Il libro offre una documentazione del laboratorio Superficies/Quarta Parete, che si è svolto da aprile a luglio 2024 negli ambienti del Teatro Litta a Milano e ha indagato il tema delle opere d'arte come spazi di mediazione tra lavoro artistico e sguardo dello spettatore. A teatro la "quarta parete" è la zona semipermeabile immaginaria che divide la realtà della scena da quella della platea; in essa si può cogliere un analogo della parte esposta di ogni opera d'arte. Promosso dal Dipartimento di Arti Visive - Scuola di Pittura dell'Accademia di Brera, al workshop hanno partecipato 13 studenti. Nel libro si affrontano problematiche essenzialmente pittoriche: l'investigazione del rapporto tra superficie e profondità, tra processualità e ultimazione, la messa in scena e correlazione di materie operative che si offrono o si sottraggono alla visione di uno spettatore. Vi sono esercizi di autopresentazione, testimonianze dai luoghi personali in cui si conduce il lavoro artistico, letture di gruppo di testi tratti dalla letteratura artistica (G. Pane, E. Delacroix, C. Monet), bozzetti di opere realizzate e non. Corredato da una fascetta e da un manifesto, è stampato in 150 copie numerate.

50 opere a colori di scrittura asemica. Con saggi introduttivi di A. De Pirro, G. Garrera, M. Giovenale, P. Polidori.«la figura, l'immagine del crinale, ma più ancora quella del varco, è ben utile, si può pensare, nel caso delle iscrizioni asemiche su pietra di Fabrizio M. Rossi. niente come la pietra incarna l'immagine di un accesso definitivamente chiuso, e niente come la grafia, magari incisa (magari su ferite preesistenti), suggerisce un passaggio di senso, uno spiraglio, qualche itinerario nel labirinto» (M. Giovenale).«I sassi vanno raccolti in angoli di strada, tra cespugli, anfratti, erbaccia, vicino a torrenti e rii, già come metafora di marginalità e, sempre, come pietre scartate dai costruttori, e cioè fuori dai sistemi ufficiali e amministrativi delle scritture e degli scribi del faraone. Le scritture asemiche, o meglio tutte le dedizioni e raccolte di scritture di scarto e inutilizzabili per la comunicazione e che rientrano nei valori dell'ingiustificabilità e dell'inservibilità della parola, cercano di aggirare la scrittura, ogni scrittura, come ordine e dettatura del faraone, e la condizione di scrittori, intellettuali e poeti come scribi del faraone» (G. Garrera).

Il volume raccoglie una selezione di immagini dal progetto "Ultimate Landscapes" di Claudio Orlandi, che dal 2008 fotografa i ghiacciai del nostro arco alpino nel periodo estivo, quando sono ricoperti da speciali teli geotessili studiati appositamente per limitarne lo scioglimento causato dalla crisi climatica. «Gli scatti di Orlandi non rivelano immediatamente ciò che in realtà rappresentano. L'abile lavoro del fotografo consiste nel suggerire agli occhi di chi osserva forme e linee che deviano lo sguardo, affascinando sia con i giochi di contrasto e cromie, sia attraverso l'astrazione geometrica (A. Locatelli)». «Si possono ammirare superfici che paiono [...] silenti composizioni senza tempo, tra pendenze impressionanti e assesti transitori, e soprattutto panneggi marmorei di estrema drammaticità emotiva. Quello che di fronte a queste fotografie emerge però più di tutto, è la magnificenza di un paesaggio che, pur se sfregiato, in bilico, mantiene intatta la sua bellezza, la sua memoria primigenia» (B. Martusciello). Il racconto visivo di Claudio Orlandi è meditato, intriso di poesia, l'interpretazione artistica di ogni suo scatto dona un'esperienza sensoriale di grande impatto.

Questo catalogo rende omaggio all'attività artistica di François Canavy (1941-2021) a tre anni dalla scomparsa. Dagli anni '70 ai '90 documentarista e decoratore presso la maison Van Cleef et Arpels, raffinato collezionista di dipinti, sculture e pregiati manufatti, Canavy ha parallelamente portato avanti la sua personale ricerca artistica, il cui autentico interesse è testimoniato dall'apprezzamento che Jean Dubuffet ha manifestato in un insieme di lettere, pubblicate per la prima volta in Italia in questo volume (grazie alla Fondation Dubuffet) nella loro versione originale e nella traduzione italiana. Il titolo "Corrispondenze" riguarda anche il rapporto di amicizia e dialogo artistico che Canavy ha intessuto con Francesco Proia, ideatore e curatore del catalogo e dell'omonima mostra romana, al quale, nel corso di vari decenni, sono destinate via posta le opere di mail art qui raccolte, collage su buste in cui indirizzo e affrancatura sono integrati nella composizione. Nel catalogo sono presenti anche tre opere recenti di Proia, che fanno da contrappunto a quelle di Canavy. Il volume contiene gli scritti di Isabelle Léonard, Stefano Geraci, Pasquale Polidori, Francesco Proia.

«Equilibri, curvature, magnetismo, attrito, induzione, trazione, gravità: sono processi fisici reali, misurabili nel nostro Universo ed esplicitamente dichiarati tra gli elementi primari di cui si compongono le opere di Emmanuele De Ruvo.[...] L'attrito a cui sono soggette le sue opere è un impedimento alla libertà personale, l'attrazione magnetica una forza che costringe, il punto di equilibrio di un oggetto uno stato emotivo fragile o soggetto a una rottura, mentre alcune opere possono essere metafore di lutti familiari o tragici eventi storici. Come dichiara lui stesso, le sue opere possono rappresentare "l'essere umano sottoposto alle forze incombenti della società" o perfino "smascherare e denunciare i "sistemi di controllo" della società contemporanea e la conseguente creazione e imposizione del limite"» (Marco Tonelli).

Una disamina serrata e feroce sulla pedofilia, la pederastia e la pratica della sodomia. Giuseppe Garrera affronta, alla luce di Pasolini e attraverso documenti e testimonianze, i temi più scabrosi e ottusi del dibattito intorno allo scrittore. Nel saggio, le indagini di Pasolini sulla famiglia vengono indicate come tra le più illuminanti e sconcertanti mai svolte intorno al funzionamento delle strutture del potere e dell'inganno della libertà sessuale: l'insincerità della coppia, la falsa tolleranza verso i gay, l'impostura della lingua e della norma eterosessuale, il potere patriarcale, le madri serve dei figli e responsabili della trasmissione dei valori del maschilismo. «La società borghese tollera e accetta gli omosessuali, o meglio è arrivata a tollerarli e accettarli a condizione che entrino nel perimetro moralistico e ingiuntivo borghese, che mostrino di aspirare alle gioie dell'eterosessualità come ideologia. In primo luogo devono formare una coppia [...]. Ci si auspica poi, e così sarà, che all'interno della coppia gay sia possibile riconoscere per i parenti, i condomini, per tutti, chi è "la femmina", e chi""il maschio", chi fa di fatto il marito e chi la moglie».

Una disamina serrata e feroce sulla pedofilia, la pederastia e la pratica della sodomia. Giuseppe Garrera affronta, alla luce di Pasolini e attraverso documenti e testimonianze, i temi più scabrosi e ottusi del dibattito intorno allo scrittore. Nel saggio, le indagini di Pasolini sulla famiglia vengono indicate come tra le più illuminanti e sconcertanti mai svolte intorno al funzionamento delle strutture del potere e dell'inganno della libertà sessuale: l'insincerità della coppia, la falsa tolleranza verso i gay, l'impostura della lingua e della norma eterosessuale, il potere patriarcale, le madri serve dei figli e responsabili della trasmissione dei valori del maschilismo. «La società borghese tollera e accetta gli omosessuali, o meglio è arrivata a tollerarli e accettarli a condizione che entrino nel perimetro moralistico e ingiuntivo borghese, che mostrino di aspirare alle gioie dell'eterosessualità come ideologia. In primo luogo devono formare una coppia [...]. Ci si auspica poi, e così sarà, che all'interno della coppia gay sia possibile riconoscere per i parenti, i condomini, per tutti, chi è "la femmina", e chi""il maschio", chi fa di fatto il marito e chi la moglie».

Il catalogo, pubblicato in occasione della mostra di Bruno Lisi promossa dal Polo Museale della Sapienza nel decennale della scomparsa dell'artista, propone uno sguardo d'insieme su oltre cinque decenni di attività. La ricerca di Lisi - sempre aggiornata, ma leggermente fuori sincrono rispetto alle mode del momento, autonoma e solitaria - può essere letta come un continuum di rimandi e rielaborazioni che dai particolari naturalistici passa per la figura umana sempre più dissezionata e osservata in maniera talmente ravvicinata da diventare talvolta indecifrabile (Francesca Gallo). Dagli anni Ottanta, senza abbandonare il lavoro pittorico, Lisi si allontana progressivamente dalla figurazione: dai monocromi blu, in cui permane un'eco ancora naturalistica, alle variazioni sul segno lineare, lungo un percorso che, come scrive Marisa Volpi nell'intervista del 1984, è sinonimo di libertà e azzeramento. I testi in catalogo sono di Camilla Boemio, Patrizia Ferri, Francesca Gallo, Francesco Moschini, Marcello Venturoli, Marisa Volpi.

Libri dimenticati sono quelli che rimangono dalla chiusura di Aelia Laelia, la casa editrice fondata nel 1982 da Carlo Bordini insieme a Giorgio Messori, Daniela Rossi e Beppe Sebaste. Ne ricostruisce la storia Silvia Bordini, sullo sfondo di ricordi personali e del clima culturale e ideologico di tempi passati, per delineare un ritratto inedito e intenso del fratello Carlo, scomparso nel 2020. Il libro è un tributo a un poeta che si era affermato nel mondo letterario «in una maniera appartata, tenace e selettiva tutta sua» e che aveva dato vita a un'avventura editoriale i cui protagonisti «volevano essere diversi, autonomi dalle maglie del sistema letterario, liberi di scegliere libri "impubblicabili" da proporre come "libri felici" e come "doni"». In questo volume si intrecciano la voce narrante dell'autrice, quella dei fondatori di Aelia Laelia e quella di un piccolo gruppo di amici scrittori che raccontano ciascuno il proprio "libro dimenticato". Questa polifonia ci ricorda che le intermittenze tra scrittura e memoria funzionano come un organismo in divenire in cui dialogano presenze e assenze, tracce del tempo, situazioni, immagini e persone.

L'intensa esperienza artistica che tra il 1970 e il 1974 precede il disegno e la pittura - la primitiva fase comportamentale di Ferruccio De Filippi, oggetto di questo "Solventi" - si distilla nei nuclei che corrispondono alle sezioni del volume: il corpo dell'artista equivalente al seme di un'archeologia futura e punto di origine di un tempo aperto all'imponderabile arrivo del senso; crisi della lettura in quanto atto di visione lineare; il concetto di posizione di sé, figura e statua, assunto fra i princìpi strutturali del fare artistico; formazione di un lessico operativo che include cose e persone, libri e materie viventi, forme geometriche e forme narrative. All'esposizione di questo percorso attraverso gli scritti di De Filippi e le oltre centoquaranta fotografie, per la gran parte inedite, scattate da Mariella Bolzoni, fanno da contrappunto costante le riflessioni di Pasquale Polidori, nei modi di un dialogo tra artisti che intende l'interpretazione, la scrittura e la cura editoriale come componenti dell'opera visiva. Il libro, corredato da una fascetta e da un piccolo manifesto, è stampato in 250 copie numerate e confezionato come un vero e proprio oggetto d'arte.

Claudioadami esordisce collocandosi vicino alla "Nuova Pittura" romana. Alla fine degli anni '70, con la fotografia, attua un processo di riproducibilità che lo conduce all'annullamento dell'immagine e poi all'idea di trasporre reiteratamente su vari supporti gli scritti di Samuel Beckett, verso un lavoro che privilegia il suo procedere, dove la parola si tramuta in segno grafico e, nel suo accumularsi, diventa superficie dipinta. «In questo procedimento di regole rigorosamente definite è possibile scorgere, nell'esercizio quotidiano, un fatto privato e intimo, quasi meditativo, una necessità per l'artista, che attraverso questa strada introduce tratti della sua esistenza» (D. Borromeo). «Le opere di claudioadami ci fanno cogliere il tempo come dissolto proprio nel momento in cui ci imbattiamo nell'incertezza, nell'aporia dell'immagine e della rappresentazione. È come se, ogniqualvolta proviamo a percepire il tempo in presa diretta, ci rendessimo conto che non possiamo esperire alcun evento senza collocarlo all'interno di una "scena" che lo contenga e che ne accolga il significato» (M. de Candia).

Nel percorso artistico di Luigi Battisti - attivo a Roma dagli anni Novanta dopo essersi formato all'Accademia di Belle Arti dell'Aquila - il ciclo pittorico di Ninfee è una tappa fondamentale: un imponente insieme di grandi carte su cui si depositano controllate velature di acquerello che all'interno di una griglia predefinita definiscono una composizione a schema ortogonale in cui a un'osservazione prolungata dalla giusta distanza si rivelano le forme a losanga. La vibrazione cromatica delle Ninfee riporta alla memoria dell'occhio la pulsazione tra piano e tridimensionalità e con essa la medesima esigenza di mobilità dello sguardo.

Il libro inaugura la collana "I solventi", un progetto di Pasquale Polidori dedicato alla scrittura come medium, risvolto e componente integrante dell'opera d'arte così detta plastica o visiva. Questo primo volume contiene una scelta di testi provenienti dalle opere di Jean Le Gac per la prima volta tradotti in italiano dallo stesso Polidori, in contatto diretto con l'artista francese. Composti tra il 1971 e il 2004, lungo fasi diverse di un percorso poetico incentrato sulla pittura come esperienza e oggetto di finzioni, questi testi hanno avuto una funzione particolarmente cruciale all'interno di opere che comprendono fotografie, disegni, dipinti e lavori editoriali. Il libro, corredato da una fascetta e da un piccolo manifesto, è stampato in 450 copie numerate e confezionato come un vero e proprio oggetto d'arte.

Il volume è una passeggiata - verbale e visiva - tra alcuni dei casi più significativi e spettacolari di copertine e di esperimenti sulla forza di un libro, ancora prima che sia aperto e letto: una serie di esempi per una storia del potere e della bellezza delle copertine dei libri, nell'ambito dell'editoria italiana dal 1950 a oggi. Dalle leggendarie copertine di Bruno Munari alle esplorazioni visive di Luigi Veronesi e Armando Testa, fino alle copertine espressamente concepite da grandi artisti come Schifano, Boetti, Rotella. Vi si raccontano poi le scelte eccezionali legate a vesti editoriali desiderate e indicate da scrittori come Calvino, Gadda, Morante, Manganelli, Landolfi, spesso con l'intento di trasmettere messaggi intimi, proibiti, o di alludere e colpire pericolosamente il lettore, costituendo già dalle copertine un'araldica speciale di libri come pietre, bombe o fiori. Un caso a sé, unico e assoluto per intransigenza e potenza iconica, è quello di J.D. Salinger e delle indicazioni per la veste editoriale del suo libro; nel volume è ricostruita anche la tormentata vicenda visiva italiana del "Giovane Holden". Il libro contiene più di 40 immagini a colori.

Ferruccio De Filippi è uno dei principali interpreti dell'arte concettuale a Roma, partecipe delle rassegne internazionali quali la VIII Biennale di Parigi e "Italy two. Art around '70" al Museum of the Philadelphia Civic Center. Ha attraversato gli anni Settanta dando vita a un percorso personale il cui perno cruciale è il disegno, intrapreso nella pratica quotidiana. Il volume, con un testo critico di Diletta Borromeo, presenta una raccolta selezionata dei disegni che seguono le prime due serie "La strada del latte", esposte a Roma presso la Galleria La Salita nel 1977. Tramite questi disegni, raffiguranti per lo più soggetti umani ("le folle"), l'artista elabora le istanze sollevate dalla filosofia e dall'antropologia in quegli anni e mette a punto, non ultima, una sintesi di materia, spazio e movimento che approda a una nuova concezione di pittura. «È sulla superficie che formiamo l'arte-ficio - afferma De Filippi - ed è lì che ci diamo appuntamento».

Un'avventura della poesia e della canzone italiane degli anni Sessanta e Settanta, quando poeti e scrittori come Calvino, Fortini, Pasolini, Moravia cominciano a ragionare intorno alla necessità di utilizzare la canzonetta leggera, la musica, il mercato del vinile per creare prodotti di altissima qualità e popolari insieme: fare in modo che i poeti e i musicisti si approprino di tale mezzo per fondare una canzone d'autore che parli della realtà del mondo e degli uomini e che non necessariamente debba essere sciocca per essere di successo. Siamo agli albori della storia della canzone autoriale. Da qui le esperienze pionieristiche di Cantacronache, la collaborazione Endrigo-Pasolini, Pasolini stesso autore di testi per canzonette come "Cosa sono le nuvole" cantata da Modugno, gli spettacoli di Paolo Poli e Laura Betti e i loro tentativi di creare in Italia una canzone coraggiosa, utilizzando testi appositamente scritti da Arbasino, Parise, Flaiano, Soldati ecc. fino alla collaborazione irripetibile tra Roberto Roversi e Lucio Dalla. Mai più il disco sarà così strumento di conoscenza e immaginazione. All'interno le copertine a colori dei vinili più emblematici.

"L'altra fontana" propone un'inedita interpretazione dell'Orinatoio di Duchamp, basandosi sull'intreccio dei dati biografici delle persone coinvolte nell'operazione di Duchamp, nonché sull'analisi dei pochi e fondamentali elementi linguistici che caratterizzano il ready-made: la firma dello pseudo-autore e il titolo dell'opera. Al centro dell'argomentazione, vi è il rapporto di amicizia tra Marcel e Charles Demuth, il pittore americano che fece conoscere a Duchamp la vita eccitante e spensierata delle strade di New York. "L'altra fontana" è in gran parte un saggio di storia dell'arte, e per il resto una febbrile storia d'amore, cessi pubblici e rivalsa della pittura contro la ragione linguistica.

Nel volume "Luigi Battisti 1989-2019" (a cura di Francesca Gallo) per la prima volta si documenta e analizza la ricerca dell'artista, attivo a Roma dagli anni Novanta dopo essersi formato all'Accademia di Belle Arti dell'Aquila. Partito da una certa vicinanza al Neo-Geo, Battisti intraprende un percorso autonomo nella pittura che fedele all'astrazione lo conduce verso un'indagine sull'acquerello, il pastello, l'olio, con una predilezione per la carta, le grandi dimensioni, la serialità idealmente infinita e il rapporto dialettico fra la bidimensionalità della pittura e l'attrazione dello spazio concreto, con le installazioni. Nato dalla antologica "Luigi Battisti. Opere 1992-2019", presso il Museo Laboratorio d'Arte Contemporanea della Sapienza (novembre 2019), oltre al saggio della curatrice, il libro raccoglie i testi di Luca Casadio, di Lucilla Meloni e un'intervista all'artista di Arianna Desideri.

Tra i migliori e più autentici episodi dell'arte contemporanea si contano quelli accaduti in clandestinità, nel retro degli apparati, o negli scantinati o nelle case private, di nascosto da istituzioni e comitati di amministrazione, e la cui ricostruzione e testimonianza è già impresa di lotta. Diviene meravigliosa e commovente anzi la storia dell'arte contemporanea, soprattutto lì dove è stata, ed è tuttora, storia di clandestinità, di sotterfugio, di fuga, di elusione. Lungo questa direttrice si è svolta "Tecniche d'evasione. Strategie sovversive e derisione del potere nell'avanguardia ungherese degli anni '60 e '70" (Roma, Palazzo delle Esposizioni, 4 ottobre 2019 - 6 gennaio 2020), la mostra in occasione della quale ha preso vita questo libro. Per rendere più facilmente leggibili queste strategie, queste tecniche d'evasione, come in un manuale di sopravvivenza o guerriglia clandestina si è deciso di selezionare sei modalità, che appunto illustrano sei straordinarie tattiche per sfuggire ai controlli, stordire la censura, eludere il potere, deriderlo, lasciarlo interdetto, ma soprattutto per custodire e proteggere la propria fedeltà all'arte e il proprio sogno d'artista.

In maniera poetica Pier Paolo Pasolini utilizza l'espressione «razza sacra» per indicare tutta quella umanità che resiste all'omologazione, alla religione della merce, alla perdita della propria unicità. In particolare in «razza sacra» è contenuto il concetto di negritudine, che gli sarà molto caro; e cioè i diversi, i non integrati, gli sconfitti, i poeti, le donne, i bambini, coloro che si ostinano a custodire o testimoniare un'altra concezione della vita e della civiltà. Questo libro è una ricognizione intorno al mondo femminile pasoliniano: le donne hanno insegnato a Pasolini un modello di comportamento poetico e civile, l'importanza di non accettare compromessi, di restare fedeli a se stessi. La madre Susanna, Giovanna Bemporad, Silvana Mauri, Elsa Morante, Laura Betti, Anna Magnani, Silvana Mangano, Maria Callas, Amelia Rosselli, Anna Maria Ortese... amori e amicizie che hanno costituito esempi di resistenza al mondo corrente, insegnando una poesia coraggiosa, fieramente diversa e sempre in rivolta. Il femminile, dunque, come genealogia d'intelletto, come percorso di intimità, solidarietà, complicità, che ha costituito per Pasolini una vera e propria patria sognata.

Un giovane di ventuno anni - tale è Giacomo Leopardi quando scrive l'Infinito - ci indica da subito la parabola irrimediabile e spettacolare del proprio destino, a cominciare da quel "Sempre", dopo il quale tutto sarà solo vertigine e precipizio. Questo saggio, tutto dedicato al primo verso dell'Infinito di Leopardi, in occasione del bicentenario dalla stesura, procede esso stesso per voragini, smottamenti, cadenze irregolari. I due curatori indagano la vicenda del verseggiare di Leopardi, la sua capacità di far franare tutto: le parole, le cose, i moti, i sentimenti. Nel primo verso c'è già l'intera avventura poetica di Leopardi fino al mare impietrato del Vesuvio, passando per le steppe dell'Asia minore: l'ermo colle è profezia di una scelta inesorabile, una fedeltà al deserto. Dal primo grande momento di affezione al precipitare nell'abisso del tempo e nel segreto dell'anima, del ricordare, per lutto e perdita, dalla speranza e consolazione dell'infinito, al sedere contemplando il nulla, Leopardi sceglie il naufragio come condizione irreversibile. Una nota finale di Fabrizio M. Rossi rende omaggio alle edizioni a stampa dell'Infinito e ne ricostruisce la storia tipografica.

"Elvira, Liliana, Doina, Mara, Nevresa, Andrijana e Simona ci raccontano del loro quotidiano, delle mille difficoltà che incontrano a vivere, a crescere i figli, e persino solo a sopravvivere. Ma nelle loro storie c'è anche un'altra partitura, quella luminosa delle relazioni con quegli esseri umani che le accolgono e ne sostengono i diritti, con i contesti che promuovono la loro integrazione, con le associazioni che si impegnano perché vengano riconosciuti anche ai rom la pari dignità, le pari opportunità e il pari accesso all'eccellenza conoscitiva, ovvero le colonne di quel tempio che chiamiamo uguaglianza". (Dalla prefazione di Moni Ovadia). Sette donne, sette interviste, sette racconti di un viaggio - promosso da Arci Solidarietà Onlus attraverso il progetto Or.me. - verso l'integrazione sociale attraverso esperienze di tirocinio e lavoro. E, accanto, le voci degli operatori socio-sanitari che le hanno accompagnate in questo cammino. La metà del ricavato sarà devoluta ad Arci Solidarietà Onlus e utilizzata nei percorsi di inclusione delle donne rom, l'altra metà sarà reinvestita dall'associazione Spazio etico nei progetti di editoria sociale di Cambiaunavirgola.

"I turisti si recano in Africa e guardano senza vedere, intendono senza ascoltare, fotografano senza capire, sfiorano senza toccare. I protagonisti di questo libro sono invece viaggiatori, ossia persone alla ricerca, amanti dell'incontro e poeti dell'ignoto. Il viaggiatore non cerca risposte ma si lascia interrogare e suggestionare dalle persone e dalle cose. In questo viaggio non si cammina sulle strade dell'Africa. Si cammina sulle strade dell'incontro con l'altro, colto nel suo mistero che si rivela solo all'occhio che sa fermarsi sulla soglia. In questo viaggio, le persone e le situazioni non sono idealizzate né demonizzate. Sul filo del racconto le storie, i contesti culturali, le sofferenze sociali, le contraddizioni e le speranze sfilano agli occhi del lettore dentro la loro densità esistenziale." (dalla prefazione di Jean-Léonard Touadi). Il libro è impreziosito da oltre 80 fotografie a colori scattate dall'autore durante il viaggio.