'Non ci sono errori nella storia. L'intera storia è un errore.' Muovendo i passi da questa posizione critica nei confronti della storia, Braco Dimitrijevic ha ideato il concetto di Post Storia, un momento di coesistenza tra valori diversi e pluralità delle verità soggettive. Dimitrijevic, artista di rilievo nell'arte contemporanea, ha raggiunto la fama internazionale negli anni Settanta con la serie dei Passanti casuali, gigantografie di ritratti di persone comuni esposte su facciate di palazzi bene in vista e tabelloni pubblicitari in numerose città americane e europee.

Una lettera d'amore commovente e emozionante di Chiara Clemente lega a New York il racconto - che corre parallelo al film - che cinque artiste fanno di se stesse, accomunate dalla stessa passione e dalla devozione per la città che considerano inseparabile dal loro fare arte. Swoon, la più giovane, espone direttamente sui muri della città e della metropolitana trasmettendo idealismo ed energia. Ghada Amer, nata a Il Cairo, mescolando le tecniche ricamo e pittura mette a confronto tabù sessuali. Kiki Smith mette a fuoco l'energia della grande città che le è necessaria per creare le sue pitture e sculture. Marina Abramovic, originaria di Belgrado, pioniera della performance, adopera il suo corpo come una tela. E Nancy Spero ritornata a New York nel 1964 da Parigi con il marito artista Leon Golub, ha unito arte e attivismo durante la guerra del Vietnam diventando, nel suo mondo, una 'donna guerriera'.

Krzysztof Wodiczko (Varsavia, 1943) ha più volte rappresentato la Polonia alla Biennale di Venezia. Emigrato in Canada e da lì negli Stati Uniti, vive fra New York e Cambridge nel Massachusetts, la sua costante attenzione a tematiche urgenti quali la pace nel mondo gli ha valso numerosi riconoscimenti fra cui nel 1998 il 4° Hiroshima Art Prize. Nel 2008 ha ultimato il maggior progetto pubblico di Varsavia per commemorare l'anniversario del 1968. Il volume documenta l'installazione per il Padiglione polacco alla 53. Biennale.

London Club, la serie di fotografie realizzate da Nicole Trevillian, ritrae la moda della nuova musica nei nightclub di Londra durante il periodo 2000-2010. Ad esempio Trash, locale fondato nel 1997 e subito diventato molto influente, ha reso popolari nuovi generi musicali, nati come reazione contro l'attuale musica elettronica in favore di un movimento artistico underground. Tra questi il più importante è l'electroclash, che nel 2001 a New York ha meritato l'attenzione dei media. Dopo il successo di Trash (nel 2001 'Club dell'anno' secondo la rivista 'The Face') emersero altri nightclub a impronta simile, come Nag Nag Nag, Electric Stew, Jacked, Return to New York, Drama, Computer Blue, DURRR, e lo Smash'n'Grab. Protagonisti delle foto sono i frequentatori dei club, che esprimono un forte senso del sè e sono stati fotografati nelle loro case di Londra o nei bar locali. Il libro si apre su uno scenario innovativo, pieno di eclettismo, sperimentalismo, electro-clash, anni Ottanta, energia, diademi, tartan e... trucco.

Dopo il successo di 'Caligola', video presentato nel 2005 alla Biennale di Venezia e degli spot televisivi con Sharon Stone e Bernard-Henri Lévy per una finta campagna presidenziale americana, nell'ottobre 2007 Francesco Vezzoli ha trasformato la rotonda del Guggenheim Museum di New York con la messa in scena di 'Così è (se vi pare)', del Nobel italiano per la letteratura Luigi Pirandello. La rappresentazione, inclusa in Performa07, la biennale di nuove rappresentazioni artistiche ospitata in venti teatri di New York, era affidata a un cast di star internazionali come Kate Blanchett e Nathalie Portman, ma anche attori sconosciuti, e ha coinvolto tutto il pubblico su temi quali la relatività della verità, il bisogno di illusione e l'instabilità dell'essere umano. Coprodotta dalla Gagosian Gallery di New York, la messa in scena è interamente documentata in un volume in cui ci si può letteralmente specchiare, grazie all'interno della copertina, specchiante.

'Come architetto il mio problema è capire come assumersi la responsabilità di progettare un palazzo sapendo poco o nulla dei fruitori, e capire inoltre quando è il momento di fermarsi per lasciar spazio alle loro scelte.' Musée dans la rue, il progetto di Yona Friedman ideato per il Corso Superiore di Arti Visive della Fondazione Antonio Ratti di Como, discende dallo stesso principio: lasciare al fruitore il massimo grado di libertà di decisione, consentendo alti livelli di complessità. Pensato e realizzato da Friedman coinvolgendo gli studenti del corso, i bambini di una scuola materna e i cittadini di Como, Musée dans la rue è stato realizzato nell'Asilo Sant'Elia di Giuseppe Terragni e in una piazza centrale della città, costituendo un'anteprima/prototipo del progetto originariamente ideato per la Mairie di Parigi, che vedrà la sua diffusione in diverse città europee. Come dichiara lo stesso Friedman, infatti, 'quando lancio un'idea conosco il punto di partenza, mai quello d'arrivo...'

Questo libro raccoglie un'attenta selezione di dipinti, acquarelli e disegni dell'artista irlandese William McKeown, molti dei quali pubblicati per la prima volta. L'artista è particolarmente noto per i suoi lavori astratti che indagano gli stati mentali e le caratteristiche effimere della natura. Rasentando il monocromo, questi dipinti hanno una superficie particolarmente rifinita, attraverso meticolose stesure pittoriche, rivelando un raffinato senso del colore e delle gradazioni tonali.

Spazio e tempo, memoria e luoghi sono gli argomenti dell'opera di Manuela Filiaci, tematiche che risuonano con le fasi della sua vita: nata a Vicenza, trascorre alcuni anni in Nigeria, per poi trasferirsi a New York, dove studia e attualmente risiede. In questo libro, Doris von Drathen, storica dell'arte, individua le radici filosofiche del processo creativo dell'artista. Per Filiaci, fare arte è un modo di segnalare la nostra fragile collocazione in un universo più vasto le cui apparenze sono elusive e in continua trasformazione. Ben consapevoli della loro natura effimera e artificiale, le immagini di Manuela Filiaci sono talmente forti che si offrono come momenti di visione epifanica nel nostro vivere quotidiano.

Il volume documenta la seconda fase di un progetto (2004-2008) nel quale l'artista cinese Yang Shaobin e il gruppo Long March Project hanno indagato la condizione dei lavoratori delle miniere di carbone nella Cina del Nord, cogliendo le conseguenze collaterali di quest'industria, incluse le ripercussioni mediche, sociali e ambientali l'esperienza della squadra che ha lavorato al progetto in queste comunità isolate, accendendo una luce su un mondo complesso e traumatico di sfruttamento del lavoro.

L'irlandese Alan Phelan (Dublino, 1968) è un artista noto per i suoi lavori complessi che mettono in relazione elementi piuttosto disparati di storia politica, teoria culturale, cultura popolare, fantascienza e macchine rielaborate. Il volume documenta il progetto 'Fragile Absolutes', il titolo si riferisce a un lavoro del sociologo, filosofo e critico culturale sloveno Slavoj Zizek: 'La fragilità dell'assoluto' (ovvero perché vale la pena combattere per le nostre radici cristiane). Phelan ha estratto da questo saggio le parole in corsivo e le ha usate per associazioni libere di parole in 15 idee per opere realizzate in un'ampia varietà di materiali e procedimenti, dal marmo scolpito a mano al video a sculture in cartapesta.

'L'immagine dell'ombra è una presenza frequente, forse una delle più insistenti nel mio lavoro, (...) è come un dubbio suggerito all'occhio di chi guarda (...). All'ombra è legato il senso della nascita e della morte ed è il luogo occulto in cui immagini e idee prendono forma. E' la prima immagine speculare dell'uomo (...), la metafora della fine, il nulla e il nulla è l'unica stella.' Con queste parole Parmiggiani definisce il suo rapporto con l'ombra, costante simbolica di tutta la sua ricerca. Le sue opere nascono attraverso un passaggio di fuoco, distruttivo, ma anche vivo, vivace, violento, che lascia tracce immobili, di enigma e di angoscia dopo il suo passaggio. Il tempo lascia le sue impronte, i segni della memoria, resti di polvere, residui di forme, sono le trame di una nostalgia melanconica, consapevole di una completezza perduta per sempre, di cui restano solo delle orme. C'è qualcosa di magico, di antro di Vulcano, anche di prodigioso nel fissare i percorsi imprevedibili del fumo e della cenere, con i quali Parmiggiani sfida la distruzione con la memoria.

Un cuoco italiano accoltella a morte un archeologo tedesco. Siamo a Trieste nella seconda metà del Settecento, l'assassino è omonimo di quello che sarà tra i più illustri storici e critici d'arte italiani del XX secolo, la vittima il fondatore della moderna storia dell'arte. Un corto circuito inquietante che tra associazioni di fantasmi, rimandi alla storia dell'arte, alla statuaria antica, alla 'passione' del Winckelmann per i giovani corpi, si è trasformato in ossessione per l'autore, che attraverso corpi di atleti e pugili contemporanei ripropone il colore della Carne Neoclassica che Winckelmann tanto amava.

Si è spesso parlato del mistero della memoria dell'acqua, ma siamo noi a ricordare l'acqua o è l'acqua, l'elemento da cui è scaturita la vita, che ricorda noi? Sott'acqua la naturale percezione terrestre è alterata, le forme sono incerte, i tesori nascosti. Ambientata in alcuni dei più suggestivi acquari d'Europa, la surreale ricerca di Giuseppe Ripa rivela l'ambiguo fascino che caratterizza il nostro atavico rapporto con gli animali, allo stesso tempo vicini e lontani, familiari e alieni, reali e fantastici. Gli animali, le persone, gli spazi architettonici degli acquari, ogni elemento viene ricondotto all'incessante fluire dell'acqua, così simile a quello della memoria nel suo alterno movimento dalla superficie alla profondità. La stessa storia dell'uomo sembra dissolversi nei mille riflessi dell'acqua e tutto diventa più ambiguo e indefinito, proiettandoci nel mistero e suggerendo nel ribaltamento di ruoli e situazioni una delle chiavi di lettura di questo sorprendente lavoro. Giuseppe Ripa si distingue per la forza poetica delle sue immagini e per una profonda valenza evocativa di temi quali la memoria, l'identità e il destino dell'uomo.

È una delle presenze più significative tra gli artisti che provengono dall'Europa dell'Est, coniuga ricordi d'infanzia, ironia, conoscenza di un territorio dal passato drammatico, impegno civile e analisi del vissuto individuale. Ha partecipato a manifestazioni prestigiose quali la Biennale di Istanbul, Manifesta, la Biennale di Venezia e Documenta. Il libro descrive tutto il suo iter creativo fino al 2008 ed è il più completo pubblicato sull'artista bosniaca a oggi.

'Terminal Stage' analizza in profondità i temi della metamorfosi e della trasformazione biologica che caratterizzano l'opera dell'americano Richard Dupont dal 2003, anno in cui lo scultore iniziò a produrre opere legate ad una scansione digitale tridimensionale del suo corpo. Gli ambienti scultorei di Dupont impegnano lo spettatore in relazioni percettive-fisiologiche che si sviluppano tra lo spazio mentale e il mondo fisico. Il libro si concentra su una grande installazione pubblica in un edificio di New York.

La giovane artista tedesca Ulla von Brandenburg indaga l'ampia gamma di media che riflette il loop, la ripetizione, temi comuni nella sua pratica artistica veramente particolare. Sfogliando il libro si attraversano i più eterogenei linguaggi artistici e non sorprende scoprire che Brandenburg ha studiato design e arti visive alla Scuola di Belle Art di Amburgo, famosa per gli studi sulla percezione visiva. L'artista prende spunto dalla letteratura, dall'arte, dal teatro espressionista, dai film hollywoodiani, dagli scacchi, dalla magia e dalla psicanalisi freudiana, per dar vita a opere dalle origini e dai significati più diversi, che suggeriscono una visione del mondo tra realtà e finzione.

Attraverso una videoinstallazione, una performance-teatrale e questo libro, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini raccontano la tragedia della vita quotidiana in Israele e in Palestina e lo spaesamento che la pervade servendosi delle parole di David Grossman, scrittore israeliano che vive a Gerusalemme ed esponente di rilievo di Peace Now, e di Laila EI-Haddad, giornalista palestinese che vive a Gaza. La terza fonte è Mahmoud Darwish, poeta palestinese del quale gli artisti hanno illustrato parte di un saggio sui fiori che crescono in Palestina, intesi come simbolo di bellezza, fertilità e fragilità di quella terra contesa e bagnata dal sangue, una delle zone più isolate e recintate del pianeta.

Giardini incantati, splendide ma algide dame senza pietà, eroi solitari alla ricerca di un perduto amore, apparizioni magiche immerse in scenari di luci abbaglianti e visioni improvvise: la sorprendente e rapida attività, eclettica e prodigiosamente generosa di Claudio Guarino, 'creatore' dall'imprevedibile e originale personalità, dagli oggetti alle installazioni, dai film alle performance ispirate all'opera lirica - raccolta per la prima volta in un libro. Documentato tutto il lavoro di un artista che sa parlare allo stesso tempo di desiderio, di piacere, di erotismo, non contrapposti o anche solo comparati alle norme vigenti, quanto piuttosto reimmaginati in un mondo fantastico, favoloso e senza limiti.

Il parco è un'area a statuto speciale, se si va al parco si diventa cittadini del parco, ci si adegua all'esperanto dell'area verde circondata dalla città. La vegetazione è diversa, la temperatura e gli odori, i colori e le insegne sono diversi, la città non c'è più, le differenze sono sparite, si è nell'universo parco, che obbedisce a regole internazionali e non alla lingua che parla l'uomo o al colore della sua pelle. Ricerca di socialità, storie di individui, coppie, famiglie, gruppi, solitudini, incertezze, sospensioni, osservate più che ritratte, da Marina Ballo Charmet nei parchi di Milano, Londra, Berlino, Parigi, Roma, Vienna, Madrid, Lisbona, Palermo, New York fotografando ad altezza di bambino con sguardo veloce e carico di imprevisti, quasi parallelo al terreno. Nelle sue foto non si vede nulla di lei, eppure c'è sempre qualcosa di lei: quel suo modo di guardare e la terra su cui appoggia i piedi per fotografare.

Una monografia dedicata all'opera di Rui Chafes (Lisbona, 1966), uno dei rari scultori dei nostri tempi che ancora crede che la mano dell'artista possa trasformare la materia in immaterialità. Il libro avvicina la sua poetica straordinaria e la potenza del disegno e della scultura, linee in volo senza gravità che agiscono da contrappunto all'oscurità di cubi e quadrati di ferro. I testi che la arricchiscono illustrano come la realtà di queste sculture astratte-organiche d'acciaio è sorprendentemente vicina alla realtà della vita, con i suoi momenti di crisi e di equilibrio precario.

Heat è costituito da una serie di immagini che sono state tratte nel corso degli anni da una trasmissione TV di film per adulti bloccata da un segnale. A seguito dell'interruzione del segnale, i film si sono tramutati in flash. A seconda del grado di distorsione dell'immagine, le scene sono state ridotte all'astrazione completa. Questa applicazione della tecnologia ha trasformato quella che era una serie di normali film per adulti pieni di banalità e cliché cinematografici, creando un'opera visivamente affascinante. Il risultato è una cospicua raccolta di immagini che spaziano dal grottesco, al violento al contemplativo e a volte erotico, mai banali.

L'arte di Jaki Irvine è volta alla legittimazione delle stranezze: tutto ciò che sembra coerente, improvvisamente cade a pezzi. La sua opera comprende molti film e video, anche in forma d'installazione, ed esplora gli estremi della passione e della quotidianità. Il libro d'artista in collaborazione con Sligo Model Art, sembra il copione di un regista di teatro, arricchito da appunti e note di lavorazione.

Un libro provocatorio composto da una serie di saggi sul concetto di 'sostenibilità' nell'ambito della cultura, della teoria e della musica contemporanee: un approccio fresco e interdisciplinare verso un'esigenza ormai irrinunciabile che accosta le conclusioni e i fecondi scambi di idee tra teorici, musicisti, architetti, artisti e VJ sviluppatisi durante il Festival d'Azione Culturale SOS4.8: 48 ore di creazione artistica non-stop. I testi sono firmati da teorici contemporanei, architetti, musicisti, curatori, artisti e VJ.

Affascinata dal fenomeno l'autrice ha cominciato a studiare le regole dell'arte contemporanea, i criteri curatoriali verso il lavoro degli artisti e il riposizionamento degli stessi all'interno del triangolo istituzioni-mercato-sperimentazione. Questo libro illustra la storia dell'arte contemporanea cinese dallo stadio più nascosto al suo lento risalire verso la sfera pubblica attraverso le infrastrutture istituzionali, le leggi del mondo dell'arte e l'accettazione pubblica.