All'epoca in cui gli equilibri fra gli stati si basavano sulla potenza delle flotte e sulla vastità dei possedimenti d'oltremare, anche l'Italia ebbe le sue pagine di espansionismo coloniale. Nel 1911 il nostro paese, mosso da logiche espansionistiche, occupò le province nordafricane della Tripolitania e della Cirenaica sottraendole al dominio dell'ormai decadente impero ottomano. L'impresa di Libia, accreditata come una «fatalità storica», suscitò all'epoca grandi entusiasmi per poi seguire la sorte comune alle altre avventure coloniali italiane e finire relegata in un angolo scarsamente illuminato della storia nazionale.

"Sospesa come già in suoi precedenti lavori tra narrazione e accensioni liriche, Asia Vaudo prosegue la ricerca di una voce propria. Un libro dove senza pudore e senza maschere la vita si offre nel suo buio e nel suo canto. Dove senso e aspirazione dell'altezza sono legati a una ossessione per lo splendore e il dolore della carne. Non ci sarebbe questa poesia senza il continuo doppio trauma dello slancio al cielo e dell'accettazione di sé. Certo, va in scena un teatro ricco di occasioni, incontri, seduzioni, disincanti, ma quel che rintocca e torna come arpeggio di fondo - per stare al titolo evocativo - è musica continua dei sensi e dello spirito. La voce della Vaudo è figlia della tensione e della inquietudine e ciò rende più autentiche le distensioni -oggi cosi rare nella poesia - della gratitudine quando non dell'inno. E non importa se di tale gratitudine è occasione una grande o minima cosa, un incontro eccezionale o una fugace concomitanza: è comunque della sua materia che sono fatte le corde di questa voce. La gratitudine è di certo inattuale, ma lega questa alle più arcaiche forme di poesia che sappiamo essere forme di lode, inno... Perdendo tale legame, molta poesia odierna si riduce a cronaca sentimentale. Questa no, arde, e suona la sua arpa segreta." (Davide Rondoni)

"In uno strano paradosso vivono le poesie di Alessia Iuliano, sospese tra tendenza sapienziale e gnomica da un lato e acceso lirismo dall'altro. Una immaginazione fervida e una altrettanto forte sensazione di una scomodità - dell'anima, del corpo - creano una tensione che però, a differenza di tante voci contemporanee, non si chiude in una autoreferenziale piccola cronaca individuale, e invece cerca, apre sguardi vasti, curiosi, indagatori sul vivente, colto nei frammenti di vita minuscoli delle relazioni o nelle aperture di visioni che spesso hanno, se pur non dichiarato, l'orizzonte del mare. Una poesia che punge e che sollecita, non intende sedurre. E anche là dove pare farsi più cantabile e dolce, non cessa di presentarci qualcosa che «mi scompone/ di grazia tutta la faccia». Dopo la favola - della giovinezza, dell'amore e di altre illusioni - infatti o viene il mesto disincanto, o si sente una forza antica e nuova e misteriosa cambiare i connotati. Questa forza la Iuliano ama e onora." (Davide Rondoni)

Racconto sullo sfondo di una verdeggiante, ma povera, campagna siciliana di fine Ottocento minacciata da un grande nemico: «il fumo devastatore» delle zolfare. Il fumo dello zolfo riesce a intossicare non solo la natura, ma i rapporti familiari e sociali del buon Mattia, costretto a indossare la maschera dell'indifferenza, per difendersi dal dolore di un figlio traditore e fuggitivo, perché «non voleva mostrare agli estranei la miseria del suo cuore, l'inganno in cui sentiva il bisogno di persistere ancora». Le esperienze e l'immaginario della giovinezza di Pirandello convergono nella vicenda del protagonista, Don Mattia Scala, assieme alle suggestioni che il primo Novecento suscita nello stesso autore. Pirandello con questa novella va oltre la denuncia sociale verista, vuole dimostrare la carica alienante a cui conducono i ciechi meccanismi familiari e sociali, vere e proprie trappole per l'identità quando non sono illuminati dalla ricerca di autenticità e di umanità; servendosi della sofferenza degli umili arriva a parlare della solitudine umana nel gioco dei ruoli imposto dalle dinamiche del reale.

«Versi gnomici, compatti e serrati da una ritmica semimartellante, fedeli all'endecasillabo, abitano questa raccolta di Ferrucci che fin dal titolo dichiara non tanto l'occasione, ma l'orizzonte. Intendo che la pandemia o quel che è stato veramente, primo atto di guerra o bilanciamento mondiale, non è il tema diretto dei componimenti. Pandemico è l'effetto della poesia che va a toccare i temi del tempo, della stirpe, del cosmo.» (dalla quarta di Davide Rondoni)

Volano sferzati dal vento gli aquiloni legati a un filo sottile che li inchioda a terra, ma sono sempre spinti a levarsi più in alto seguendo un istinto. Come i personaggi di questa storia intensa che ci racconta le vicende di un padre e due figli. Il più giovane a seguito di un episodio doloroso del quale si sente responsabile, ritenendo impossibile il perdono, lascia la famiglia e tenta di cancellare legami, ricordi e nostalgia. Il maggiore, solo in apparenza superficiale, resta accanto al padre e lo accompagna negli ultimi difficili anni segnati dalla vecchiaia e dalla malattia. I ricordi di tutti danno vita a una serie di episodi che vedono come personaggi non secondari - buffi, tragicomici o disperati - gli abitanti del quartiere periferico di una cittadina immersa nella campagna. Le vicende potrebbero far ritenere il lavoro una raccolta di racconti, ma la trama è unitaria, corale, coinvolgente e in essa emerge come vera protagonista la... ricerca della felicità.

«A chi parla la voce della poetessa? e di chi? Voce decisa di poetessa esperta e insieme con una vena di timidezza che si mostra nelle spezzature del ritmo, quasi inciampi del dire, o timidezza quasi di singhiozzo... È un autoritratto? è un culmine tremante e feroce di favola personale? Il solstizio del titolo rimanda a una pienezza di tempo. Eppure si riferisce a un andare. In che punto siamo, da che punto viene la voce che anche impietosa giudica e poi pietosissima raccoglie memorie, attimi, incontri?» (Dalla quarta di Davide Rondoni)

Viaggiando da sola in una delle aree più povere del continente africano, la milanese Elena incontra Jasmine, una mite signora africana che, tra mille difficoltà, gestisce una piccola associazione umanitaria. Fin da subito l'italiana s'imbatte in una dimensione dell'esistenza a lei sconosciuta ed entra a far parte della grande famiglia, tutta al femminile, nella quale Jasmine offre cibo e alloggio a bambini abbandonati, donne ripudiate e sole, ragazze fuggite dai villaggi per sottrarsi alla legge dei matrimoni combinati. Anno dopo anno si creano e si rafforzano nuovi legami e la sera, davanti al fuoco, le donne si raccontano ed esorcizzano antiche paure, decise a costruire per se stesse e per i propri figli un futuro nuovo che, finalmente, sembra essere a portata di mano. Quando però Jasmine rimane vedova ogni cosa precipiterà, inesorabilmente.

«La Profezia di Sauro Albisani, opera dedicata alla vicenda della predicazione e del martirio del protomartire Stefano [...]. Pubblicata per la prima volta per Vallecchi nel 1987 come quarta parte del poema drammatico Campo del sangue, viene riproposta oggi, a quasi quarant'anni di distanza, per la prima volta in edizione autonoma, con lo stesso titolo ma in una forma completamente rinnovata». (dalla Prefazione di Filippo Ungar)

Mimma Forlani ricostruisce la mappa del comune sentire, pensare, parlare di un paese rurale seguendo il giro delle stagioni negli anni 1958/59. Un momento importante per la civiltà contadina che, rimasta quasi immutata dai tempi di Virgilio, inizia a morire negli anni Sessanta quando i contadini abbandonano i campi per la fabbrica. Per raccontare luoghi e persone ormai scomparsi, l'autrice inventa una lingua che rievoca le sonorità della sua infanzia. Nel suo trattato narrativo di antropologia l'autrice ritorna al dialetto, ritrovato lungo il suo percorso di scrittura, all'italiano popolare-lombardo, senza escludere il latino dei riti della Chiesa pre-conciliare e la lingua colta degli studi successivi. L'autrice fa cosi rivivere la koiné di un piccolo borgo agricolo nel quale il dato realistico non esclude il gioco dell'invenzione e lo slancio lirico sottolineato da frammenti poetici. Si narra un duplice commiato: quello dell'autrice dal mondo contadino e quello di un popolo dalla propria vita. "Il paese delle aie" è un gesto d'affetto e di memoria. La vita faticosa e povera dei contadini sembra essere stata più appagante della nostra.

«Sotto il dettato fermo, limpido delle poesie di Carola D'Andrea c'è il vibrante, guerriero animo di una ricercatrice inesausta. Qui, dopo un primo libro febbrile e vitale, arriva a una pausa della traversata e l'interrogazione, la necessità di acquisire punti fermi e adatti a un passo più maturo e rischioso si fanno più forti.» (Davide Rondoni)

La mistificazione del "privilegio bianco"/ Il cristianesimo non c'entra nulla con il socialismo/ Maschile e femminile nella lingua/ Il materialismo economicista in materia di aborto ha colpito anche i pro-life/ Conservatori come Camus e come Dante Alighieri/ L'ideologia diversitaria è al servizio del capitale/ Perversioni antifasciste e verità della memoria/ "Bella ciao", ovvero l'antifascismo puramente strumentale/ L'unità politica dei cattolici non è un relitto del passato/ Patetico Bersani: difende il reddito di cittadinanza che farebbe orrore a Marx/ PD, il partito specializzato nelle crociate contro nemici inesistenti/ Sinistra e fascismo parenti stretti sono/ Polito stai sereno: lo spettro della CL anni '80 non si aggira per l'Italia/ Non abolite il dolore: abolireste l'umano e la felicità/ Il trans è l'eroe del nuovo millennio che odia le donne/ I "femminicidi": prodotto di maschi che hanno perduto il maschile/ Il silenzio di vescovi ed ecologisti sulla pillola gratis/ Con il caso Cecchettin il patriarcato non c'entra nulla/ L'autodivinizzazione di Fedez, vittimismo da padroncino del mondo/ L'identità di genere e il fantasma del transumanesimo. «Il conservatorismo può essere un criterio da applicare ai vari aspetti della vita. Nasce da una posizione religiosa della vita, cioè, dall'accettare di essere stati fatti e dal considerare la tradizione come il punto dal quale partire.» (dalla prefazione di Giuseppe Zola)

"La favola grottesca e poetica di Toldo e Poldo (e del Diavolo) e degli altri personaggi che si affacciano in questo libro visionario, dolce e terribile, uscito dalla febbre poetica di Pedroni, ci sgomenta e ci spiazza. Le due figure in viaggio o forse no nel deserto, emblema sociale ed esistenziale, con visioni di cabine telefoniche e di apocalissi, attrezzi per smontare il cielo, e una "sassaiola di beatitudine" ci costringono a assumere un punto di vista diverso sui temi di sempre della poesia: la caducità e il destino." (Davide Rondoni)

La ragazzina cresce nella guerra; vede e tocca con mani consapevoli. Si chiama Giovanna. è stato un angelo a consegnarle il nome e la visione, a sospingerla. Decisa ad assumere la propria colpa generazionale e la responsabilità di un futuro da reinventare, la ragazzina Giovanna guida una marcia silenziosa di studenti. Giovanna è certa della sola voce che possa reclamare il diritto alla vita: il silenzio. Perché le voci sono molte, il silenzio è uno. Attraverso un paese stordito, spolpato da un tempo asciutto, giungeranno fino alla Capitale per avanzare la loro muta richiesta di ascolto. Un romanzo sui generis che si ispira al passaggio emblematico di Jeanne d'Arc nella storia, la ragazzina che assunse la colpa di due generazioni e la tradusse in un atto volontario di responsabilità: volle agire un futuro ancora da immaginare. Le tolsero la vita. Era scandalo il suo essere ragazza in un tempo e luogo restrittivi per le donne, il suo divenire condottiera di uomini, erano scandalo le sue vittorie e i suoi abiti maschili. Scandalo la sua consapevolezza.

"Le poesie di Michela Silla sono di costa e di ventosità. Non poteva esser diverso, vista l'isola dalla quale viene. Ma lo sono anche per una disposizione dell'anima - aperta nei venti che ne scarmigliano le vesti e i capelli - e pronta a seguire il profilo delle cose, degli attimi, delle figure, preferendo i limiti, i confini, insomma i punti là dove tali figure 0 momenti rivelano la propria natura di rive, di aperture al mare. Sono figure amate - il figlio, innanzitutto - incontrate, intraviste, e momenti che mostrano di essere "città di mare , ovvero realtà dove ci sono certamente vie segrete, strettoie, a volte anche ferite o screpolature, ma comunque abitate da quel "vero", il senso della presenza del mare. Segno di una possibilità, di un viaggio e di un orizzonte infinito. Spogliata da inutili trucchi linguistici, e lavorata come una conchiglia bianca, la voce di questa poetessa accoglie le molte ricche voci della migliore tradizione poetica italiana, spesso nata sulle rive dei mari, rilanciandole ancora nuove nella sua, e nella sua sfidate ad affrontare ancora l'uscita dai porti sicuri, il naufragio e la grande scoperta - come diceva Rimbaud: «È ritrovata!/- Cosa? - l'Eternità./ È il mare che nel sole / se ne va.»" (Davide Rondoni)

A gennaio 2021, sulla soglia dei 50, l'autore prende una grande decisione: partecipare alla competizione motoristica più dura del mondo, la Dakar. Nello stile della ricerca antropologica si è messo in gioco e ha avviato una sperimentazione sul tema della gestione di situazioni estreme. Ha chiamato questa sfida "Dealing With The Unexpected, con enfasi sul tema dell'allearsi con l'inaspettato. Questo è il racconto degli apprendimenti fatti cercando di rispondere alle seguenti domande. Può l'essere contemporaneo pensare che nella vita non ci siano sorprese o situazioni inaspettate da gestire? La strada da percorrere è sempre definita? Le risorse da mettere in campo per sopravvivere o per avere successo sono prescritte o in ogni momento occorre inventarsene di nuove? Questa stessa capacità è la competenza delle competenze che alla Dakar, la terza competizione motoristica mondiale dopo F1 e moto GP, come nella vita, costituisce la differenza. Il racconto ha lo stile di un romanzo di formazione, dove il protagonista parte dalla sua infanzia e arriva al giorno d'oggi, descrivendo scene di vita che rappresentano singoli frame di un film che pare, alla fine, essere scritto già nella sua adolescenza.

"«Se mancano le parole/ mi sento povero,/ un inutile mammifero» dice a un certo punto l'autore di questa messa in scena di testi ritmici, poetici, patetici, atletici. Testi che vanno in diverse direzioni tematiche e psicologiche, testi-sismografo di una vita intensa e ferita, radicale e sparsa. Il modo spudorato in cui queste ritmate ballate illustrano la vita (o meglio il suo rovescio verbale, il suo coro, il concerto o quasi colonna sonora d'accompagnamento) è, come dichiara subito, da lettura scenica o a voce alta." (Dalla quarta di Davide Rondoni)

Cosa vede il poeta da "qui", da un imprecisato punto di vista, uno strano punto panoramico sulla vita, non indicato sulle mappe del libro se non per enigmi, per allusioni, specchi? Cosa vede da "qui" il poeta che alterna versi come sferzate a momenti delicatamente cerimoniosi, sulla scorta di un montalismo corretto da Caproni e da certe inarrestabili visionarietà?

Cosa vede il poeta da "qui", da un imprecisato punto di vista, uno strano punto panoramico sulla vita, non indicato sulle mappe del libro se non per enigmi, per allusioni, specchi? Cosa vede da "qui" il poeta che alterna versi come sferzate a momenti delicatamente cerimoniosi, sulla scorta di un montalismo corretto da Caproni e da certe inarrestabili visionarietà?

«Ci sono momenti che rimangono nei nostri occhi per sempre. Se guardo alla mia fotografia rivedo molte di quelle atmosfere vissute da bambino. La donna protagonista, femminile, elegante, un po' malinconica, romantica e misteriosa». (Lorenzo Taliani)

«C'è in queste pagine una volontà, una consegna, una quasi accanita e però dolce fiducia nella scrittura poetica. Come se la poesia potesse cogliere finalmente il rilievo di moti, pensieri, dolori, gioie che l'autrice custodisce e vive. Si tratta di esperienze forti, potenti, abissali. E altre finissime. Dunque le affida alla voce poetica come le onde di tempeste o le piogge o gli estremi azzurri al mare. In Antonella Caggiano la poesia adempie il proprio compito di dare rilievo alla vita, di portare le vicende personali a una luce - la luce inquieta della parola - che le rende disponibili al riverbero nella vita di tutti. Preferisce l'effetto di versi icastici, immagini portate alla tensione intellettuale massima, quasi deponendo gioielli. Potrebbe dirsi quasi poesia abitata dall'eterno doppio spirito del barocco, e quindi intellettiva e immaginosa. Di certo una voce sincera, libera, tesa a cogliere il segreto che non si esaurisce.» (Davide Rondoni) Prefazione di Laura Garavaglia.

Prefazione di Sandro Bonvissuto.

«Un libro di incisioni più che di poesie. I testi di Ilaria Santilli sono scheggiati come certe pietre o forse misteriosi reperti sui quali luce e buio muovono figure misteriose e imprendibili. Una forza li anima, forza di nervi, di muscoli, di spirito. Una tensione esistenziale radicale, febbrile nel cogliere attimi, sguardi che sono a volte un "attentato all'esistenza"» (dalla quarta di Davide Rondoni)

Ulrich Borromini è un uomo che decide di non opporre nessun tentativo di salvezza a un camioncino che invade la sua corsia e lo travolge. Quando, a quasi trent'anni, perseguitato sin dalla giovinezza da un angoscioso tormento, entra nel 1986, si trova immerso nell'epoca più atroce della sua vita in cui cadde in uno stato mentale oscuro, scollegato dal corpo e dalla coscienza. Eppure questa epoca, che divise la sua vita in un prima e un dopo, rimarrà l'epoca sacra della sua esistenza. Ambientato tra Italia e Giappone, come un romanzo, questo racconto nudo e dolente, intimo eppure universale, ricco di speculazioni filosofiche sfrenate, insegue la pretesa di comprendere la malattia mentale, il terrorismo e la violenza sulle donne.

«Un autore chiude la sua poesia con un verso fulmineo e significativo: "Addio/ a non so". E lascia sospeso il seguito. Ma autorizza a credere che un seguito può esserci, che lo spazio non si è mai chiuso, o almeno non del tutto. Un altro autore, forse, ci spiega a che cosa può essere rivolto, quell'addio. Perché, una volta tornato indietro da una visione che sfiorava il misticismo, scrive: "Ciò che rimane della tua divina proporzione/ è l'immagine". Immagine verbale, aggiungo. E quindi è il linguaggio che si incarica di fissare, mantenere in luce quello che sembrava perso. E che modera la disforia, il dolore, il disinganno del fine-viaggio. Che non è mai finito davvero» (dalla prefazione di Mario Santagostini).

«Mauro Belli appartiene alla genia degli uomini irripetibili, un ladro di professione che incarna la perenne lotta dell'uomo a cui la vita non ha dato nulla e che ritiene giusto prendersi tutto. Ma quel tutto luccicante non porta alla gioia, è la strada dell'espiazione e del pentimento ad aprire il cuore dell'uomo. E Mauro, Mauretto, il suo cuore l'ha spalancato.» (Daniele Mencarelli)

L'ultimo caduto italiano nella Grande Guerra fu Augusto Piersanti, 21 anni, stroncato da una mitragliatrice quel 4 novembre alle 14.40, pochi minuti prima che scoccasse l'armistizio, mentre cercava di strappare agli austriaci la località Paradiso, un nome beffardamente tragico, ad est del Tagliamento. Ad Augusto Piersanti fu conferita postuma una medaglia d'argento al valore militare e persino D'Annunzio, alla vigilia dell'impresa di Fiume, lo ricordò in un discorso. La Prima Guerra mondiale è stata l'incubatrice di una condizione abissale in cui l'uomo, connotato dal proprio linguaggio, non ne avrebbe più avuto uno adeguato, efficace e verosimile per restituire le proprie esperienze più tragiche. A cent'anni dalla traslazione della salma del Milite Ignoto italiano al Vittoriano in Roma, serve una riflessione profonda sulle dinamiche attraverso le quali la politica, la letteratura, l'arte e la cinematografia hanno raccontato, nel corso degli anni, la descrizione e la sublimazione della morte nella Grande Guerra.

«La levità di una piuma non ha possibili riscontri in natura. Da dove viene, a chi apparteneva. è una cosa senza direzioni, senza destino. Un passaggio nel mondo che non ci appartiene e non la potremo mai afferrare. La sfida di Daniela Alfarano sta in questo ossimoro, reale e figurato: coglierla nel suo volo indistinto e incerto, nel suo vagare senza strade. E non solo. La piuma sale dal nero della grafite su carta come fosse un'apparizione Come se fosse una scultura. Nasce dal fondo di un nero profondo e accurato, che non dà tregua.» (Dall'Introduzione di Beatrice Buscaroli)

«Un buon libro deve dire il mondo. Visto che non può salvarlo né renderlo migliore, la cosa più nobile che possa fare è dirlo, mostrarlo in tutta la sua umanità e disumanità, dolcezza e crudeltà. Raccontare la vita privata, che poi è anche pubblica; e raccontare la vita pubblica, che è anche privata. Perché ogni vita è sempre un sogno divenuto forma e persona, una nostalgia che si incarna, è il desiderio di una creatura transitoria che spera di legare il proprio destino a quello delle stelle eterne.»

«Finito di leggere Guerrafesta, la terza opera poetica di Flaminia Colella, si rimane a lungo nell'alone luminoso e turbinoso a cui già il titolo ci introduce. Il nome composto, il neologismo ossimorico inventato dall'autrice per dar nome alla sua raccolta, non indica alternanza di due situazioni: non c'è qui avvicendamento tra il negativo della guerra e il positivo della festa, né oscillazione tra i due poli, anzi, l'immagine del pendolo è negativa: «Oscilla la notte, è un pendolo/ nella città che non cambia mai/ dalla periferia al centro le voci/ si rincorrono come in un cerchio», come la staticità, la circolarità, la ripetizione. Guerra e festa sono sincroniche, siamo sempre nell'una e nell'altra, i due dispositivi [ ... ] tendono persino, in certi passaggi, a coincidere e a identificarsi. La poesia di Colella accetta l'ineluttabile compresenza di bene e male e ci mette in moto. Il lettore che l'ha seguita ne esce con la definita percezione di un movimento continuo e una ricerca instancabile [.. .]» (Dalla Prefazione di Gianfranco Lauretano)