Gianriccardo Piccoli e Alessandro Verdi sono uniti dalla comune appartenenza bergamasca e dalla serietà di un percorso artistico che li ha portati a una produzione di grande intensità e originalità. La mostra a Casa Testori propone due percorsi che si intrecciano nei vari spazi, in un dialogo che vede Piccoli occupare le pareti con alcune serie di grandi disegni realizzati dal momento della pandemia ad oggi e Verdi invece occupare il centro delle stanze con i tavoli che accolgo i suoi grandi libri d'artista. Il dialogo avviene quindi tra il nero intenso e denso di ombre delle carte di Piccoli e le pagine su cui sono impresse le forme potenti a 'macchia' di Verdi. Filo conduttore della mostra è proprio questo confronto all'insegna di una comune percezione drammatica del reale; una percezione che ha determinato in modo coraggioso le loro rispettive scelte recenti.

Margaux Bricler, Binta Diaw, Zehra Do?an, Iva Lulashi, Giorgia Ohanesian Nardin, Iman Salem: sei giovani personalità artistiche nate tra il 1985 e il 1995, chiamate a relazionarsi con una grande figura del recente passato, Carol Rama. Al centro dei loro lavori c'è la relazione con il corpo che diventa terreno proprio dell'espressione artistica. Nelle stanze di Casa Testori entrano opere potenti e talvolta provocatorie che insistono su esperienze soggettive, criticando la dolorosa eredità del sessismo, della violenza e di altre strutture di potere della cultura contemporanea. Sono lavori che forniscono nuove e preziose intuizioni sia sull'arte storica che su quella contemporanea. La mostra è concepita come fosse una pièce teatrale, grazie all'aiuto di una vasta gamma di mezzi tra cui dipinti, sculture, performance, disegni e fotografie. Un ottavo protagonista entra poi in scena, il padrone di casa Giovanni Testori, con una serie di grandi disegni della metà degli anni '70 che hanno per soggetto il corpo femminile.

La mostra, nata da un progetto di Casa Testori, curata da Davide Dall'Ombra e realizzata dalla Regione autonoma Valle d'Aosta, Assessorato ai Beni culturali, Turismo, Sport e Commercio - ha come punto di partenza l'episodio valdostano del 1988 e vuole approfondire gli ultimi straordinari anni del percorso di Schifano, fino alla morte del 1998. L'artista (1934-1998) è una delle presenze più importanti nella collezione permanente del Museo con Calore locale, Collinare, Per vedere, Orizzontale e Vista interrotta opere che sono il frutto di un periodo di residenza di Schifano in Valle D'Aosta tra il febbraio e il marzo del 1988 e che vengono presentate in mostra con un allestimento inedito, in rapporto con il paesaggio che le ha ispirate. Schifano lavorò febbrilmente in un'ala dell'antico priorato di Saint-Bénin producendo decine e decine di quadri, insieme a opere su carta, che vennero esposte alla Tour Fromage nella mostra Mario Schifano. Verde fisico, svoltasi dal 30 aprile al 24 luglio del 1988.

Quella di Congdon è una produzione intensa che è divisa in periodi e fasi di ricerca stilistica. Questa mostra diviene un racconto per tappe, un'antologia con vari capitoli da leggere e su cui soffermarsi sia esteticamente che introspettivamente. Ci sono tutti i luoghi che hanno dato senso e rappresentazione alla sua opera: New York, venezia, Roma , Assisi, il deserto sahariano, la Turchia e la Grecia fino alle campagne lombarde.

Collasso analitico, un percorso in fieri e un'indagine a porte aperte più che una mostra, raccoglie il lavoro di due artiste cosmopolite, Giulia Bruno e Micol Roubini, entrambe nate a Milano ma con radici che le hanno portate altrove. Giulia Bruno, da anni collaboratrice stretta di Armin Linke, ha attraversato il globo alla ricerca di un'utopia legata alla sua storia familiare: l'esperanto, da una parte un tempo lingua capace di riconnettere diverse nazioni varcando le frontiere, dall'altra lingua della resistenza, che rinasce in paesi non allineati creando nuove comunità in nome di un progetto di universalismo. Micol Roubini parte dall'antica fotografia di una casa e una lista d'oggetti: le testimonianze più care conservate nell'appartamento milanese di un suo nonno, scappato dall'Ucraina in seguito allo sterminio della propria famiglia, prima in Russia, per poi arrivare in Italia. Saranno questi pochi documenti a guidarla attraverso l'Europa, fino all'Ucraina occidentale, in un paese che in cent'anni ha cambiato cinque volte identità nazionale e che ora attraversa una delicata fase di transizione.

Appocundria è un'indagine sulla definizione e sensazione di saudade vissuta da una serie di artisti emigrati in Italia dal proprio paese d'origine per ragioni personali, politiche, economiche, sociali, familiari. Appocundria, a partire dalla funzione originaria di Casa Testori, coglie l'occasione per fare riferimento e interrogarsi sugli attuali fenomeni migratori. Un progetto suddiviso in tre capitoli, perché, accanto alla mostra principale ospitata nelle stanze della villa di Novate Milanese, Appocundria ha avuto due appendici fuori casa, anzi, in altre case: un appartamento in piazzale Selinunte, a Milano, e le vetrine delle associazioni del quartiere; gli spazi dell'Abbazia di Mirasole, ora destinata a housing sociale.

Catalogo della mostra Chang'e-4. Nel gennaio 2019 la missione Chang'e-4 dava la notizia della prima foglia di cotone germogliata sulla luna. Le immagini scattate ritraggono una natura verdissima, solitaria, in mezzo all'oscurità dominante. La foglia prende vita nell'intimità di uno spazio confinato - il contenitore appoggiato al suolo lunare - in pieno contrasto con lo Spazio infinito che la circonda. Una foglia-lingua stesa al suolo, effimera, perché la notte lunare e le sue temperature incompatibili con la vita, la uccideranno dopo un solo giorno. Da anni la ricerca di Alessandro Roma ed Eemyun Kang si muove su questo crinale: nella riproduzione di una natura che non è solo quella esteriore, ma che è rifugio incerto, messa in discussione delle certezze. In questa mostra, il dialogo cerca di confondere le loro voci il più possibile, tentando di far vivere allo spettatore un'immersione dove non sempre è possibile distinguere le mani dei due artisti. In entrambi, l'attrazione della pittura gioca un ruolo fondamentale e ci rivela l'intesa profonda che lega il loro lavoro.

In questa mostra, Fatima Bianchi e Ilaria Turba rileggono la realtà e l'immaginario delle proprie storie familiari e personali in un gioco di trasformazione e magia che coinvolge l'osservatore e rende universale il ricordo privato. Dal film di Fatima Bianchi dedicato alla nascita (L'Ouvert) alle più recenti trasformazioni di JEST di Ilaria Turba, corpo di lavoro che nasce dall'esplorazione dell'archivio fotografico della famiglia dell'autrice. La mostra presenta un percorso in buona parte inedito a cui appartengono anche due lavori realizzati in situ e dedicati all'archivio fotografico della famiglia Testori.

I Am Not Legend amplia NYsferatu, il precedente film di Matrovito, che si serviva del disegno e della cancellazione per riflettere sugli outsiders e sui rifugiati, occupandosi della guerra, delle persecuzioni e dei genocidi, che tradizionalmente hanno accellerato il processo di migrazione di massa negli Stati Uniti. La personale Io Non Sono Leggenda intende contestualizzare, presso la sede di Palazzo Fabroni, il lancio del film all'interno di un percorso che possa essere una fotografia della ricerca che Andrea Mastrovito ha condotto negli ultimi anni, intorno alla figura dell'antieroe. La mostra occupa tutte le stanze del museo adibite alle mostre temporanee, per ripercorrere, non solo la genesi dell'opera donata al museo - tavole originali, fonti d'ispirazione e processo creativo - ma anche alcuni dei passaggi più significativi degli ultimi anni dell'artista: dal film precedente, NYsferatu, completamente affidato alla tecnica del disegno; agli intarsi, lavori allegorici che hanno avuto grande successo a Lione in occasione della Biennale; alle vetrate, disegni su composizioni colorate di righelli, fino ai libri ritagliati e ai collage.

La mostra punta a cogliere alcune istanze ed emergenze dell'arte contemporanea valdostana, accettandone l'invasione, mettendosi a disposizione, in ascolto, ma anche dando loro gli strumenti di uno spazio d'espressione. Non si tratta di musealizzare precocemente le espressioni dell'arte ancora in divenire, ma di dar conto di una realtà in essere. Per il Gamba, dar voce all'arte contemporanea del territorio non è solo un dovere civico, ma un'occasione unica per comprendere e per comprendersi.

Catalogo della mostra 'Libere Tutte. Artiste in dialogo' a Casa Testori. Un catalogo progettato da Studio CH RO MO suddiviso in tre sezioni, contraddistinte da carte diverse. Nella prima sezione come in un film si può ripercorrere la mostra con le foto di Michele Sereni. La seconda sezione accoglie i testi e le schede delle opere delle 21 artiste protagoniste di Libere tutte. Infine la parte con le traduzioni in inglese. La copertina si distingue per quel movimento a bandiera mossa dal vento su cui è stata applicata la texture con la scritta moltiplicata del titolo della mostra. Un catalogo originale che è anche uno strumento importante per capire quale sia la novità che le artiste stanno apportando nel sistema.

'Graffiare il presente' muove dalla convinzione che vi siano opere realizzate oggi che hanno nelle loro ragioni programmatiche più profonde il desiderio di dare degli strumenti interpretativi, di carattere critico, poetico o anche militante, per interpretare la realtà che ci circonda; strumenti per arginarla o agire in essa, in opposizione all'idea rassicurante, ma sterile, di suggerire allo spettatore un luogo defilato al riparo dalle contaminazioni del mondo. A partire da questa necessità di insinuarsi attivamente al nostro tempo, Graffiare il presente propone una selezione di opere realizzate nel corso del 2018 da ventuno artisti, tutti italiani, e tutti nati tra gli anni Settanta e gli Ottanta. Si tratta di opere che mirano ad essere mattoni in grado di reggere il proprio e l'altrui peso, capaci di lottare per non scivolare nell'indistinto che fagocita ogni cosa in brevissimo tempo. Tali lavori si offrono al fruitore come strumenti di pensiero, tesi e teoremi - sia visivi che ideali - in grado di sostenere la suggestione dell'utopia, l'ambizione a significare e il proposito di resistere alle tensioni e alle insidie del futuro.

'Se la realtà non è solo un fotogramma' è una conversazione a tre, nata dall'invito di Casa Testori a presentare un progetto espositivo che ponesse al centro metodi e questioni emergenti (ed emergenziali) della nostra contemporaneità. In questa cornice si inserisce la proposta di dare spazio al lavoro di Alessandra Ferrini e Jacopo Rinaldi. Nella specificità dei linguaggi dei due autori, la mostra vuole mettere in luce un preciso metodo di produzione artistica, condiviso dai due artisti, che si basa su ricerche di carattere archivistico e la messa in discussione del display espositivo. Il progetto si struttura così come intreccio di due mostre monografiche che alternano i lavori di Ferrini e di Rinaldi, con l'idea di attualizzare e fornire nuovi spunti di riflessione attorno a ricerche storico-critiche dedicate a Testori e alla cultura italiana del secondo dopoguerra.

Questa mostra compie un tema di progetti espositivi che Casa Testori ha curato per il Meeting di Rimini, con l'intento di avvicinarne il pubblico all'arte contemporanea. L'obiettivo era quello di condividere, con un bacino allargato di persone di ogni età e provenienza, la bellezza e necessità dell'espressione artistica di oggi. Durante la mostra 'Now now. Quando nasce un'opera d'arte', il visitatore ha la possibilità di vedere sette artisti al lavoro, intenti a creare un'opera caratterizzata da un compimento finale, al termine della settimana, e da raggiungimenti intermedi, visibili giorno dopo giorno. Gli artisti coinvolti sono Elena Canavese, Danilo Sciorilli, Alberto Gianfreda, Elisa Muliere, Alberto Montorfano, BN+ brinanovara e Stefano Cozzi. Non manca poi un 'padre' per questi giovani al lavoro: Mario Schifano con la presenza del più grande quadro da lui realizzato: 'La Chimera'.

Per il suo quarto appuntamento, Pocket Pair torna alla pittura. La ricerca di Ivan Quaroni, curatore di questo episodio, insiste infatti sulla contemporaneità e sull'attualità del mezzo pittorico, che trova espressione alle pareti di Casa Testori grazie al lavoro di Silvia Argiolas e Marica Fasoli. Due artiste apparentemente distanti e dall'espressione antitetica, che il curatore, docente e coordinatore per la didattica per Accademia di Belle Arti Aldo Galli IED Como, presenta, invece, un percorso ritmato secondo punti di contatto e affinità, pur mantenendo e sottolineando la differenza di linguaggio ed evidenziando le infinite possibilità della pittura.

La mostra allestita da Anna Caruso al primo piano di Casa Testori è articolata in una serie di carte e installazioni, wall drawings immersivi, dipinti inediti, quasi totalmente realizzati per l'occasione, sperimentando tecniche nuove e lasciandosi interrogare dall'idea di appartenenza e strappo, caratteristiche di una figura come Giovanni Testori e così ben rintracciabili tra le pareti della sua casa, oggi un hub culturale giunto al decimo anno di sperimentazioni, anche nell'ambito della giovane arte contemporanea.

Estasi è una mostra-percorso che presenta i tre video del ciclo The Kitchen. Homage to Saint Therese. I video documentano le performance che Marina Abramovic ha tenuto nel 2009 nelle cucine dell'ex convento di suore clarisse, a Gjion, in Spagna. L'artista ha tratto ispirazione per i tre video dalla lettura dei Diari di Santa Teresa d'Avila, una delle grandi figure del cattolicesimo. La scelta della cucina come ambientazione deriva proprio dalla descrizione che Teresa fa di alcune sue estasi mistiche, avvenute proprio mentre era occupata tra pentole e cibo. I tre video rappresentano un percorso: dalla meditazione sulla condizione umana, Vanitas, si passa al terremoto interiore documentato in Carrying the Milk, per approdare all'estasi vera e propria con Levitation. Nella cucina Marina Abramovic trova anche ricordi autobiografici: era quello il luogo delle confidenze con la nonna Milica che avevano segnato la sua infanzia. «Quando mi sono trovata nella cucina del convento è come se avessi visto un miracolo davanti a me: mi sono accorta che era un lavoro che stava già nella mia testa».

Pocket Pair è una scommessa: affidare a cinque curatori il piano terra di Casa Testori perché lo trasformino con una mostra. A ciascuno è stato chiesto di fare, a sua volta, una scommessa, nella forma del confronto. Saranno quindi mostre bipersonali, con due artisti chiamati a occupare quegli spazi, che contrassegneranno la proposta espositiva di Casa Testori nel 2018 e nel 2019. L'idea è lanciata da Marta Cereda, curatrice del progetto. A dare il 'la' a Pocket Pair è Alberto Zanchetta, direttore di museo coraggioso come il Museo d'Arte Contemporanea di Lissone, un'istituzione con molti anni di storia ma che mostra oggi un grande e rinnovato dinamismo e una brillante capacità di proposte. Alberto Zanchetta, per questa sua scommessa, ha scelto due artisti di grande qualità come Matteo Fato e Nicola Samorì che dialogano fittamente nella loro complementarietà. L'allestimento ha saputo sottolineare le affinità tematiche tra i due artisti, che per l'occasione hanno realizzato una serie di lavori ad hoc ispirati alla passione di Giovanni Testori per la pittura.

Il Museo Lia è ormai dimora di ospiti illustri. La mostra (In)croci-La passione di Cristo secondo Giovanni Testori, a cura di Davide Dall'Ombra e Andrea Marmori, è la più recente dimostrazione che igiochi di chiasmi fra la nostra collezione cittadina e collezioni prestate e maggiormente contemporanee offrono non solo l'occasione di riscoprire il Lia con occhi nuovi ma anche vere e proprie esperienze estetiche. A venticinque anni dalla morte di Giovanni Testori, la mostra è dedicata ad approfondire un tema centrale della sua produzione intellettuale, la Croce e la Crocefissione, e non a caso è stata inaugurata nel periodo quaresimale per donare alla Città un sguardo di raffronto fra la rappresentazione della sofferenza e della Resurrezione in chiave antica e in chiave moderna. Lo spazio del metafisico è totalmente dimenticato nel tratto post cubista di Testori in virtù di una soggettività dominata dall'indagine sull'uomo e sulla sua sofferenza e mentre con un colpo d'occhio a pochi metri si ritrova nei quadri di età medievale.

'Teatro i' mette in scena con Testori non solo un grande del '900, ma anche la dialettica mai passata di moda tra vero e finto, tra vita e teatro, il meta teatro che da Pirandello in poi è sempre stato il vero, ultimo appuntamento residuo. 'Tre Lai', 'Erodias' e 'Angeli dello Sterminio'. Contributi di Renzo Martinelli, Federica Fracassi, Francesco Garolla e Giuseppe Frangi.

Pocket Pair è una scommessa: affidare a cinque curatori il piano terra di Casa Testori perché lo trasformino con una mostra. A ciascuno è stato chiesto di fare, a sua volta, una scommessa, nella forma di un confronto. Saranno quindi mostre bipersonali, con due artisti chiamati ad occupare gli spazi, che contrassegneranno le proposte espositive di Casa Testori nel 2018 e nel 2019. L'idea è di Marta Cereda, curatrice del progetto. Questo è il secondo episodio di Pocket Pair che è stato affidato a Carlo Sala, membro del comitato curatoriale della Fondazione Francesco Fabbri per cui segue, in particolare, il Premio Francesco Fabbri per le Arti Contemporanee e il festival F4/un'idea di Fotografia. Carlo Sala ha raccolto la sfida e ha presentato il lavoro di due artisti come Filippo Berta e Christian Fogarolli e, nella costruzione di questa mostra, è partito dall'analisi della biografia di Giovanni Testori. Casa Testori, secondo le caratteristiche che le sono proprie, ha saputo adattarsi al lavoro dei due artisti, per esempio modellandosi quasi su misura per il lavoro Misura di prevenzione di Christian Fogarolli e accogliendo nelle cantine una performance inedita di Filippo Berta.