Nome di paese: Ascensione di Mario Santagostini è poema compatto sulla memoria e sulla ricerca della verità che permane e dell'appartenenza, che passa dalla sacralità laica dei luoghi. Con quest'opera Santagostini riafferma il suo stile inconfondibile e il suo canone, legato a una fenomenologia dell'osservazione e al riepilogo di realtà esistenziali, che di fatto ritornano a essere esperienza e condizione percettiva di un percorso poetico radicale. Ciò che è stato vissuto una volta è stato vissuto per sempre, ciò che è stato amato una volta è stato amato per sempre, così i morti sono tra i vivi, come figure enigmatiche ma interrogate e riportate a uno statuto di presenza.

Verso dove muove la furia visionaria di Marco Maraldi? L'oltrepassamento, che costituisce il movimento essenziale del libro, non ha la leggerezza del viaggio o il compiacimento del tentativo introspettivo. L'oltrepassamento chiede di estinguersi in una figura che lo ricapitoli; Maraldi non fa che pensare l'éschaton che compie un destino. Né fato né disgrazia, il finire coincide con il disvelamento del senso del destino o con la scoperta del suo nulla. [...] L'impressione è che non esista un soggetto empirico - un io, una biografia, una esistenza. Esiste solo un soggetto assoluto che tratta l'esistenza e il mondo come forme sacrificate perché ascendano al loro silenzio. [dalla prefazione di Lorenzo Chiuchiù]

Algoritmo della percezione, opera d'esordio di Francesco Antonio D'Aniello, si interseca tra due voci attoriali, tra presenza e assenza, dimostrando consapevolezza d'immagine, potenza di rappresentazione e tecnica date di frequente in sovrimpressione. Introversa, tacita, spesso implicita è la nozione della coscienza dell'aver amato e dell'esserci stato, che si snoda tra la clausura introspettiva e la tensione relazionale, tra il tempo divino e il tempo terrestre.La trasfigurazione mitologica dell'infanzia passata, l'accettazione della perdita del padre e la reazione titanica contro ciò che è ineludibile sono i temi che imbastiscono le fondamenta del poema, costruito attraverso un linguaggio ricercato ritmicamente e metricamente, sommosso e, al tempo stesso, talvolta adagiato sul non detto.

L'armonia del tre di Marco Crestani è un lavoro che coinvolge tessuti narrativi apparentemente slegati tra loro, istantanee fotografiche che catturano l'essenza di un'idea penetrando la complessità del reale. Tre elementi costituiscono il nucleo minimo necessario per generare una tensione concettuale feconda: mentre una coppia rischia di produrre una sterile polarizzazione binaria, la triade offre un equilibrio dinamico che previene sia la banalità della semplificazione che il caos dell'eccesso informativo. Attingendo a una cultura profonda e con linguaggio fruibile al grande pubblico, Crestani propone cinquantaquattro saggi brevi su argomenti eteromorfi - dalla musica alla letteratura alla sociologia fino all'evoluzione scientifica - accomunati da un processo ermeneutico che fonde generi e discipline in un crogiolo creativo che conduce a riconoscere somiglianze là dove sembra che non possano esistere elementi comuni.

L'assente di Fabio Prestifilippo è poema che si costruisce per paradossi, in cui l'attore principale è la parola che prende il corpo, che si fa corpo: la quotidianità, il sesso, il corpo malato, il corpo giovane, il corpo dipendente. L'allontanamento progressivo della parola dal corpo, nella visione dell'autore, ha infatti neutralizzato il potere comunicativo del linguaggio che, in questa accezione, diventa pura astrazione senza più terra. La poesia si fa così simultaneamente una forma di resa al linguaggio come concetto e il tentativo di scardinare i suoi paradigmi, in virtù di un riavvicinamento al reale del corpo, alla materia.

Come scompaiono i calendari di Nico Serratore è un poema, diviso in due sezioni, incentrato sui temi della fuga e del ritorno da sé e in sé, che nel processo simmetrizzante della poesia risultano infine identici: il tempo ordinario appare parallelo al tempo dell'arte, il ricordo si sovrappone alla produzione di immagini, il confine tra interno ed esterno si sbriciola. Scrive Gianpaolo G. Mastropasqua nella prefazione: «Come scompaiono i calendari non rappresenta solo l'opera prima in poesia di un autore eclettico, quanto un'indagine in versi sul mistero del tempo, la ricerca dell'incontro nelle dimensioni del Chrònos e del Kairòs, un sentiero nel tempo musicale e in quello spirituale, un tentare il tempo senza tempo che è il raggiungimento e l'estasi immaginifica della Poesia».

Anni in testacoda di Massimo Cecchini è un poemetto legato alla memoria e alla meditazione sul vissuto, nel quale il linguaggio si fa speculare alla vita. Un'analisi introspettiva tradotta in versi e portata avanti gestalticamente, una sorta di consuntivo parziale in cui spiccano la misura, la cadenza meditata, il tono riflessivo tradotto in relazioni antifrastiche: stato verso stato, cosa verso cosa. Cecchini in quest'opera si discosta dalla scrittura giornalistica e decide di attraversare i temi del tempo che si sgretola e delle parole che si spezzano, del viaggio come corpo del mondo e del corpo che si fa vettore dell'aver amato anche le imperfezioni.

Finzione di Luis Danieli è un divertissement, ma pure una forma di protesta contro tipi di scrittura che parlano solo dello scrittore e non esistono in sé. La lingua viene da un altro tempo ma non è epigonale, non ricalca stili leopardiani, non scimmiotta: è coesa e compatta in sé. Ché la poesia è anche, ma forse soprattutto nei suoi esiti finali, applicazione matematica al linguaggio, rigore estremo, struttura formalmente codificata ed è in questo punto principiale che Danieli si colloca con la sua opera prima e una formazione prettamente economica, quindi matematica, quindi forse superiore a molte divagazioni letterarie. Quasi un atto eroico, addirittura prometeico: sfidare la convenzione, lo scorrere del tempo, l'evoluzione della lingua: restare fermi in un tempo che non è più, come se fosse sospeso. Per dimostrare cosa? Per dimostrare che la parola poetica è sacra, dunque sovratemporale. Quasi uno scherzo, per dimostrare che si può stare nel lusso della scrittura poetica senza perdere un colpo, nell'assenza d'ogni personalismo, d'ogni retorica che non sia figurativa, che non sia figura.

'Dal tempo qui raccolto' è una conversazione tra Antonio Prete e Carla Saracino, che si articola in due momenti narrativi, due tempi tra loro distanti: il primo movimento è del 2006 e il secondo movimento del 2022-23. Attraverso l'espediente dell'intervista condotta da Carla Saracino prende forma e si definisce il cammino di ricerca di Antonio Prete, ponendo l'attenzione su quelle che da sempre sono le ragioni del dire poetico: il tempo, perduto e ritrovato, vissuto e sospeso, come pure la lontananza e la nostalgia, il teatro dell'interiorità, l'attesa, il ricordo, il visibile e il confine con l'invisibile, la lingua della poesia, la traduzione, l'interrogazione di un tempo tragico e la luce che filtra all'orizzonte. «Si tratta - come scrive Carla Saracino nella premessa - di un corrispondersi nell'ascolto, di un viaggio ermeneutico»: una conversazione che, indugiando sulle forme e le stazioni di un'esperienza intellettuale, è incontro, scambio, riflessione intorno alle domande dell'epoca che più importano.

The Uncanny Lens è libro fotografico che accompagnerà l'esposizione di 60 opere degli artisti Joel-Peter Witkin e Roger Ballen presentate al pubblico internazionale in esclusiva assoluta, con la curatela di Fortunato d'Amico e sotto la direzione artistica di Fulvio de Pellegrin e Paolo Dolzan. Le fotografie sono corredate dall'intervento di critici d'arte e filosofi: Sergio Fabio Berardini, Alessio Caliandro, Fortunato D'Amico, Fiorenzo Degasperi, Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan, Sergio Poggianella, Mauro Zanchi, Michelangelo Zizzi. La distanza tra Joel-Peter Witkin e Roger Ballen è forse solo una coordinata geografica che individua i luoghi del loro operare (Witkin in USA e Ballen in Sud Africa), dato che entrambi esprimono con l'arte gli aspetti più oscuri della condizione umana e questo progetto offre al pubblico l'eccezionale opportunità che dischiude un dialogo privato instaurato tra i due artisti. Le opere selezionate dagli stessi autori condurranno il pubblico in un viaggio di luoghi interiori dove le affinità operative e formali proiettano la fotografia oltre i confini della documentazione, per diventare un potente strumento di esplorazione psicologica e sacrale.

'Tempo assediato' di Titos Patrikios è una raccolta di 12 poesie curata e tradotta da Maria Caracausi. Nei versi di Patrikios la memoria assorbe in sé il ricordo per farne cosa ulteriore. Il passo ben fermo sulla terra pianeggiante, la Grecia e l'eco della guerra, la giustizia quale punto cardinale di una ricerca lunga quanto la vita, ma anche l'amore declinato al plurale, un'affezione che è duplice nella sfumatura semantica, e l'infanzia, legata alla patria e ai nomi, che determinano e stabiliscono le forme, persino i modi. Qui c'è la storia dell'individuo che non si incastra perfettamente con la storia della collettività, poiché l'uomo col suo vissuto e la sua integrità ha valore superiore a quello delle folle, che per loro natura non hanno volto né identità. Qui c'è l'uomo che attraversa la Storia e ci sono le storie dell'uomo che sovra significano il tempo. Un libro di grande livello che riconferma il marchio inconfondibile di Patrikios.

Sarebbe già complicato così, barcamenarsi con una sola coscienza, spesso rasentando lo squilibrio, ma proporsi di gestirne addirittura due, la propria e quella della persona con cui ci s'appariglia, è un'impresa ai limiti della temerarietà, opera destinata a essere greve e buffa, un acciabattamento sull'orlo dello scivolone. Sono queste prodezze incongrue allo stupidimento (frainteso per finezza d'intelletto singolare), all'indolenza morale, all'impenitente egocentrismo oltreché alla fiacchezza di membra. Ai consorti Nunzio Coppolone e Gilberta Arbizzola spetta e tocca l'azzardo di far combaciare le proprie tessere; tentativi tanto imperfetti quanto necessari, una sfida alla quale non si è mai del tutto attrezzati. Ecco le biografie che attraversano la Storia e la Storia che diviene poca cosa o cosa da poco di fronte all'epos dell'uomo. Col suo secondo romanzo Riccardo Fiore riconferma una prosa complessa e articolata, infarcita di ironia pungente e sottile comicità, offrendo al lettore un connubio perfetto tra stile, narrazione e sovrasignificazione simbolizzata.

Se giuri sull'arca di Mattia Tarantino è poemetto dal ritmo profetico, che sta sempre tra impostura e rivelazione. Ed è sulla profezia che la lingua si fa rarefatta ma necessaria; quasi lingua d'uccelli, d'avventori momentanei e casuali, di estinti fonemi riattivati; una nervatura passionale (quasi impensabile, laddove ogni passione pare ristretta e asciugata), esistenziale, che apporta al campo poetico l'impensabile della raffigurazione. Perché questa è poesia dell'irrappresentabile, dell'ingiudicabile condizione di essere prima o di essere dopo nel linguaggio. Tarantino, infatti, esiste come un'impalcatura a priori sul segreto generativo della poesia. La preveggenza del verso è sempre una coscienza di esso, il cui fine è un atto recitante senza freni. Siamo quasi al modo di Mallarmé che indìce un'algebra numerologica, cabalistica, alfabetica, riconoscendo alla testualità la sua preesistenza (al modo delle idee di Platone) e la sua posticipazione al modo del fatto, del fato, al modo tipografico. Nel punto liminare di ogni interpretazione possibile restano soltanto il presumibile, il terrore, il ritorno. [dalla prefazione di Michelangelo Zizzi]

Un insegnante riceve i polmoni da un uomo appena morto: da allora la sua vita cambia e in modo apparentemente casuale prende il posto un tempo occupato dal padre del donatore: diventa guardiano della Diga da cui prende avvio il Canale Vacchelli, che si stacca dall'Adda in località Bocche di Marzano e percorre le campagne di Crema e di Cremona. Nella casa di Bocchi che gli è stata assegnata dal Consorzio Irrigazioni Cremonesi, il nuovo guardiano rinviene un dizionario, un manuale di letteratura, quaderni scolastici e no. Incrociando le testimonianze fornite da questa scarna documentazione e sopperendo alle lacune, talvolta con notizie fornite da testimoni orali, talaltra con ipotesi narrative che si collocano lungo il confine tra verosimiglianza e desiderio, il narratore ricostruisce in modo necessariamente parziale la modesta epica di una famiglia che ha vissuto una parte fondante della propria esistenza là dove il Canale nasce. I quaderni del Canale è un romanzo sulla genealogia, sul riconoscimento dello stato anteriore che frantuma il simbolo per farne segno. Segno che resiste al fiume in piena delle generazioni, al cambiamento di stato del mondo, come presidio di appartenenza.

Bilanciamento del bianco, la prima opera poetica in lingua italiana di Oana Pughineanu-Oricci, è uno strappo sui processi che generano i flussi del linguaggio ordinario, una plusvalenza sulla lingua, che qui non è lingua madre. La parola è scarnificata, ossuta, prosciugata. E la poesia che prende forma divide il tempo tra Essere ed esistere, riconoscendo attori e significanti e sconfinando talvolta nella prosa. L'autrice attraversa i terreni dissestati della malattia e della sofferenza come l'esule incolume e già in salvo. La raccolta ruota infatti attorno all'idea secondo la quale nei momenti di emergenza, durante le grandi manifestazioni di dissociazione fisica e psichica, avere una sorta di programma può diventare una stampella, un nido mentale, un rifugio per la sopravvivenza.

L'alzabandiera dei gatti castrati di Paolo Cervarich è un racconto lungo che si snoda sul filo del surreale, una commedia grottesca e ironica che mette in scena la psicologia dell'altro da sé, in un gioco delle parti fatto di sospensioni e di non luoghi, in cui l'ascolto non retorico è il massimo protagonista mai citato. Una sorta di breve manuale di educazione sentimentale in chiave narrativa, dove le molte sfumature della condizione umana si personificano, intrecciando dialoghi serrati e purtuttavia inabitati che danno forma e corpo all'insanabile diatriba tra anima e riflessi psicologici, tra sentimento ed emozione, in assoluta contrapposizione al fast food esperienziale del postmoderno.

Reticenze è una raccolta di settanta racconti brevi, settanta micronarrazioni che si esauriscono nell'arco di una o due pagine, incentrate sul concetto di disvelamento, su ciò che si vede e ciò che è nascosto. Settanta voci. Ciascuna con la propria storia di ossessioni, pericoli, paure. Ma anche di misteri e di visioni. In attesa di una verità. Dopo. Altrove. Le reticenze sono la negazione di un ordine compositivo; sono quel che si può intravedere nel chiaroscuro di una tenda, il gesto sotteso al dire e al non dire, la particola residuale dello stato di coscienza. Un affondo senza requie nel dettaglio del quotidiano, nel frammento in cerca di esatta collocazione, portato avanti con l'eleganza che caratterizza lo stile di Mauro Germani, fortemente intriso di poesia eppure ben saldo nel movimento cronografico della prosa.

'Via da questa arsura' di Antonio Tammaro è poema intriso della sacralità della terra, un canto composto agli dèi del sangue, che ogni cosa conoscono del ciclo generativo, rafforzato da inserti di dialetto molisano che affermano la necessità di stare anche nella tradizione della lingua locale, affinché le radici non si perdano. «È l'arsura dell'eccesso, la veemenza della carestia - scrive Isabella Bignozzi nella prefazione - che il poeta espone in questo lavoro crudo e proteiforme, nudo e barocco, la cui essenzialità si staglia via via durante la lettura come un rigore vertebrale sottilissimo: un'affranta, scabra serenata alla vita, una ballata d'arcaica magia. [...] Simbolo di una dolente totalità, che incede logorando la percezione, stremando l'intenzione; inducendo, nel buio perfetto della resa, un'oscura devozione all'inconoscibile».

Un romanzo visionario, in grado di creare senso di straniamento nel lettore, in cui non mancano elementi comici, come pure la capacità di leggere lucidamente il mondo contemporaneo. Dove gli occhi si fermano di Filippo Chiello è ambientato in una città futuribile e alienante, in cui il virtuale ha soppiantato il reale e i cittadini hanno rinunciato alla libertà in cambio della sicurezza e della protezione dello Stato, che li ricompensa con una vita facile e agiata. In questo scenario apocalittico, tra microchip impiantati e medicalizzazione ossessiva, si incontrano Orlando e Ulisse: il primo ribelle e politicamente scorretto, un reietto ai margini della società, sogna di ritrovare Clelia, l'unica donna che l'abbia capito; il secondo docile e idealista, disposto ad accettare ogni condizione pur di poter essere felice con la sua Futura, capirà a sue spese il grande inganno. Stritolati da dinamiche sociali e politiche sempre più opprimenti, si dibattono in dilemmi esistenziali che ne fanno emergere la loro profonda umanità. Si aggrappano all'amore, al sesso, alla solidarietà per ritrovare quell'orizzonte di senso che, a causa delle loro scelte o perché obbligati, hanno smarrito.

La croce simbolo universale di vita di Angelo Panico riassume, anche con apparato iconografico, i simboli e i segni che riguardano la croce. Infatti essa, pur essendo riconoscibile come culmine della passione di Gesù Cristo, ha antefatti pre-evangelici (si veda la sua presenza nella cultura egiziana, estremo-orientale, etc.) e diverse varianti. Riconoscente alla lezione di Guénon e di Eliade, Panico dimostra il significato ermetico di un simbolo universale: quando graficamente due linee si incrociano per angoli retti identificano un'animazione che va verso un centro, che è sempre ultrarazionalistico e che produce senso anche attraverso un'azione spirituale non data per mera esecuzione geometrica. Scegliamo di pubblicare questo lavoro a sette anni dalla morte dell'autore in omaggio alla sua intelligenza senza utilitarismo, alla sua sapienza senza dazi e alla sua capacità di orientare le coscienze di molti giovani, certi che possa ancora adesso rappresentare una guida spirituale e culturale rispetto a un'umanità avvilita dal principio di desacralizzazione.

Stati della materia di Martino Bosco è poema che procede per opposti, dal poroso al duro, come a dire: coscienza del vivo e del morto oppure del transitabile e dell'intransitabile. Un'operazione autoptica trasfigurata in poesia che fa del residuo, del rimasuglio, una reliquia, in quel che appare come atto negato o epos capovolto, nella bilancia che tiene in equilibrio violenza e consapevolezza: la prima riguarda un'inesplicabile forza ineluttabile e anche biologica, che comporta il riconoscimento destinale della morte; la seconda l'essere illeso e primordiale, l'accettazione empirica di una evidenza a posteriori, che è spesso propria del superstite. I versi di Bosco dispiegano un'ossessione profetica, seppur senza redenzione; l'osservazione del mondo senza reticenza, che arriva fino all'esperienza del corpo. Qui il corpo è terreno di guerra: è lo stato ancestrale che origina ogni cosa, il passo inviolabile dove ogni cosa termina. Il corpo è lo stato della materia.

'Synagoga' di Diego Riccobene è poemetto che attraversa l'esperienza della poesia epica, plasmando il linguaggio in forme di senso ulteriore. Dotato di raffinata apodissi e di versi implicitanti e al contempo assertivi, Synagoga evidenzia una scrittura emblematica e una lessicografia raffinatissima. Come pure notevole è il decreto poematico che risolve lo svantaggio dell'epigramma e del frammento a favore di versi limpidi e congrui. Riccobene nella sua seconda opera dimostra maturità poetica, nella sintesi tra cultura ampia e strutturata, sovrasignificazione del linguaggio e suo immediato superamento ed esposizione nel nascondimento, che è tra i punti cardinali dello scrivere in poesia: un'opera preziosa, che non trova facile incasellamento in categorie temporali e spaziali.

Donne maschiliste di Diego Scarpanti è un saggio completo ed efficace volto a smascherare una serie di stereotipi sul ruolo del femminile e del maschile, camuffati negli ultimi decenni da un equivoco basato sull'inversione, che ha depotenziato il femminile rendendolo oggetto di scambio simbolico, anziché rafforzarlo ed esaltarlo come prometteva. A partire dal ruolo del corpo e della bellezza, e quindi dell'intimità troppo spesso sovrapposta alla pornografia, e facendo riferimento a un ampio apparato critico e bibliografico, Scarpanti delinea il processo che tende al sottile annientamento dell'identità e che passa da un travestimento concettuale: la mercificazione fisica e valoriale, nonché affettiva, dunque il capovolgimento del paradigma della complementarità a favore di un affastellamento caotico nel quale l'Io predomina sul Sé e l'omologazione alle mode del momento ha il sopravvento sullo stato delle cose, spacciando il consumo per sentire, confondendo l'avere con l'essere.

Esiste una poesia dell'ombra, a strapiombo sul dirupo dello sguardo, che non è negazione della luce ma sua esaltazione, giacché l'ombra, senza la luce, non saprebbe esistere. Di solo pane di Piero Schiavo ne è la perfetta espressione. Una poesia di stati e luoghi minimi, non certo minori, inerpicata sulla discrezione del dettaglio elusivo, del pudore non dismesso, degli abissi umani che combaciano con le altezze. Una scrittura asciutta, ferma, misurata, dritta al centro delle cose e permeata da una visione cristica e cristologica, che proprio tra gli ultimi riconosce il Dio degli stati eterni. Dal gesto, non solo simbolico, del pane che si spezza passa questo poemetto, che è resoconto di un viaggio fisico e spirituale, un attraversamento non metaforico di terre desolate dove Dio si prega soltanto / nel silenzio della sua assenza.

Sentieri è un atto estetico e cinestetico incentrato sui luoghi letterari, che non sono luoghi ma stati epifanici di condizioni dell'essere presenti nel testo, una riflessione filosofica sulla genesi sensoriale e percettiva del segno grafico che si fa significato. Antonio Devicienti, delineando un vero e proprio itinerario di viaggio, penetra la tramatura del linguaggio partendo dalla tessitura visiva e visuale, che si traduce in vibrazione semantica, attraverso luce e ombra, dunque occhio e tempo, come pure attraverso il rapporto del testo scritto con lo spazio vuoto e ancora col tradimento del suono della voce. Un breve compendio sul farsi della letteratura, intesa come atto generativo che parte dalla smaterializzazione per condursi alla forma precaria della presenza.

'Prosimetro della consuetudine' è uno squarcio narrativo sulla linea retta del tempo ordinario, un racconto franto tra prosa e versi che si ricompone nel vicolo di un incontro improbabile tra la voce narrante e un cieco. Un incontro che trova come punto di congiuntura lo psicanalista di entrambi e che darà fiato a due solitudini molto diverse eppure radicalmente uguali: i protagonisti, guardandosi con occhi interiori, si scambiano i ruoli fino a superarli, in una sorta di trasfigurazione salvifica che interviene proprio quando tutto sembra perduto. Nella narrazione, che assume le forme del flusso di coscienza, si mescolano ossessioni, amori impossibili, tensioni verso la fuga, perdite, nevrosi e poi la morte che irrompe implacabilmente a spezzare la sequenza del tempo quotidiano. La scrittura di Vincenzo Gambardella si insinua nelle pieghe di destini che appaiono già definiti, nella scansione dei passaggi ordinari, delle strade abituali, incidendo con lama affilata la carne viva di chi ha saputo amare e delineando con precisione millimetrica lo spazio dell'aver amato.

L'aldilà del mare di Angelo Airò Farulla è un poema in prosa, compatto, ermetico e intransitabile, al punto da potersi definire quasi un'opera alchemica, trasmutativa, dove esseri umani, tecnologie, modalità postmoderne e specie ittiche mutate geneticamente combattono tra loro nella fatiscenza di un mondo disorganico. Pur accordandosi alla tradizione italiana del pastiche, l'opera pare per molti aspetti sorpassarne lo statuto classico, mostrando l'elemento apocalittico e mostruoso nei riguardi di ciò che deve essere acconsentito secondo ogni regola ideologica e letteraria: accettando la lezione neoavanguardista, rimane sul limite della tradizione non sperimentale, presentandosi come un compendio di stile, conoscenza storica, immaginario paradigmatico e potenza sintagmatica.

'Il pasto del dio' di Martino Bosco è una raccolta di racconti nella quale la narrazione dell'esperienza umana viene ridotta all'osso attraverso un processo di macellazione delle sequenze ordinarie del linguaggio, di ciò che si deve o non si deve dire, di ciò che si deve o non si deve citare, con lo sguardo implacabile di chi ha rotto gli argini dello stato di necessità ed è già altrove. Una prosa poematica, ossia una prosa che spesso cede il passo alla poesia, caratterizzata da preziosità lessicografiche, ampio apparato metaforico, forma secca e precisa, al punto da sfiorare il sadismo, e identificazione dello spazio letterario con un luogo della verità: sotto la maschera un volto, come un pasto consumato crudo sotto lo specchio che restituisce immagini illese da sovrastrutture e condizionamenti esterni.

I passi base di Fabrizio Morlando è una raccolta di racconti che ha per oggetto la morte come stato ineludibile del passaggio terreno, che sia uno schianto accidentale o il più naturale tra i fatti inaccettabili della vita: assimilata come paura del dolore e della perdita, ma anche come atto di liberazione, salto nel vuoto salvifico. Negli anfratti della narrazione, che diventa solvente per l'agire, si legge l'irruzione nel quotidiano di un'ontologia irreversibile che gli uomini chiamano 'fato', attraverso la quale Morlando, non senza accordarsi su un'inclinazione ironica e talvolta persino comica, formula una teoria della psicologia del tempo. E lo fa con profondità e leggerezza, con stile nevrile e inquieto, strutturando ogni racconto per equazioni linguistiche e componendo mosaici di stati tra loro antitetici, di luci e di ombre, cadute e risalite, in equilibrio sul filo del paradossale.

Addentrarsi nella poesia di Leo Learchi significa imbattersi in un'atmosfera lombarda e in una stratificazione anamnestico-geografica ben trafilata sulla conoscenza dell'atto poetico. Dodici mesi senza agosto è un percorso di riconoscimento esistenziale tracciato sulla memoria dei luoghi, degli oggetti fortemente simbolizzati e delle stagioni che si fanno contenitori di percezioni ulteriori, nel quale i ritratti familiari si alternano alla cosalizzazione del ricordo: gli oggetti, i paesaggi si fanno recettori del vissuto interiore dell'autore e si declinano in un tempo di mezzo tra passato remoto e futuro anteriore, a voler significare la capacità della memoria di annullare la dimensione temporale, nella fermezza dello spazio in cui ogni cosa accade simultaneamente.