Tra il 2018 e il 2023 l'artista olandese Hilarius Hofstede ha lavorato a una serie di oltre duecento collage, o papiers collés, combinando immagini preesistenti tratte da media disparati, tra cui materiale pubblicitario, cartoline e copertine di album, e combinando riferimenti storico-artistici con allusioni alla storia olandese e alla cultura pop. Questo volume pubblica per la prima volta più di duecento di questi collage. Costituiscono uno straordinario corpus di opere di un artista originale, provocatorio e visivamente accattivante. I collage esplorano i temi più ampi, natura, cosmografia, psicologia, con arguzia e profonda saggezza. Il libro include saggi di William Laffan e Jean-Michel Rabaté.

Con la storia di Mary e Bernard Berenson si apre la serie di quattro volumetti 'Our Hillsides' dedicata ai grandi personaggi femminili stranieri che vissero sulle colline di Firenze fra la fine dell'Ottocento e la metà del Novecento. Arrivati a Firenze intorno al 1890, il grande storico dell'arte e sua moglie svilupparono fin da subito un forte interesse per le ville delle campagne toscane fino ad acquistare Villa I Tatti che, con l'avanzamento della carriera di connoisseur di Berenson e i conseguenti guadagni economici, oltre alle capacità e l'energia di Mary, trasformarono in una vera e propria villa rinascimentale, al centro di una fervente comunità di studiosi, espatriati e collezionisti.

Il secondo volume di 'Our Hillsides' ci porta a Villa Gamberaia, situata sulla collina di Settignano. I Berenson furono fra i primi visitatori della villa allora abitata dalla principessa rumena Catherine Jeanne Ghyka insieme all'amica e forse amante Florence Blood. Il volume, che si basa anche sullo scambio di lettere fra Mary Berenson e altri noti frequentatori dei luoghi, delinea le figure delle proprietarie come affascinanti e quasi esotici personaggi, riportandone anche i succulenti pettegolezzi che, al tempo, facevano interamente parte degli scambi sociali di questa comunità internazionale.

Il terzo volume di 'Our Hillsides' disegna la figura di Vernon Lee, nom de plume di Violet Paget, scrittrice e critica d'arte inglese. Nel 1889 Vernon Lee si trasferisce con la famiglia in Toscana e va ad abitare a Villa Il Palmerino sulle colline di Fiesole, che diventerà per lei luogo rustico ideale di ritiro dalla vita cittadina e che sarà una destinazione ambita dalla comunità di letterati, artisti, e dalla società internazionale in generale. Fra questi, oltre a Bernard Berenson con cui Lee intrattenne un rapporto altalenante di "amico/nemico", si citano gli incontri fra la scrittrice e altri letterati fra i più noti dell'epoca, come Oscar Wilde e Virginia Wolf.

Il quarto e ultimo volume di 'Our Hillsides' ci racconta le vicende di Nina Auzias, anche conosciuta come Nina de Montparnasse, e Leo Stein. La relazione fra Leo Stein, collezionista, scrittore, intellettuale, e Nina ebbe inizio a Parigi nel 1909, dove ambedue vivevano e proseguì, coronata dal matrimonio a Firenze nel 1921, sulle colline fiorentine fra la Villa di Doccia e il Villino Rosa, attraverso le grandi vicissitudini personali e storiche, per terminare a Settignano con la morte di Leo nel 1947 e di Nina nel 1949, e dove insieme sono seppelliti.

La mostra su Stefano di Giovanni detto il Sassetta e il suo tempo nasce come un'iniziativa indispensabile per approfondire la conoscenza del patrimonio storico-artistico del Museo di San Pietro all'Orto a Massa Marittima, dove si conserva un "Angelo annunciante" dipinto dal maestro senese per un polittico oggi disperso. Per la mostra sono state riunite ben 26 opere di dimensioni piccole e medie, che hanno permesso di formare la prima mostra monografica sul maestro senese e di rileggere il suo percorso artistico alla luce delle recenti acquisizioni critiche prodotte dalla storiografia, ma anche generate dai restauri. Il primo è stato riservato alla "Madonna in umiltà", proveniente ab antiquo dalla pieve di San Giovanni Battista a Basciano, che si è confermata come uno splendido 'manifesto' dell'attività iniziale del Sassetta; il secondo è stato un intervento di 'rivelazione', che ha permesso di recuperare sotto una completa e deturpante ridipintura di età tardo barocca un'altra affascinante "Madonna col Bambino" dell'attività matura del pittore. Il catalogo offre l'occasione per tracciare un profilo di questo straordinario pittore, che seppe recuperare la lezione tecnica e stilistica dei grandi maestri del primo Trecento, come Simone Martini e Ambrogio Lorenzetti, ma tenendosi aggiornato su quanto stavano facendo i protagonisti del momento della pittura in Toscana, come Gentile da Fabriano, Masolino da Panicale e Masaccio. Leggendo il profilo e le schede delle opere del Sassetta si potrà tracciare in filigrana anche la sua fortuna dal Novecento fino ai nostri giorni, partend

Il volume, utilizzando come spunto la realizzazione di un giardino attorno a un grande capanno in pietra nella campagna toscana, offre un'interessante riflessione sull'idea di giardino e sull'intenso rapporto che si instaura tra l'architetto, il paesaggio e la vegetazione.

Breve guida alla Galleria Corsini di Firenze, nella quale sono state selezionate 47 delle 161 opere della collezione, quelle più amate dalla famiglia e dai visitatori. Tra le altre: il "Ritratto di Sant'Andrea Corsini" del Guercino, "Madonna col Bambino e sei angeli" di Botticelli, "Madonna col Bambino e San Giovannino" del Pontormo, e "La Poesia" di Carlo Dolci.

La pubblicazione del volume completa il lungo e attento lavoro di studio e catalogazione dell'intera collezione di disegni posseduti dalla Fondazione Horne di Firenze. Curato dalla direttrice del museo Elisabetta Nardinocchi e dalla storica dell'arte Matilde Casati, il catalogo offre finalmente agli specialisti uno strumento di studio completo per una delle più importanti raccolte grafiche italiane e consente a un pubblico più ampio di conoscerne lo spessore e gli esemplari meno noti. La collezione di Herbert Percy Horne (1864-1916) comprende 809 disegni, rappresentativi di una varietà di 'maniere', epoche e autori che spaziano nella storia dell'arte europea dal Quattrocento ai primi del Novecento e tra i quali spiccano opere di artisti del calibro di Raffaello, Parmigianino, Rubens, Tiepolo e Füssli. L'articolata e poliedrica eredità di Horne riflette la molteplicità di interessi coltivata in ambito artistico dal fine connoisseur. Il nucleo principale è infatti formato da disegni italiani, ma non mancano opere di artisti tedeschi, fiamminghi e inglesi, come il ritratto di Melantone eseguito da Albrecht Dürer o i numerosi studi di John Constable; vasta è anche la gamma di tipologie e temi trattati che annoverano ritratti, schizzi e progetti architettonici, scene erotiche e caricaturali, studi di mani, teste e panneggi, composizioni sacre, disegni per ricami e paesaggi. I saggi delle curatrici aprono un peculiare affaccio sulla personalità e le passioni di Horne che hanno profondamente caratterizzato la formazione della raccolta. Segue il catalogo completo dei disegni nel qu

Cesare Bossi ha speso, con granitica dedizione, oltre quarant'anni nella sperimentazione delle tecniche di stampa fotografica e ha fondato a Firenze l'ACSAF (Archivio Contemporaneo Stampa d'Arte Fotografica) che oggi costituisce una miniera preziosa e inesplorata di materiali e strumenti ormai introvabili, stampe e prove tecniche uniche, oltre a un tesoretto di carte di ogni genere e formato. Il suo percorso tecnico e artistico si è fatto strada nel mondo della stampa d'arte fotografica a partire da un laboratorio aperto negli anni ottanta in via delle Terme, che lui definisce "una bottega artigiana dedicata alla fotografia", arrivando a ricevere commissioni dagli Stati Uniti e giungendo fino in Cina o in Russia per mostrare i risultati delle ricerche a professionisti e amatori venuti persino dalla Siberia. In queste pagine Bossi racconta come abbia sperimentato e approfondito una grande varietà di tecniche di stampa analogica, passando dai chimici alla stampa all'argento, dal sistema dye transfer agli inchiostri Piezography per la stampa digitale. Lo ha guidato in questa incessante ricerca - che lo ha portato, quasi senza rendersene conto, all'invenzione del nuovo metodo di stampa a pennello - l'incrollabile convinzione che la stampa sia parte integrante e imprescindibile del processo fotografico. Le sfide tecniche della professione e le amicizie e collaborazioni nate in camera oscura - con aziende come Kodak, Ilford, Canon e con fotografi noti come Luigi Ghirri, Joel-Peter Witkin, Ansel Adams e Alberto Bevilacqua -, testimoniate anche da una selezione di lettere illustrat

"Artisti per Frescobaldi" nasce nel 2013 come premio internazionale di arte contemporanea dando vita negli anni a una collezione nella tenuta di CastelGiocondo a Montalcino. Nel 2023 il progetto, sempre più legato all'antica tradizione di mecenatismo della famiglia, evolve in una committenza, con l'obiettivo di generare un programma artististico dedicato alle voci più interessanti del nostro tempo. Per la sesta edizione di "Artisti per Frescobaldi" Daniela De Lorenzo e Massimo Bartolini sono stati invitati a realizzare delle opere site-specific per gli spazi esterni della tenuta.

"Sonus 2 Città del Vaticano" prosegue, dopo il primo volume dedicato al Museo dell'Opera del Duomo di Firenze, l'originale collana dedicata all'iconografia musicale presente nei musei italiani. Ideata e curata da Barbara Aniello, "Sonus" nasce allo scopo di rivelare la bellezza di sculture, pitture, ricami, affreschi, mosaici a soggetto musicale delle più belle città italiane. Un comitato scientifico internazionale altamente specializzato ha accompagnato il lavoro di un giovane gruppo di ricercatori e di autori formati alla Pontificia Università Gregoriana che ha restituito uno sfondo teologico alle opere, illuminandole di una luce inedita. L'autore di "Sonus 2 Città del Vaticano", Fabrizio Gioiosi, ha predisposto un catalogo delle opere a soggetto musicale suddiviso in sezioni tematiche che propone un'incursione tra i capolavori della Pinacoteca Vaticana. "Sonus 2 Città del Vaticano" offre inoltre la possibilità di compiere un itinerario interattivo che si articola tra il visivo e il sonoro: grazie a risorse multimediali che permettono di ascoltare gli strumenti raffigurati nelle opere delle sale vaticane, il visitatore potrà non solo contemplare, ma anche udire il suono di tamburi e salteri, arpe e cornamuse, flauti, viole e liuti che arricchiscono la semantica dei dipinti.

Il contrastante territorio del Friuli Venezia Giulia è l'oggetto del racconto di Nicola Toffolini che ha scelto l'acqua come filo conduttore per delineare confini e percorsi della sua regione: attraverso questo elemento plasmabile e plasmante si compone un paesaggio continuamente trasformato da vicende naturali e antropiche, nel tentativo di cogliere l'inafferrabile complessità del naturale, privata 'mappa mentale' che riflette il rapporto con il proprio ambiente. Ad attrarre Toffolini sono le poderose architetture legate alle utopie del modernismo: questo terribile che affascina è restituito nei disegni, completati dagli interventi poetici dell'artista friulana Eva Geatti, che va oltre il segno visivo con una lirica dalla presenza fisica potente, evocativa e lunare. Le linee dei disegni tracciano orizzonti fragili e violenti, segnati dalle forme che l'acqua assume espandendosi nelle pianure friulane, riempiendo invasi, trasformando la terra anche quando diventa invisibile, inghiottita nelle cavità del Carso triestino. Il sublime che l'artista coglie in viadotti, torri piezometriche e dighe acquista nei 'paesaggi utopici' uno stato simbolico: giganteschi moloch si innestano nell'arido ambiente che li accoglie, proiettando l'ombra del presente su una sponda di futuro.

Anna Forlani Tempesti (1930-2019) è stata una delle più dotate e autorevoli esperte del disegno italiano del XVI e XVII secolo - con uno sguardo privilegiato alla grafica fiorentina -, nota per i suoi contributi dedicati ad artisti quali Piero di Cosimo, Fra Bartolomeo, Michelangelo, il Pontormo, Timoteo Viti, Baccio Bandinelli, Federico Barocci, Raffaello, nonché Jacques Callot, Stefano della Bella e Cecco Bravo, analizzati anche per la loro attività incisoria. Il presente volume è nato da un'idea di amici e colleghi di Anna che, dopo la sua scomparsa, hanno voluto dedicarle un ricordo tangibile e una testimonianza di stima e affetto raccogliendo un corposo numero di contributi scritti in suo omaggio. La scelta della copertina, il Trionfo di Bacco di Andrea Boscoli, ricorda gli esordi di Anna Forlani e la sua tesi di laurea discussa nel 1954 sotto la guida di Roberto Longhi, poi pubblicata nel catalogo della mostra allestita cinque anni dopo agli Uffizi. La sua lunga, fondamentale direzione del Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi, e poi la direzione dell'Opificio delle Pietre Dure, l'insegnamento accademico e anche lo spessore umano di Anna sono ripercorsi dai cinque scritti introduttivi e dalla sua bibliografia, che ne sottolineano la statura internazionale e preludono ai contributi scientifici a lei dedicati. I 42 saggi spaziano dal Quattrocento all'Ottocento, rievocando la vastità degli interessi, dell'esperienza e delle competenze di Anna Forlani non solo nel campo della grafica e lasciando emergere in molti casi quanto i suoi insegnamenti, i consigli, le indicazio

Francesco Forconi, in arte Skim, è un giovane pittore contemporaneo fiorentino. Fin da ragazzo, quando era solito decorare il libretto delle assenze a scuola, sognava di fare l'artista. Oggi ha uno studio a Scandicci, nel quale le sue opere prendono vita in un trionfo di forme e colori. Il suo motto, infatti, è proprio "In Color We Trust", scritta che compare spesso nei suoi lavori e che riassume in gran parte il suo pensiero artistico. Lo stile è fresco, il tratto è semplice e pulito, il colore sempre in primo piano. Nelle opere di Skim le figure affollano la tela senza mai dare l'impressione di volerla comprimere, creando mondi e associazioni nuove, un caos nel quale l'artista mantiene sempre il pieno controllo. La mostra GENESI - L'armonia del Kaos a cura di Simone Teschioni Gallo, che si è tenuta nella Galleria delle Carrozze di Palazzo Medici Riccardi a Firenze dal 16 giugno al 26 settembre 2022, ripercorre la sua carriera di pittore fin dalle prime opere giovanili, per approdare agli Omaggi ad arte, dipinti in cui Skim si misura con i grandi artisti del passato quali Leonardo da Vinci, Raffaello e Vermeer, "skimmandone", come ama dire lui, alcuni dei principali capolavori. Celebre è divenuta la sua Ragazza con l'orecchino di perla ritratta con una maschera a gas, in versione graffitara. La mostra prosegue poi con gli Arcimboldi skimmati, ritratti nei quali i soggetti sono composti da matite, pennelli, palazzi, pesci, aeroplani di carta e i colori sono vividi e brillanti. In ultimo, l'esposizione conta alcune opere site specific quali il Pianoforte skimmato, decorato c

Questo volume, curato dalla galleria fiorentina Simone Begani, tenta di ricostruire l'ancora frammentaria produzione delle opere su carta di Giorgio Ferrero, artista fra gli esponenti dell'Informale a Firenze: un archivio di annotazioni quotidiane, più intime e istintive rispetto alle ceramiche e alle tele, conservate in cartelle intitolate 'Stati d'animo' prodotte in circa un trentennio, dagli anni '40 agli anni '70 del Novecento. Questa produzione è riaffiorata dall'oblio nel quale, dopo la morte, era caduto il lavoro di questo pittore schivo e ombroso. Dalle sue opere, in parte così lontane dai lavori degli artisti coevi a lui, appare assimilata la lezione della pittura gestuale, del gruppo CO.BR.A.e del suo fondatore Asger Jorn. Chiara è l'importanza data al segno, alla gestualità della mano, al colore vibrante e steso in maniera istintiva, alle linee sinuose create dal pennello e al loro carattere così emotivo e privato. Nel volume sono riprodotte 60 opere su carta di Ferrero, selezionate tra quelle in possesso della galleria, e sono pubblicati un'intervista di Simone Begani alla critica d'arte Lara-Vinca Masini, amica ed estimatrice dell'artista, e un testo scritto dalla storica dell'arte Mirella Branca.

Il volume rappresenta un viaggio ideale nei luoghi del Nord Italia, attraverso paesaggi, temporalità e temi apparentemente distanti tra loro. Nei 61 contributi in onore di Alessandro Nova, le colleghe e i colleghi, le amiche e gli amici, le studentesse e gli studenti, spaziano dalla pittura all'architettura, dalla fotografia al cinema fino alla poesia, sempre con il medesimo intento di generosità e amicizia, creando un coro uniforme di voci e visioni. Muovendosi a ritroso nel tempo, dalla contemporaneità all'antichità, le autrici e gli autori hanno scelto per i loro contributi chi un taglio più ravvicinato, fenomenologico e/o iconografico, chi un approccio più vicino alla storia materiale e culturale delle idee. Nonostante questa polifonia trans-storica e multidisciplinare, è stata scelta una nota dominante, attraverso il focus geografico, ma anche esistenziale: l'area del Nord Italia. Ciascun contributo affronta un episodio di cultura visiva legato a questa area geografica, illuminando la complessità storico-artistica, culturale, sociale e politica di una regione verso la quale Alessandro Nova ha rivolto spesso i suoi studi e che ha avuto modo di esplorare con i suoi colleghi e amici. Il volume contiene saggi in italiano, in inglese e in tedesco, tre lingue e tre culture accademiche nelle quali Alessandro Nova ha vissuto e lavorato, facendole dialogare insieme. Questa scelta rispecchia anche l'esperienza di chi non ha mai perso di vista l'importanza di una rigorosa riflessione sui metodi del linguaggio, o meglio sulla pluralità di linguaggi della Storia dell'arte.

In queste pagine la paesaggista Oliva di Collobiano accompagna il lettore in un viaggio fatto di ricordi, sensazioni e soprattutto di ascolto. Luoghi e nomi si intersecano e susseguono tra fantasia e realtà: coltivazioni, radure, isole, giardini, scogliere e orti botanici. È un cammino lento, attento e rispettoso, lungo un percorso durante il quale il paesaggio prende forma, si anima: un paesaggio in cammino. Dove natura e uomo a volte si incontrano, altre si scontrano: l'ortolano, l'architetto in pensione vocato al giardinaggio, l'esperto giardiniere o la paesaggista venuta da lontano in alcuni casi si limitano a guardare, decidere e contrastare, in altri ascoltano, aspettano e assecondano. Sarebbe tutto più facile se potessimo sentirci di istinto una pianta al fine di capire dove e come dirigerci per seguire un cammino in completa armonia con il paesaggio.

Nel cinquecentenario della morte di Raffaello, il vivace dibattito sulla paternità progettuale di Palazzo Pandolfini a Firenze, attribuita da Vasari all'urbinate, è alimentato di nuova linfa nel presente volume dedicato alla storia della famiglia e alle fasi costruttive dell'avita dimora: la più romana tra le residenze fiorentine di primo Cinquecento e l'unica architettura cittadina a poter vantare un'impronta raffaellesca. Sulla base di documenti inediti in parte conservati nell'archivio di famiglia o riscoperti all'Archivio di Stato di Firenze, come le seicentesche memorie di Filippo Pandolfini, i quattro autori hanno potuto aggiungere preziose informazioni a quelle già note alla critica e ricostruire una storia tanto capillare quanto avvincente: di pari passo con le vicende della stirpe di notai e giuristi, vescovi e cardinali, eruditi, letterati e soldati giunta in città dalle terre di Signa, di cui Domenico Savini ha indagato le origini duecentesche sotto il profilo araldico, storico e genealogico, si seguono gli episodi salienti dell'edificazione entro le mura urbane della dimora di delizia di Giannozzo Pandolfini, riflesso delle aspirazioni e delle relazioni intrattenute dal vescovo di Troia, in primo luogo con papa Leone X il quale può verosimilmente aver sostenuto la redazione del primo progetto da parte di Raffaello. Il nome del vescovo, insieme alla data MDXX, campeggia nell'iscrizione latina che corre sotto il cornicione del palazzo magnificamente messo in opera dai Sangallo; i saggi di Francesca Carrara Screti illustrano il lungo e discontinuo andamento della f

Dopo "Intorno al matrimonio" (1994) e "Ritratti di Famiglia" (2014), Maria Pia Giarré e il Centro Di ritornano a collaborare pubblicando il terzo volume della serie dei Ritratti, "Coppie", dedicato al mistero o alla magia della coppia.

"The history of art according to Instagram" è una raccolta di 700 fotografie scattate nei musei di tutto il mondo e postate sulla famosa piattaforma social. Aiutato dalla geolocalizzazione e dai tags di Instagram, Daniele Rossi ha raccolto migliaia di posts e li ha riordinati in una sequenza che aspira alla restituzione di una storia dell'arte al tempo di Instagram. Nelle pagine del volume emerge la vastità di un grande museo virtuale che cresce istantaneamente, un selfie alla volta, con opere e visitatori di tutto il mondo. Il lavoro di Daniele Rossi rivela quanto sia cambiato il mondo di consumare l'arte ed evidenzia le similitudini tra le reazioni di utenti diversi di fronte alla stessa opera ma invita anche a divertirsi, specchiandosi negli autoscatti altrui per prepararsi a fare di meglio.

Sonus 1 Firenze inaugura la prima collana dedicata all'iconografia musicale presente nei musei italiani. Ideata e curata da Barbara Aniello, Sonus nasce allo scopo di rivelare la bellezza di sculture, pitture, ricami, affreschi, mosaici a soggetto musicale delle più belle città italiane. Sonus 1 Firenze è un catalogo di un percorso itinerante e interattivo che si articola tra il visivo e il sonoro e che, partendo dal Museo dell'Opera del Duomo, si snoda tra il campanile e la cattedrale di Santa Maria del Fiore e culmina nel battistero di San Giovanni. Grazie a risorse multimediali che permettono di ascoltare gli strumenti raffigurati nei diversi monumenti, il visitatore potrà non solo contemplare, ma anche udire il suono di liuti, vielle, trombe e cimbali qui effigiati.

L'undicesimo volume della collana Le Antologie di "OPD Restauro" è dedicato al restauro conservativo sui prodotti dell'arte orafa, che è stata in alcuni periodi, come durante il Medioevo, una vera e propria arte-guida. Come spesso accade per le cosiddette "arti minori'" inizia molto tardi ad impostarsi una teoria del restauro con specifici riferimenti all'oreficeria, nonostante l'evidente necessità di sottrarre queste opere a interventi non professionali. Nasce pertanto in tempi relativamente recenti, nel 1979, il Laboratorio di Oreficeria dell'Opificio delle Pietre Dure, ma sempre all'avanguardia nell'utilizzo della tecnologia (è stato il primo a livello mondiale a utilizzare la saldatura a mezzo laser). Nei quaranta anni di attività il laboratorio si è avvalso, essendo le opere di oreficeria spesso polimateriche, anche della preziosa collaborazione con gli altri laboratori attinenti ai diversi settori dell'Opificio, rendendo possibile affrontare situazioni conservative particolarmente varie e complesse di cui questo volume è testimone.