Il romanzo di Harper Lee dal quale è tratto Il buio oltre la siepe è uno dei più letti di sempre, e il film uno dei più visti. L'autrice analizza non solo i legami tra la pellicola e la fonte letteraria, ma anche il contesto storico e sociale in cui sono stati concepiti (gli Stati Uniti degli anni Sessanta) e ambientati (l'Alabama degli anni Trenta); dall'America del movimento per i diritti civili degli afroamericani a quella delle leggi Jim Crow dall'altro. Ma Il buio oltre la siepe è anche una delle più belle storie sul rapporto tra un padre e la propria figlia, una fiaba che non cessa di incantare e istruire allo stesso tempo.

Questo volume straordinario ci invita a ripercorrere la carriera del premio Oscar Kevin Costner (sette statuette per Balla coi lupi, suo esordio alla regia, nel 1991) attraverso una prospettiva inconsueta e particolarmente illuminante: quella offerta dalle sue stesse parole, grazie alle interviste rilasciate alla giornalista e amica Silvia Bizio in quasi quarant'anni di incontri e conversazioni sul suo cinema. Costner ci racconta così genesi e sviluppi di ognuno dei suoi film: dall'idea iniziale ai finanziamenti, dagli incontri-scontri con i produttori alle difficoltà sul set (come nel kolossal acquatico Waterworld), ai motivi dietro le scelte stilistiche o tematiche. Condivide anche il suo punto di vista sul mestiere di attore e di regista, sull'America contemporanea e le ombre del suo passato - a cominciare dalle violenze sulle comunità native durante la conquista del West, tema particolarmente caro alla sua ispirazione di cineasta. Il volume si sofferma su tutti i film più significativi della carriera di Costner, a partire da Fandango (1985) fino alla monumentale saga western di Horizon - An American Saga, che ha recentemente segnato il suo ritorno sul grande schermo in qualità di attore, regista, co-sceneggiatore e produttore. Splendide foto di scena, cui si accompagnano gli affascinanti artwork dell'artista brasiliano Thobias Daneluz, arricchiscono il racconto di questa carriera hollywoodiana così poco incline alle mode mainstream.

L'omaggio al film più arrabbiato e allo stesso tempo divertente di J. Carpenter, che nel tempo è diventato un «cult movie». Oltre 200 immagini a colori ripercorrono il film, la sua genesi e l'accoglienza da parte del pubblico e della ctitica.

Vertigo è uno dei film più studiati di sempre, non dovrebbe avere più segreti... L'autore ci svela invece come accanto a quella tradizionale esista un'interpretazione alternativa, e lo costruisce e decostruisce, analizzandolo in rapporto a cinema, letteratura, musica e pittura di ieri e di oggi.

Stati Uniti, 1988: Ronald Reagan è presidente, George Bush Senior sta per succedergli, la Guerra fredda è agli sgoccioli, il libero mercato trionfa, e nelle sale esce un film di fantascienza a basso costo con un titolo enigmatico e un wrestler per protagonista. Quello che all'epoca era solo un piccolo film indipendente e bizzarro sarebbe diventato un vero e proprio oggetto di culto, grazie alla sua capacità di catturare l'essenza del contesto culturale e politico degli anni Ottanta e denunciarne l'edonismo, il capitalismo sfrenato, l'individualismo spietato. Il film è "Essi vivono" di John Carpenter, regista che mai aveva affrontato temi esplicitamente politici ma che, infuriato per la deriva neoliberista presa dagli Stati Uniti, decide di lanciare un grido d'allarme sulla contemporaneità. Questo libro è un viaggio all'interno del film più arrabbiato e allo stesso tempo divertente di Carpenter, regista poliedrico che qui accantona la ricerca sull'universalità del male per concentrarsi sulla sua concretezza nella società in cui viviamo. «Essi vivono, noi dormiamo» recita una delle frasi chiave del film. Chi sono "Essi", e chi siamo "Noi"? Cosa distingue il sonno dalla veglia, gli umani dagli alieni, i buoni dai cattivi? Cosa si nasconde dietro il velo dell'illusione creato dai media? Seguendo i protagonisti Nada e Frank, il volume cerca di rispondere a queste domande, rilevanti oggi come allora, esplorando il film attraverso il contesto sociale, culturale e cinematografico che l'ha ispirato.