Il volume è dedicato alla collezione Farnese, massima espressione del collezionismo erudito, sostenuto da papa Paolo III (1534-1549) e dai suoi nipoti. Il progetto scaturisce da una riflessione sull'incidenza avuta sulla città di Roma da Papa Paolo III Farnese alla vigilia del Giubileo del 1550, al quale si devono alcuni significativi interventi sulla città, tra cui la monumentalizzazione della Piazza del Campidoglio, affidata al genio di Michelangelo. La pubblicazione raccoglie oltre cento capolavori (dipinti, sculture antiche, bozzetti, disegni, manoscritti) riconducibili al momento di maggior splendore della Collezione, che va dai primi decenni del XVI scolo fino all'inizio del successivo, provenienti principalmente dal Museo Nazionale Archeologico di Napoli, dal Museo di Capodimonte, dalla Biblioteca Nazionale e da altre collezioni italiane e straniere, tra cui la J. P. Morgan Library di New York.

Il volume presenta l'opera di Davide Benati (Reggio Emilia, 1949), che torna ad esporre nella sua città natale presentando una panoramica del suo intero percorso artistico, ormai quarantennale, attraverso opere storiche e inedite. La pubblicazione, dal titolo Encantadas, si apre con la produzione dei primi anni Ottanta, che ha dato notorietà a Benati: acquarelli di grande formato su carta di riso di raffinata sensibilità, immagini eteree che uniscono Oriente ed Occidente, sogno e realtà. Prosegue poi con una scelta di opere realizzate tra gli anni Novanta e l'inizio del nuovo millennio e si conclude con una serie di grandi trittici inediti, che testimoniano la continuità dell'ispirazione di Benati e il suo straordinario uso della luce e del colore.

Il volume, primo volume della collana "Strumenti", raccoglie una selezione di scritti dell'artista Paolo Canevari (Roma, 1963), trasformati poi in lezioni accademiche. Attraverso riflessioni sul ruolo dell'arte nel mondo odierno e indicazioni per perseguire una ricerca artistica personale, il libro intende aiutare i giovani artisti a orientarsi nel complesso universo dell'arte contemporanea. L'autore, sostenendo che il valore dell'arte non si misura con il successo economico o di pubblico, ma esclusivamente nella qualità dell'opera, guida il lettore nella comprensione di cosa sia realmente un'opera d'arte e quale debba essere il ruolo dell'artista oggi. L'arte contemporanea deve essere avanguardia e l'artista un guerriero capace di scardinare le convenzioni sociali e rivoluzionare il senso già compiuto. Solo così si potrà spezzare il giogo di un sistema che promuove la quantità a discapito della qualità.

Il volume presenta le opere nate in dialogo con il patrimonio fotografico della collezione Alinari realizzate da quattro fra gli artisti e le artiste emergenti più promettenti in Italia, Matteo De Mayda, Leonardo Magrelli, Giovanna Petrocchi e Silvia Rosi. Ogni fotografo ha sviluppato una sua libera interpretazione del rapporto tra passato e presente tra memoria, reinterpretazione o utilizzo del patrimonio archivistico. Il volume, curato da Giangavino Pazzola e Monica Poggi, è l'esito finale del progetto che CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia e Fondazione Alinari per la Fotografia si sono aggiudicati all'interno del bando 'Strategia Fotografia 2022', promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura per sostenere la ricerca, i talenti e le eccellenze italiane attive nella diffusione del linguaggio fotografico.

Il volume, dedicato al pittore Andrea Solario (1465-1524), uno degli interpreti più originali del Rinascimento lombardo, accompagna un progetto espositivo senza precedenti. Frutto di una collaborazione scientifica con il Museo del Louvre in occasione del 500enario della morte, la mostra riunisce per la prima volta una selezione di circa 25 opere provenienti da prestigiose collezioni di Italia, Francia e Inghilterra. La pubblicazione presenta il progetto scientifico che punta a riscoprire Andrea Solario attraverso analisi diagnostiche avanzate e restauri accurati. Gli otto dipinti conservati al Museo Poldi Pezzoli, insieme a opere in prestito dal Louvre e altre collezioni, rappresentano infatti il filo conduttore per esplorare l'evoluzione del maestro, dalla giovinezza agli anni della maturità.

Il volume e il progetto, tra i vincitori di Strategia Fotografia 2023 - progetto promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura per acquisizione, produzione, conservazione e valorizzazione della fotografia e del patrimonio fotografico italiano - presentano il progetto del videoartista Yuri Ancarani (Ravenna, 1972). 10 fotografie di Ancarani che immortalano giovani cowboy accanto ai busti di Adriano, esposte nei Mouseia di Villa Adriana a Tivoli, sono una selezione di quelle realizzate durante il backstage di un video, girato nel sito adrianeo, con cui Ancarani desidera rendere omaggio a Ottorino Respighi (1879-1936) compositore, musicologo e direttore d'orchestra italiano, che ispirò molto Ennio Morricone e le colonne sonore dei mitici film western di Sergio Leone. I giovani cowboy diventano, negli scatti, "statue accanto alle statue", creando un corridoio temporale inaspettato e inconsueto fra il contemporaneo e il remoto riflettendo sull'apparente impossibilità di congiunzione fra desiderio e memoria, e restituendo, attraverso uno sguardo contemporaneo, le atmosfere leggendarie evocate dagli scenari di Villa Adriana.

Il volume raccoglie gli esiti di un progetto che ha coinvolto oltre quaranta figure tra artisti, autori, curatori, creando un metodo per nutrire l'immaginazione, interrogandosi sull'identità della città e sul suo futuro. In occasione della nomina a Capitale italiana della cultura, Pesaro si è trasformata in un laboratorio di idee e sperimentazioni, dove il dialogo tra passato e futuro, tradizione e innovazione è diventato il motore di un percorso di crescita culturale e sociale. La pubblicazione racconta le tredici residenze artistiche attivate nei dodici quartieri e nel Municipio di Monteciccardo, con artisti e autori di diversa formazione e generazione nominati Ambasciatori dell'arte - affiancati da altrettanti curatori -, che hanno coinvolto cittadini, studenti, associazioni, instaurando profonde relazioni con loro e con il territorio di riferimento, dando vita a percorsi di co-progettazione e co-creazione artistica, finalizzati alla realizzazione di una mostra e di dodici opere d'arte site-specific.

Fat Boy è il personaggio che Christoph Radl (San Gallo, Svizzera, 1954), direttore artistico e grafico, ha costruito lasciandosi ispirare dalle immagini che la civiltà precolombiana dei Mimbres ha impresso sulla sua produzione ceramica. Questa curiosa figura diventa protagonista di un bizzarro viaggio nella storia dell'arte, assumendo - attraverso il gesto pittorico dell'artista - pose e atteggiamenti riconducibili ai grandi maestri e alle loro opere. Grazie a un approccio raffinato e minimalista, che bilancia tradizione e modernità, il lavoro di Radl riflette una profonda comprensione del patrimonio culturale unita a un tocco innovativo. È riconosciuto, non solo in Italia ma a livello internazionale, come una figura di spicco nel campo del design per la sua capacità di fondere elementi tradizionali e contemporanei in una narrazione visiva coesa.

Il volume presenta l'opera di Riccardo Moncalvo (Torino, 1915-2008), figura di spicco della fotografia italiana del XX secolo. Avviato alla fotografia a soli 13 anni, seguendo le orme del padre, inizia con un approccio pittorialista per poi abbracciare, alla fine degli anni trenta, le poetiche della Nuova Visione, sviluppando uno stile unico. Dopo la guerra è tra i primi in Italia a sperimentare la fotografia a colori, imponendosi come uno dei suoi interpreti più autorevoli. Proprietario di un laboratorio all'avanguardia e amico di Carlo Mollino, incarna alla perfezione il connubio tra arte e professione, contribuendo in modo decisivo all'evoluzione del linguaggio fotografico. Attraverso oltre 60 immagini in bianco e nero e a colori, tutte provenienti dall'Archivio Moncalvo, la pubblicazione ripercorre quasi sessanta anni di storia della fotografia italiana tra gli anni trenta e gli anni novanta. Il catalogo è arricchito dal testo della curatrice Barbara Bergaglio e dai contributi di Walter Guadagnini e Andrea Tinterri.

Il volume accompagna l'arrivo al Museo Diocesano Carlo Maria Martini di Milano della Deposizione di Cristo dalla croce di Jacopo Tintoretto (Venezia, 1519-1594), uno dei capolavori del grande protagonista della pittura veneziana della seconda metà del Cinquecento, conservata nelle Gallerie dell'Accademia di Venezia. Realizzata per la chiesa di Santa Maria dell'Umiltà alle Zattere a Venezia e databile intorno al 1562, negli anni della piena maturità del pittore, il dipinto presenta una composizione ben calibrata e attentamente costruita, e allo stesso tempo drammatica e concitata, con un dinamismo accentuato dall'uso della luce, con intensi chiaroscuri che creano un forte impatto emotivo, lasciando emergere i protagonisti da un paesaggio in penombra. Grazie alla collaborazione con Casa Testori, la pubblicazione presenta gli interventi di quattro artisti contemporanei - Jacopo Benassi, Luca Bertolo, Alberto Gianfreda, Maria Elisabetta Novello - che mettendosi in gioco davanti alla grande tela creano un rapporto personale con il dipinto del maestro veneto, facendo ricorso a diversi linguaggi, dall'installazione alla pittura.

Il volume accompagna la prima mostra italiana dedicata a Vilhelm Hammershøi (Copenaghen, 1864-1916), il più grande pittore danese della propria epoca. Protagonista dell'arte europea tra fine Ottocento e inizio Novecento, la sua opera viene messa a confronto con le creazioni degli artisti a lui contemporanei, tra il Nord Europa e l'Italia. Più di 100 opere presentano una pittura raramente indagata quanto misteriosa ed affascinante. Una pittura che racconta il silenzio e l'introspezione, dove gli ambienti domestici così come le vedute cittadine descrivono i paesaggi dell'anima. Ma in Hammershøi c'è qualcosa di più, le sue donne, ritratte quasi sempre di spalle, in ambienti ordinati e tranquilli, lasciano presagire tanto la serenità quanto drammi segreti o piuttosto l'attesa di nuovi accadimenti. Il catalogo è arricchito dai testi critici di Paolo Bolpagni, curatore del volume, Annette Rosenvold Hvidt, Claudia Cieri Via, Luca Esposito e Francesco Parisi.

Giovanni Fattori (1825-1908), protagonista indiscusso del movimento dei Macchiaioli, è stato uno degli artisti più significativi del panorama figurativo europeo dell'Ottocento che ha saputo dominare tutti i generi pittorici. Dalle prime ricerche sulla 'macchia' agli intensi ritratti, dai paesaggi en plein air ai soggetti di vita rurale e alle scene che esaltano la Maremma, alla straordinaria interpretazione dei soggetti militari, indagati sia nelle manifestazioni più solenni sia nei momenti più intimi della vita di guarnigione. A duecento anni dalla sua nascita, il Centro d'arte contemporanea XNL di Piacenza celebra il maestro con la mostra Giovanni Fattori 1825 - 1908. Il 'genio' dei Macchiaioli. Con 170 opere (di cui 100 dipinti e 70 tra disegni e incisioni), il volume racconta Giovanni Fattori offrendo una nuova interpretazione della sua figura e della sua opera. Paesaggi aspri, potenti scene di battaglia, ritratti intensi, contadini chini sulla terra e cavalli imponenti: ogni soggetto è colto con un'intensità quasi tattile.

La Fondazione Biscozzi Rimbaud, rende omaggio ad uno dei protagonisti della storia dell'arte contemporanea, Sandro Chia (Firenze, 1946). Sempre orientato da un lato verso un avanzamento del lessico espressivo e dall'altro verso un rimaneggiamento costante e ossessivo delle immagini provenienti dalla storia dell'arte, l'artista è stato tra i fondatori della Transavanguardia, il movimento teorizzato dal critico Achille Bonito Oliva sul finire degli anni Settanta. Il volume propone una ricognizione sistematica della sua produzione su carta attraverso 100 opere, un vero e proprio viaggio nel suo archivio intimo di immagini che l'hanno reso un maestro riconosciuto della pittura, esemplificando il suo immaginario denso di riferimenti alla storia dell'arte, ma anche di visioni ironiche e beffarde, oscillazioni tra corpi, simboli e allegorie dell'arte e della vita. Il catalogo accoglie il saggio del curatore, le fotografie delle opere in mostra, materiali d'archivio e una densa sezione di apparati scientifici biografici, bibliografici ed espositivi dell'artista redatti da Simone Melis, assistente curatore della mostra.

Il volume presenta un racconto inedito sull'avvincente storia della promozione turistica italiana, dalla fine dell'Ottocento ai primi anni della ricostruzione dopo il Secondo conflitto mondiale. Dalle prime testimonianze pubblicitarie firmate da importanti nomi, quali ad esempio Adolf Hohenstein, Leopoldo Metlicovitz e il giovane Marcello Dudovich, a cui si affiancano artisti come Ettore Tito, Ettore Ximenes, Galileo Chini, fino alla nascita nel 1919 dell'ENIT, l'Ente Nazionale per l'incremento delle industrie turistiche, con il quale le commissioni iniziano a seguire regole diverse. Da questo momento si inizia infatti a privilegiare l'affidamento di campagne promozionali plurisoggetto a uno stesso illustratore - tra questi ad esempio ritroviamo Mario Borgoni, Giovanni Guerrini, Marcello Nizzoli e Virgilio Retrosi - oppure a esecutori rimasti anonimi spesso legati alle tipografie. Attraverso 200 manifesti, centinaia di guide e pieghevoli illustrati, accompagnati da tanti oggetti iconici, la pubblicazione ripercorre l'evoluzione del manifesto turistico attraverso i grandi protagonisti dell'illustrazione italiana dell'inizio del Novecento.

Il volume presenta un nuovo lungo viaggio tra capolavori, che ricostruisce la progressiva definizione della consapevolezza di sé dell'artista nella storia dell'arte. L'artista si fa metafora, protagonista e immagine del proprio tempo. L'artista recita, si mette in mezzo, sbuca da una sua opera che parla d'altro: in mezzo a un racconto mitologico, a una storia sacra, a un evento storico. Come fanno Giovanni Bellini, Tintoretto, Lavinia Fontana, Diego Velasquez, Sofonisba Anguissola, Lotto, Pontormo, Parmigianino, Rembrandt, Tiziano, Hayez, Böcklin, De Chirico, Balla, Sironi, Bacon fino a Bill Viola e Chuck Close. La pubblicazione racconta una storia in immagini offrendo una visione affascinante e articolata di uno dei temi più universali e significativi nell'arte, in cui l'immagine funziona da doppio del soggetto, come nel mito di Narciso ripreso da tutta la storia della pittura e della letteratura fino ad approdare, nel Novecento, alla psicoanalisi freudiana.

Il volume, parte della collana Scritti, presenta una raccolta di saggi che hanno per oggetto un fenomeno assai poco studiato: il reimpiego di sculture preziose medievali in Età moderna. Le opere qui indagate, realizzate in materiali pregiati e con tecniche raffinate quali l'oreficeria, la lavorazione delle pietre dure, l'intaglio dell'avorio, appartengono a svariate tipologie (reliquiari e arredi liturgici, cammei, intagli, dittici e trittici, pastorali, microsculture a tutto tondo) e sono testimoni di processi storici complessi. La pubblicazione prosegue la raccolta degli esiti della giornata di studi in onore di Anna Rosa Calderoni Masetti tenutasi nell'ambito di un progetto di ricerca biennale (2021-2023), presentando casi rintracciati in ambito italiano ed europeo, a documentare il largo interesse per i manufatti più preziosi ereditati dai lunghi secoli medievali.

Al centro del volume Women Power c'è l'universo femminile, immortalato in prima persona dalle autrici e degli autori di Magnum Photos. Diciotto sguardi di differenti generazioni e provenienze geografiche che hanno raccontato i grandi cambiamenti degli ultimi settant'anni. All'inizio degli anni cinquanta, la storica agenzia ammette, infatti, le prime due fotografe, l'austriaca Inge Morath e l'americana Eve Arnold, dando nuovo impulso al modo di fare e di intendere il fotogiornalismo. Nel corso dei decenni successivi, le donne diventano sempre più protagoniste attive della narrazione della realtà. Attraverso il loro sguardo, nel racconto dell'esperienza umana, la vita dei singoli si intreccia con le grandi vicende dell'attualità, e la Storia diventa il sentiero lungo il quale scorrono infinite storie, raccolte e narrate in ogni angolo del mondo.

Il volume nasce in occasione della mostra, terzo progetto sul designer promosso da Triennale Milano. L'esposizione e il libro raccolgono disegni e schizzi realizzati dal designer e architetto italiano sul tema dell'architettura, del paesaggio e delle rovine. La pubblicazione restituisce lo studio sul valore del tempo, a partire dal futuro per comprendere quanto presente e passato siano un percorso obligato. Anche se la maggior parte del tempo la dedichiamo a fare progetti per il futuro, siamo comunque sempre costretti a stare nelle condizioni, nelle norme, nei suggerimenti del passato. Sia che li accettiamo, sia che li rifiutiamo, siamo sempre costretti a percorrere le strade del passato, quelle strade anguste, molto mal segnate, che viaggiano tra un rudere e l'altro, tra un disastro e l'altro, in un paesaggio onirico nel quale forse si crede, viaggiando, di vivere veramente o forse si sa, viaggiando, di sognare.

Il volume affronta un lungo e molto significativo segmento della produzione artistica di Carlo Mattioli dedicato ai ritratti che, fin dagli anni giovanili, appaiono come l'espressione di una meditazione insistita con se stesso. La forma del ritratto è per l'artista, modenese di nascita e parmigiano d'adozione, un'ossessione della memoria, a volte illuminata da una sottile ironia che mai sconfina nella caricatura o in un didascalico luogo comune. Nelle opere di Carlo Mattioli la materia diventa pittura e la pittura diventa materia, il soggetto e la sua essenza si confondono, personaggi del Novecento come Carrà, Longhi, Bertolucci e Manzù sono raffigurati nei loro atteggiamenti più tipici, con una tavolozza densa che ce li presenta vivaci e colti psicologicamente con l'esattezza di chi comprende a fondo il 'tema' dell'epoca e lo risolve con il segno dei colori.

Il volume raccoglie le relazioni presentate nel corso della Giornata di Studi organizzata a Genova nel maggio del 2022, a un anno dalla scomparsa di Alessandro Bruschettini, con l'intento non soltanto di celebrarne la memoria, ma di riprendere e sviluppare i temi prediletti dal grande intellettuale e collezionista. Nei vari contributi vengono trattati particolari aspetti dell'arte islamica e dell'arte occidentale, sottolineando i molteplici rapporti intercorsi attraverso i secoli tra Occidente e Oriente e anche tra i diversi paesi orientali, in modo da superare le barriere artistiche e culturali e creare un dialogo duraturo. Alcune relazioni sono dedicate all'ambito del tessile, a cui Bruschettini ha sempre riservato la massima attenzione, spaziando dalle preziose stoffe dorate agli arazzi di produzione europea, senza trascurare il problema del restauro dei tappeti, tra i manufatti da lui più amati. Accanto ai tessili, i testi prendono in considerazione anche la scultura , gli avori, i metalli e le arti del libro, un patrimonio artistico variegato e straordinario che testimonia quanto la cultura possa svilupparsi solo connettendo terre e mari attraverso 'frontiere liquide'.

Se c'è una parte dell'opera di Robert Doisneau (1912-1994) che non è quasi più necessario presentare, ce n'è un'altra meno conosciuta: quella degli anni prima e subito dopo la guerra, durante i quali Doisneau fu dapprima un dipendente della Renault prima di diventare indipendente e rispondere agli ordini di riviste politicamente impegnate. Il volume presenta in maniera accurata tre aspetti del mondo del lavoro grazie a tre reportage da lui realizzati: le fabbriche Renault, le miniere di Lens e la fabbrica di Aubusson. Soggetti diversi dai quali già si percepisce la profonda umanità degli scatti più famosi del fotografo.

Il volume accompagna l'arrivo al Museo Diocesano Carlo Maria Martini di Milano della straordinaria Adorazione dei Magi, una delle più affascinanti e celebri opere di Sandro Botticelli (1445-1510), pittore simbolo del Rinascimento italiano. Si tratta del Capolavoro per Milano 2024 - iniziativa giunta alla sua XVI edizione - in arrivo dalle Gallerie degli Uffizi di Firenze. La pubblicazione ricostruisce la storia della tavola, realizzata intorno al 1475 per la cappella dedicata ai Magi della chiesa di Santa Maria Novella a Firenze. L'opera raffigura la celebre scena evangelica, affrontata, però, dall'artista con grande originalità, in una composizione equilibrata, con la capanna in posizione centrale e le numerose figure disposte in maniera articolata intorno ad essa, in grande varietà di pose e atteggiamenti. Lo stesso Botticelli si ritrae nel giovane biondo sulla destra, posto di tre quarti con il manto giallo oro, che ricerca lo sguardo dello spettatore.

Il Currier Museum of Art, dopo Filippo de Pisis e Robert Mapplethorpe, annuncia l'ultimo capitolo della sua serie in corso di A Distant Conversation che abbina il lavoro di artisti le cui affinità artistiche e intellettuali si manifestano oltre le barriere del tempo e dello spazio. Il volume presenta sei opere, provenienti da una collezione privata, dell'artista americano Jean-Michel Basquiat (1960-1988), uno degli artisti più celebrati e influenti della sua generazione, e sette grandi tele del pittore ivoriano Ouattara Watts (nato nel 1958), residente a New York. La pubblicazione unisce i due artisti, catturando la scintilla di una breve conoscenza e dimostrando come il loro dialogo spirituale e artistico sia continuato nonostante la scomparsa di Basquiat nel 1988.

Le immagini di Carlo Valsecchi (Brescia, 1965) creano "percorsi" dal visibile all'invisibile, e viceversa, senza soluzione di continuità . Percorsi plurimi, all'interno di ogni singola immagine o come sequenze di immagini. Il libro è una delle "dimensioni artistiche" più congeniali all'artista. Il libro come luogo, come spazio mentale, un libro mentale, come luogo di ricerca che moltiplicandosi crea una biblioteca visiva ovvero un altro spazio o un altro volume. Lo spirito borgesiano aleggia nell'aria. E Valsecchi grazie allo stravolgimento della scala prospettica dilata e concentra i volumi, nel senso che crea i "suoi" volumi.

Il volume e il progetto, tra i vincitori di Strategia Fotografia 2023 - progetto promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura per acquisizione, produzione, conservazione e valorizzazione della fotografia e del patrimonio fotografico italiano - presentano un'inedita relazione tra la collezione dell'Accademia di Belle Arti di Palermo e la fotografia. Dieci mappe antiche, conservate a Palazzo Butera (Palermo), dialogano con le fotografie realizzate da Giorgio Barrera, Martina Della Valle, Sebastiano Raimondo, Moira Ricci, Sandro Scalia, Maria Vittoria Trovato, accompagnate dai testi di Claudio Gulli, Monica Maffioli e Roberta Valtorta.