Nei vent'anni che passano tra il 1789 e il 1815 - dalla Rivoluzione Francese, che sconvolge l'assetto politico e sociale dell'Europa, al Congresso di Vienna, che restaura il vecchio ordine politico dopo la sconfitta di Napoleone - si assiste a una trasformazione della danza di società in Occidente. Si macera fino a scomparire la danza settecentesca - la cosiddetta 'danse noble' - e, con le guerre napoleoniche, iniziano a viaggiare per l'Europa le musiche e le danze nazionali. Quell'insieme di danze di gruppo e di coppia che dagli anni '20 formeranno il sistema ottocentesco di danze di società: quadriglie francesi, country dance britanniche e valzer tedeschi. Questo libro offre un'analisi approfondita dei cambiamenti che hanno coinvolto la danza a cavallo tra Settecento e Ottocento, mettendone a fuoco i rapporti con il processo educativo, l'etichetta, la morale, la religione, l'amore, la cultura romantica; particolare attenzione viene prestata inoltre ai luoghi dello studio della danza: i collegi, gli istituti femminili, le scuole dei maestri di ballo. Il repertorio è analizzato in dettaglio seguendone lo sviluppo nei diversi Stati: Francia, Gran Bretagna, Germania, Italia, Stati Uniti, Danimarca e Russia. Il libro si conclude con un excursus sulla musica e i musicisti e sugli abiti indossati da dame e cavalieri durante il periodo preso in esame. È inoltre corredato da una bibliografia aggiornata e completa.

Quanti tipi di fotografia conosciamo? E in che modo si è evoluto il linguaggio fotografico? Come fosse un ideale rullino di 24 pose sul quale la storia ha lasciato le sue tracce, questo libro individua le 24 tappe essenziali della storia della fotografia, fissandole in altrettanti scatti fotografici. Nel ripercorrere il rullino, vengono esaminati i legami della fotografia con le altre arti visive: pittura prima, cinema e mass media poi, per comprendere radici e relazioni del codice visivo più diffuso nella nostra epoca. La scoperta di materiali fotosensibili capaci di catturare in modo stabile l'immagine proiettata dalla camera oscura ha segnato le origini dell'arte, e da allora la fotografia è andata in cerca della propria identità, in contrasto o analogia con altri media. Dai fotomontaggi di H.P. Robinson (1830-1901) a quelli di Erik Johansson (1985), dalla rivista Camera Work alla celeberrima Agenzia Magnum, la fotografia documentaria, l'estetica dell'istantanea, l'edonismo patinato, la sparizione dell'autore a favore di opere costruite con scatti eseguiti da altri. Per definirlo con le parole dell'autore: «Un percorso per imparare a 'guardare' senza limitarsi a vedere».

Nell'ultimo decennio il linguaggio cinematografico ha trovato nella televisione e nelle piattaforme digitali i suoi nuovi canali di affermazione. Da qui l'esigenza di una Storia della serialità, ossia di quei prodotti audiovisivi che sul piano della diffusione, su quello della qualità e dell'immaginario culturale stanno progressivamente conquistando lo spazio una volta occupato dal cinema. Scritto da un team di studiosi di diverse università, affiancati da alcuni professionisti del settore, il libro mette in luce innovazioni, continuità e strutture di genere, e illustra le tecniche di scrittura e di produzione di quelle storie che hanno appassionato milioni di spettatori nel nostro e negli altri Paesi. Ad arricchire l'approccio storico, inoltre, ciascun capitolo si chiude con l'analisi approfondita di una serie emblematica del periodo o del genere di riferimento.

Non andiamo sempre d'accordo. Quello che, all'origine, si presenta solo come uno scambio di idee spesso si trasforma in una discussione accesa o in infuocati litigi. Chi è stato il più grande calciatore del mondo, Pelé o Maradona? È più sano seguire un regime alimentare di stampo anglosassone o è meglio scegliere la dieta mediterranea? Già i pensatori dell'antichità si erano accorti che, per risolvere uno scontro di opinioni, non sempre è sufficiente fare ricorso alla 'logica', visto che, nell'argomentazione comune, spesso si nascondono trappole e inferenze ingannevoli. Le fonti dell'argomentazione, proprio partendo dalle più autorevoli testimonianze del pensiero di chi ci ha preceduto, aiuta il lettore a identificare quali siano le fonti del disaccordo, a seconda dei differenti contenuti e scenari. A partire dall'Eutifrone di Platone, viene suggerito quanto alcune distinzioni tradizionali - come ad esempio quelle tra questioni di fatto e questioni di valore - non siano sufficienti per stabilire l'esito di una discussione; al contempo si indica a quali altre strategie possiamo appellarci per 'fare pace'. Si passa poi in rassegna l'efficacia di alcune strategie utili per minare le opinioni altrui quando queste si fondano su prove inadeguate. Infine, ci si concentra sui fattori che, oggi come ieri, possono determinare la 'vittoria' in un dibattito, la palma d'oro in una discussione. Ricco di esempi semplici e di facile intuizione, un libro fondamentale per chi vuole avvicinarsi all'arte dell'argomentare o, più semplicemente, vuole convincere delle proprie idee gli altri o con

Tullio De Mauro diceva: insegnare 'Italiano' significa fare educazione linguistica. Ma come si può educare alla lingua? Il linguaggio verbale è frutto di molteplici capacità. E ogni insegnante sa quanto sia impegnativo, per un allievo, integrare conoscenze e competenze diverse. Questo libro, nato dall'esperienza pluridecennale delle due autrici nell'insegnamento della lingua italiana sia a livello scolastico sia a livello universitario, dà una risposta a questo compito. Dietro la sfida del gioco, nella spasmodica ricerca della soluzione, offre all'insegnante una metodologia utile per far lavorare di concerto le potenzialità e abilità che servono alla comprensione e alla produzione dei testi. Allenando il cervello a cercare strategie, matura la consapevolezza della lingua italiana tramite un divertente percorso. A differenza delle semplici raccolte enigmistiche, le attività sono qui presentate con gli opportuni riferimenti didattici e indicano, di volta in volta, cosa vanno ad affinare (ortografia, morfologia, lessico ecc.). Agli studenti viene data l'opportunità di misurarsi con se stessi e la classe in maniera innovativa. Agli insegnanti, di trovare i giochi più adatti al loro contesto scolastico. All'interno del libro sono presenti le soluzioni di tutti gli esercizi proposti, così come l'indicazione del livello di difficoltà.

Dire Dante non è impresa facile. Quando si passa dal testo scritto alla declamazione si può contare solo sull'uso della voce, delle pause e delle sottolineature per comunicare il significato racchiuso in ogni terzina; da qui la necessità di una guida per prepararsi alla lettura della Divina Commedia. In questo libro vengono presentati 10 canti - i più famosi di Inferno, Purgatorio e Paradiso - il cui testo, rispettato integralmente, è stato disposto in modo da risolvere il problema del rapporto tra la forma del verso e il contenuto da veicolare. Grazie ai diversi accorgimenti tecnici proposti, il lettore imparerà ad avvicinarsi alla Divina Commedia con stile moderno, scoprendo come dare il giusto risalto alla straordinarietà delle scene, all'intensità dei dialoghi e alla profondità delle riflessioni dantesche. Ma non solo: Dire Dante si offre anche come un manuale di lettura espressiva della poesia più in generale: dalla versificazione dei sonetti in otto sillabe a quella degli endecasillabi, con esempi di lettura ad alta voce scelti tra i più famosi sonetti della letteratura italiana. Completano l'opera alcuni esempi pratici di canti letti ad alta voce e fruibili online.

La polemica è una discussione tra sordi? Di fronte ai conflitti sopra le righe e le contese urlate dei talk show televisivi, la polemica sembra uno sforzo finalizzato solo alla prevaricazione dell'altro. Ma le cose non stanno così. 'Viva la polemica viva' per la prima volta mette sul piatto della bilancia le caratteristiche positive della polemica e mostra che è sì un conflitto, ma tutto particolare, perché quando si tenta di confutare l'altro ciò che viene messo alla prova è anzitutto la tenuta delle proprie opinioni. Non solo: polemizzando si realizza la dimensione razionale e sociale che caratterizza ogni essere umano, e si genera comprensione della realtà attraverso il confronto. La difficoltà, quindi, è saper fare polemica per rispondere alla sfida della democrazia: legittimare il dissenso e non porre fine alle controversie. In queste pagine il lettore viene condotto in una palestra dove allenare le proprie capacità polemiche: attraverso principi, strategie e correttivi, imparerà ad affrontare ogni discussione dando ragione delle proprie ragioni. L'obiettivo è che in ogni dibattito polemico vinca la ragione migliore, senza mascherare divergenze e contrasti. Indirizzato agli insegnanti delle scuole superiori, un manuale per tutti quelli che, su una qualunque tematica, vogliano intraprendere una 'corsa agli armamenti' di tipo comunicativo. Prefazione di Adelino Cattani.

La traduzione audiovisiva è una pratica, una tecnica, e un'arte. Come le traduzioni di testi letterari e di canzoni, è il risultato di conoscenza e di processi creativi. Che venga detta transadaptation o transcreazione, la 'manipolazione' dell'adattatore-dialoghista è un lavoro che si misura tanto con la natura del linguaggio filmico, quanto con gli aspetti concreti della cultura di partenza e della cultura di arrivo. Tutto per ottenere un testo espressivo da un punto di vista pragmatico, culturale ed estetico. In che modo il dialogo filmico interagisce, in ogni fotogramma, con il codice visivo del film e con altri elementi della colonna sonora? Quali informazioni offrono la sceneggiatura e la lista dei dialoghi? Come si identificano gli elementi culturospecifici e le varianti sociolinguistiche? E qual è il format del copione da doppiaggio? Con spiegazioni mirate, rafforzate da esempi tratti dalla cinematografia e dalla produzione televisiva in lingua inglese, Teoria e tecnica della traduzione audiovisiva risolve queste e altre criticità che sorgono quando si affronta la traduzione di questi testi speciali, fornendo tutti i principi teorici e gli strumenti necessari per affrontare in concreto la sfida posta dalla TAV (traduzione audiovisiva), a partire dall'adattamento per le diverse forme di doppiaggio (lip-sync, simil-sync, oversound) fino alla creazione dei sottotitoli intralinguistici, interlinguistici e per non udenti.

Chi ha un bambino in famiglia scopre presto che non si è mai troppo piccoli per giocare a far finta. Già dai diciotto mesi il gioco simbolico è un istinto, un percorso naturale di conoscenza di sé e del mondo. Ecco allora che fare teatro con i bambini in età prescolare si rivela un'esperienza formativa importante, perché facendo leva sulle doti immaginative che sono proprie della prima infanzia favorisce lo sviluppo armonioso della persona e il senso di appartenenza al gruppo. Un libro dal taglio laboratoriale, che accompagna il lettore nelle tappe di sedici viaggi fantastici, illustrando un metodo originale che è frutto della lunga esperienza dell'autrice sul campo. Educatori, genitori e chiunque abbia a che fare con i bambini vi troveranno gli strumenti utili per costruire un percorso pedagogico che nutra le potenzialità dei piccoli destinatari e ne rafforzi l'autostima, permettendo loro di sperimentare com'è bello essere liberi di essere se stessi.

In questo libro, concepito in particolare per i giovani studenti del Liceo Coreutico, Francesca Falcone guarda alla danza contemporanea da una doppia prospettiva, teorica e tecnica, mettendone in luce i nuclei tematici fondamentali. Il testo, composto da sezioni dedicate ad approfondimenti teorici, personalità rilevanti, tecniche e metodi, fa luce inoltre sulla terminologia di base adottata nella danza contemporanea, ed è dunque particolarmente utile per chi si avvicina a questa disciplina. Il ricco apparato di immagini ampiamente commentate invita infatti a un approccio creativo alla materia, suggerendo la possibilità di diverse chiavi di lettura. Le connessioni trasversali tra concetti, pratiche e parole chiave sollecitano la curiosità e l'immaginario del lettore, mentre i riferimenti a video reperibili sul Web lo stimolano a interrogarsi su diverse proposte di interpretazione coreografica, offrendo strumenti di analisi della danza utili anche ai professionisti del settore.

Questo libro riunisce in un unico volume i due ultimi scritti di Peter Brook: 'Tip of the Tongue. Reflections on Language and Meaning' (2017) e 'Playing by Ear. Reflections on Music and Sound' (2019). A parte la contiguità cronologica, cosa hanno in comune questi due titoli per essere presentati insieme? Un filo li unisce, e può essere ricondotto a un tema, una domanda che percorre e sostiene le riflessioni raccolte: cos'è la qualità? Capitolo dopo capitolo i saggi, scanditi da domande sempre diverse, ci mostrano come i dettagli delle pratiche teatrali - il suono di una parola, il silenzio in una frase musicale, una danza eseguita attraverso il fremito delle dita e degli sguardi - siano i 'custodi dei segreti', quegli elementi che, se li scrutiamo con cura e nel rispetto delle loro forme, possono cambiare la natura della nostra esperienza del teatro. Per questo, nelle parole di Brook si cercheranno invano ricette o precetti. I suoi brevi saggi, infatti, non si chiudono mai in una definizione, ma tendono piuttosto a scivolare fuori dalla pagina, in un invito all'esperienza. Da consumato narratore, con un abile artificio retorico, nelle sue conclusioni Brook indica invariabilmente un altrove che il lettore deve scoprire da sé. Come è detto nella chiusa di Suonando a orecchio, «la cosa più preziosa è: custodire il silenzio», perché nessuna esperienza è possibile se non ci si predispone al silenzio per poterla compiere. La qualità, che è il momento in cui visibile e invisibile si compenetrano, si trova solo nei dettagli. Nei dettagli è custodito il segreto.

Molti giovani amano il teatro e vogliono diventare attori e la prima cosa per farlo è iscriversi a una scuola professionale. Ma quando si è dilettanti e si vogliono superare gli esami di accesso a queste scuole bisogna sapere come prepararsi al provino, il che occupa molti mesi di lezioni private e impegno personale. Questo libretto è uno strumento che può aiutarvi nella preparazione, una piccola guida che si rivolge ai giovani che desiderano accedere al mondo del teatro, con un linguaggio attento alla comprensibilità ma anche ricco di stimoli per aiutarli ad approfondire la propria cultura teatrale. Nella prima parte Paola Bigatto, insegnante di Recitazione, offre suggerimenti e consigli pratici su come evitare gli errori più comuni e accompagna il lettore in tutti i passi fondamentali: dalla valutazione della propria motivazione alla scelta dei testi, fino al giorno del provino. La seconda parte del testo, invece, contiene le interviste ai responsabili delle più importanti scuole di teatro: tra le altre, la Scuola del Piccolo Teatro di Milano, e la Silvio d'Amico di Roma. Queste interviste hanno un duplice scopo: da una parte aiutano a farsi un'idea di cosa cercano gli insegnanti in un allievo attore e dall'altra permettono di conoscere i diversi principi formativi di ciascuna scuola.

C'è una storia dietro la vita di ogni persona. Ed è fatta di giorni che significano niente ed esperienze che dicono tutto. Narrare le vite degli altri, sottrarle al silenzio, agli stereotipi, a volte all'ingiustizia, è un'arte. E come ogni arte passa per un apprendistato e l'apertura a stimoli coinvolgenti. Prevede alcune competenze, quali la disposizione all'ascolto, l'abilità alla ricerca, la sensibilità per i nodi tematici e per gestire il potere sprigionato dalle storie che restituiscono l'esperienza umana nella forma di un racconto. Diventare narratori e narratrici di storie di vita significa comprendere dei passaggi essenziali: dall'ideazione del progetto fino alla stesura del testo, passando per il patto coi testimoni, lo studio delle domande, il luogo dell'intervista, il confronto con la persona ascoltata. L'autrice, avvalendosi della propria esperienza giornalistica e didattica, presenta un percorso per imparare a restituire la voce di chi ha vissuto o vive esperienze che hanno un valore universale. Ogni tappa del percorso è illustrata nei suoi aspetti principali con numerosi esercizi, proposte di scrittura e spunti tratti dal lavoro di Murakami, Carrère, Erpenbeck, Aleksievic? e molti altri. Il libro accoglie inoltre interviste inedite con: Lidia Tilotta, Giusi Fasano, Stefania Miretti e Angelina Spinoni.

L'editing video, da quando può essere realizzato con l'uso di un normale computer e di comunissimi software, è una pratica abituale e necessaria non solo per i professionisti del cinema e della televisione, ma anche per tutti coloro che utilizzano l'audiovisivo all'interno dei più vari ambiti di comunicazione: dalla pubblicità alla formazione, dalla videoarte a Internet. Nello stesso tempo, la rivoluzione digitale ha cambiato il lavoro del montatore, sia da un punto di vista prettamente operativo che dal punto di vista delle sue competenze. Per tutti, imparare a usare un software di montaggio significa apprendere l'uso di un'interfaccia grafica e delle tante funzioni attivabili col mouse o la tastiera, ma non solo: si tratta soprattutto di acquisire una logica procedurale, una solida competenza nell'uso dei differenti formati, un metodo nell'ordinamento e nella selezione delle infinite inquadrature che, inserite nelle diverse sequenze, daranno vita al film. Scopo di questo libro è mostrare come utilizzare al meglio gli strumenti offerti dai due principali software di editing video oggi disponibili (Avid e Premiere) per sviluppare una procedura di lavoro sicura ed efficace, che porti il montatore a ottenere il miglior risultato senza errori e senza inutili perdite di tempo.

'Napoli/New York/Hollywood' è un'appassionata ricerca sull'impatto esercitato da attori, musicisti e registi italiani emigrati negli Stati Uniti sulla storia del cinema hollywoodiano e sui media americani tra il 1895 e il presente. Il lavoro culturale di generazioni di attori (e musicisti) provenienti dall'Italia ha infatti contribuito non solo al cinema d'Oltreoceano, ma anche alla costruzione dell'immagine degli italiani e dell'italianità presso il pubblico americano. In questo libro si esaminano dunque le carriere di performers italiani non solo di nascita o di ascendenza, ma in quanto portatori di una cultura teatrale italiana: una cultura che abbraccia alto e basso, tragedia e commedia, musica e danza, naturalismo e improvvisazione. La storia dell'influenza della diaspora italiana sui media americani viene ricostruita con un'approfondita ricerca di archivio, un'attenta analisi dei testi filmici e interviste con eredi di queste tradizioni come Francis Coppola, Talia Shire, John Turturro, Nancy Savoca e David Chase.

Interpretare uno spettacolo tecnologico (di prosa, di danza, di lirica) significa collocarlo nella giusta cornice temporale, nel contesto di fruizione per cui è stato pensato e comprendere le potenzialità, le tematiche e le ragioni drammaturgiche dell'uso di una specifica tecnologia. In questo libro le creazioni teatrali sono lette attraverso le teorie di Lev Manovich, Jay David Bolter, Richard Grusin e Henry Jenkins sulla 'cultura convergente', la 'cultura del software' e la tendenza alla 'remediation', cioè al riutilizzo delle vecchie tecnologie. Dopo un breve sguardo al videoteatro degli anni Ottanta e al teatro digitale degli anni Novanta, ci si concentra sul periodo che va dalle prime coreografie interattive con uso di motion capture alle ultime sperimentazioni con sistemi di Intelligenza Artificiale. Il libro è arricchito inoltre da interventi di studiosi italiani che illustrano i nuovi formati digitali e le tecnologie di riferimento, nonché da una sezione di schede delle opere tecnoteatrali più significative.

La disciplina Arte e Immagine è oggi giustamente posta fra le chiavi di accesso a una efficace educazione olistica dell'allievo in età evolutiva. Avvicinarsi all'arte in modo laboratoriale, infatti, stimola il bambino a sviluppare l'intelligenza emotiva, le soluzioni divergenti e creative, le abilità e competenze necessarie a uno sviluppo dell'identità, al fine di cogliere e gestire la ricca complessità del mondo in cui viviamo. Questo manuale si rivolge agli insegnanti di oggi e di domani proponendo percorsi espressivi che permettono ai bambini di sviluppare la manualità fine, esplorare tecniche, strumenti, materiali diversi, confrontarsi con problemi artistici, ma soprattutto divenire protagonisti con la loro creatività e le loro emozioni. Il tutto attraverso un dialogo costante con le opere, il pensiero e l'estetica di alcuni fra i più importanti artisti del XIX e XX secolo riletti in chiave gestaltica a partire dalle principali leggi di organizzazione spaziale e percettiva (il punto, la linea, le forme geometriche elementari, il colore).

'Scrittura professionale' è un prontuario di base per la scrittura di testi legati allo studio o al lavoro, per i quali è necessario padroneggiare con sicurezza la lingua e lo stile adeguato al contesto di riferimento. Per preparare una tesina universitaria, una relazione per un convegno, un report aziendale o un comunicato stampa è necessario infatti conoscere molti aspetti della nostra lingua che, anche a livello universitario, spesso risultano lacunosi: dalla scelta del registro linguistico appropriato all'uso di modi e tempi verbali, dall'assetto sintattico del periodo alla punteggiatura e all'organizzazione del testo. A questi aspetti è dedicata la prima parte del manuale. La seconda parte, invece, è organizzata in base ai generi testuali più comuni nella pratica professionale: lettere, comunicati stampa, progetti, rapporti, saggi, brochure, presentazioni. Ciascun capitolo parte da una descrizione di massima del tipo testuale (funzioni, destinatari, struttura), analizza esempi reali (mostrando gli errori più frequenti), approfondisce aspetti retorici e stilistici (tono di voce, argomentazione, semplificazione), propone esercizi. Il tutto nell'ottica di fornire uno strumento di agile consultazione a chi ha bisogno, per studio o per lavoro, di migliorare le proprie capacità scrittorie.

La prima cosa da imparare per lavorare nel mondo della produzione audiovisiva, indipendentemente dal ruolo cui si aspira, è come funziona l'insieme al quale ciascun lavoro è interrelato. In questa seconda edizione l'autore, tenendo conto dell'impatto della rivoluzione digitale sull'industria cinematografica e ridimensionando alcune forzature che ne sono state generate, analizza brevemente e con precisione ogni mestiere, spiegando in cosa consiste, quali sono le funzioni e le responsabilità di ogni ruolo e quali le relazioni con gli altri e con l'insieme dell'organizzazione produttiva. 'Professioni del cinema' è un testo di facile consultazione - arricchito da diagrammi e schemi che rappresentano sinteticamente il giusto collocamento di ciascuna attività in quella che si usa definire la 'macchina-cinema' - che aiuterà moltissimo quanti si affacciano al mondo della produzione audiovisiva non meno di quanti già vi operano.

Quali sono gli strumenti teorici e pratici che bisogna padroneggiare per rendere efficace un racconto audiovisivo? I due volumi che compongono 'Gli strumenti della regia' illustrano le basi teoriche che è necessario conoscere, sia per chi studia cinema (in particolare gli studenti delle scuole superiori con indirizzo audiovisivo e quelli del primo anno delle facoltà universitarie di cinema) che per il film-maker autodidatta. Le spiegazioni teoriche sono affiancate da un ricco apparato di esercitazioni pratiche, frutto dell'esperienza pluriennale dell'autore in ambito didattico, grazie al quale il lettore potrà verificare quanto appreso. Questo secondo volume, 'Le tecniche della messa in scena', analizza alcune scene ricorrenti nel cinema e nella serialità, illustrando modalità specifiche per girare queste situazioni; si occupa poi di affrontare le dinamiche relazionali e lavorative tra la figura del regista e i reparti principali con i quali si deve confrontare, dalla direzione dell'attore alla fotografia, dalla scenografia al montaggio, dagli effetti visivi al sonoro.

Nel Novecento, secolo della nascita e dell'affermazione della regia, le ricerche e le sperimentazioni dei maestri della scena hanno contribuito a trasformare i profili del teatro. A dilatarne, amplificarne e scontornarne i confini in maniera radicale. La diffusione di laboratori, di spazi dedicati al lavoro e alla ricerca distinti e separati dalla preparazione degli spettacoli ha aperto la strada a nuove consapevolezze, a nuove conoscenze che hanno consentito di esplorare inedite modalità della relazione teatrale. Gli studi sui principi che nel lavoro dell'attore regolano azioni e movimenti scenici rappresentano un nucleo nevralgico di queste ricerche. Il dominio del movimento, che raccoglie studi e interventi dedicati a questi temi, si propone di restituire le scoperte e le riflessioni che hanno caratterizzato quella 'scienza del movimento' novecentesca che ha accomunato le ricerche dei maestri di teatro, danza e mimo moderni.

Quali sono gli strumenti teorici e pratici che bisogna padroneggiare per rendere efficace un racconto audiovisivo? I due volumi che compongono 'Gli strumenti della regia' illustrano le basi teoriche che è necessario conoscere, sia per chi studia cinema (in particolare gli studenti delle scuole superiori con indirizzo audiovisivo e quelli del primo anno delle facoltà universitarie di Cinema) che per il film-maker autodidatta. Le spiegazioni teoriche sono affiancate da un ricco apparato di esercitazioni pratiche, frutto dell'esperienza pluriennale dell'autore in ambito didattico, grazie al quale il lettore potrà verificare quanto appreso. Questo primo volume, 'Le basi della messa in scena', fornisce gli strumenti teorici e pratici per gestire nel miglior modo possibile le inquadrature, per orchestrare adeguatamente i principi della narrazione per immagini, per inscenare varie forme di dialogo e per acquisire nozioni indispensabili per valorizzare l'utilizzo della camera con la quale si gira.

Tutto quello che c'è da sapere per scrivere un grande dialogo. In questo libro, scritto a quattro mani con lo sceneggiatore John Rainey, Linda Seger tenta di sciogliere uno dei nodi più misteriosi della scrittura creativa: dare vita a un dialogo credibile, capace di rivelare con naturalezza l'interiorità dei personaggi, i loro conflitti, e attivo nel mandare avanti la storia e coinvolgere il lettore. Nessun altro dispositivo letterario, sostengono gli autori, crea emozione quanto un dialogo ben scritto. Così, capitolo dopo capitolo, il dialogo viene esplorato in tutte le sue prospettive, e allo scrittore viene suggerito come dare a ogni personaggio la sua inconfondibile voce. Supportato da esempi tratti da commedie, film e romanzi, ogni capitolo si conclude con una sfida pratica: dialoghi poco riusciti, annotati e poi riscritti, per imparare non solo a riconoscere un dialogo ben fatto, ma anche i segreti per migliorare i propri.

È sufficiente avere talento per diventare scrittori? Quali sono lo stile, la tecnica, il linguaggio da utilizzare quando si scrive narrativa? È meglio usare la prima o la terza persona? Come si costruisce il personaggio? In questo libro, rielaborazione di uno dei primissimi testi di citazioni classiche sulla scrittura creativa, pubblicato da Roberta Mazzoni nel 1995 e aggiornato per l'ultimo venticinquennio da Claudia Masia, autori e autrici di tutti i tempi rispondono alle domande che da sempre ruotano intorno all'arte di scrivere. Da Proust e Fitzgerald a Philip Roth e Zadie Smith, da Pavese e Calvino a Camilleri e Murgia, fino a Louise Glück, premio Nobel per la Letteratura 2020, Scrivere è un viaggio nelle citazioni dei grandi nomi della storia della letteratura; un itinerario teorico e al tempo stesso pratico; un manuale a più voci dove chi è del mestiere si rivela e racconta il proprio lavoro offrendo consigli unici a chi vuole intraprendere la stessa strada. Il libro incoraggia, mette in guardia, fornisce strumenti indispensabili all'arte della narrazione, accompagnando gli aspiranti scrittori e scrittrici nell'intero percorso creativo che dall'ispirazione arriva fino alla revisione.

Il volume di Elena Randi analizza le teorie della danza più innovativa tra la fine dell'Ottocento e gli anni Ottanta del Novecento; più precisamente, le stimolanti teorie offerte dai grandi coreografi (da Isadora Duncan e Loie Fuller fino a Pina Bausch e William Forsythe). E lo fa a partire dalla constatazione del loro vivo interesse a rintracciare una modalità espressiva originale, nella convinzione che sia meno importante cosa l'opera d'arte manifesta che non come lo fa. La lingua, nella sua peculiare morfologia, nella sua struttura, già di per sé significa. Impiegare, ad esempio, una tecnica in cui il corpo si muove in modo organico o, invece, obbedendo a forme artificiali è già una scelta eloquente.

Questo libro è un piccolo vademecum rivolto ai giovani musicisti che intendono avvicinarsi seriamente alla professione in ambito musicale. Quali caratteristiche dovrebbe possedere un musicista professionista? Qual è il percorso formativo da seguire? Quali le risorse da mettere in campo per procacciarsi ingaggi e gestire le situazioni di emergenza e/o alternative ai concerti? Elisabetta Filippini risponde a queste e ad altre domande affrontando tutte le problematiche che si pongono a chi si avvicina al settore della musica professionale. In questo modo offre al lettore un quadro preciso di come funziona la carriera di un musicista oggi, alla luce dei cambiamenti intercorsi a partire dalla seconda metà del Novecento. Accanto a una panoramica delle norme deontologiche che regolano il settore, ampio spazio è dedicato anche alle questioni tecniche che riguardano fonia e attrezzature e al funzionamento del mondo discografico e delle produzioni musicali. In appendice il lettore troverà inoltre una piccola guida alle nuove professioni del mondo della musica.

Come imparare a gestire lo stress, a fidarsi del proprio corpo, a mettere a tacere la voce critica del giudizio interiore? Qual è il segreto per riuscire a dare il meglio in un'audizione e a costruire un personaggio vivo e credibile? Per confrontarsi con quelli che da sempre sono i problemi classici che si pongono all'attore, Niki Flacks propone un approccio nuovo e rivoluzionario. Lavorando sul rilascio di croniche e impercettibili tensioni muscolari e facendo leva sulla connessione che esiste a livello profondo tra corpo, testo e sentimenti, sostiene l'autrice, è possibile far emergere le emozioni spontaneamente e al momento opportuno. Basato sulle più recenti ricerche nel campo delle neuroscienze e della psicologia corpo-mente 'Recitare con passione' si offre dunque come guida per tutti quegli attori che non sono riusciti a ottenere risultati utilizzando le tecniche tradizionali della visualizzazione e della memoria emotiva, e fornisce passo dopo passo un metodo alternativo di accesso alle emozioni. Scritto con un tono vivace e colloquiale e arricchito da una vasta proposta di esercizi pratici, questo libro è dunque uno strumento per tutti gli attori che desiderano trovare un modo per dare vitalità e concretezza alla propria presenza in scena.

Letteratura e cinema, in ambito accademico, sono due mondi sostanzialmente separati. Questo libro si propone di gettare un ponte. Non solo perché, nella pratica, sono moltissimi i film che sono stati tratti da romanzi, o perché spesso chi scrive romanzi scrive anche film, ma soprattutto in ragione della natura intrinseca di queste due forme d'arte, che sono essenzialmente due forme di espressione narrativa. Entrambe lavorano infatti su storie, personaggi, ambienti, conflitti e risoluzioni. Una riflessione teorica, dunque, ma anche un pratico libro-guida sia per chi vuole comprendere e studiare il fenomeno da un punto di vista concettuale che per giovani sceneggiatori che desiderano lavorare a progetti di adattamento da romanzi a film. In questo primo volume si esamina l'adattamento non solo da classici o grandi successi letterari, ma anche da 'piccoli' romanzi (come il caso di Forrest Gump), da fumetti (il mondo Marvel e DC Comics) o da opere teatrali (Neverland, Il discorso del re). Si guarda inoltre alla trasformazione di romanzi in serie televisive, esaminando classici come Guerra e pace sia testi più contemporanei.

Letteratura e cinema, in ambito accademico, sono due mondi sostanzialmente separati. Questo libro si propone di gettare un ponte. Non solo perché, nella pratica, sono moltissimi i film che sono stati tratti da romanzi, o perché spesso chi scrive romanzi scrive anche film, ma soprattutto in ragione della natura intrinseca di queste due forme d'arte, che sono essenzialmente due forme di espressione narrativa. Entrambe lavorano infatti su storie, personaggi, ambienti, conflitti e risoluzioni. Una riflessione teorica, dunque, ma anche un pratico libro-guida sia per chi vuole comprendere e studiare il fenomeno da un punto di vista concettuale che per giovani sceneggiatori che desiderano lavorare a progetti di adattamento da romanzi a film. In questo secondo volume si presentano quattro analisi approfondite di tre adattamenti letterari (Ragione e sentimento, Ritratto di signora e Il socio, tratto da John Grisham) e un film biografico (A Beautiful Mind), che servono come verifica della parte teorica presentata nel primo volume e come altrettanti esempi-guida per sceneggiatori e produttori, oltre che essere un utile strumento per chi vuole analizzare i processi che portano a un adattamento ben riuscito.

Il restauro, nel cinema come nelle altre arti, non mira semplicemente a preservare gli oggetti artistici nella loro materialità, ma anche a restituirne il valore in quanto testimonianze storiche. Il restauro di un film non consiste dunque nella semplice riparazione della pellicola, ma è l'insieme delle procedure che permettono di riportarne alla luce il valore artistico ed espressivo. In passato, quello del restauratore cinematografico era un lavoro estremamente specialistico, in cui il risultato era garantito dalla perizia tecnica accumulata negli anni dagli addetti al mestiere. Con l'avvento del digitale la situazione è radicalmente cambiata. Oggi si lavora con software che funzionano sulla base di algoritmi di cui difficilmente chi si occupa di restauro conosce il funzionamento. Questo libro si propone di unire la formazione sugli aspetti tecnici della pellicola e della ripresa cinematografica alla conoscenza dei meccanismi di base del digitale, in modo che il lettore abbia consapevolezza di tutte le tecnologie a disposizione di questa disciplina. Restaurare un film, infatti, come dice Alessandro Rizzi nella Prefazione, è un po' come «guidare una macchina, si può fare anche senza conoscere il funzionamento del motore, ma averne consapevolezza ci può aiutare quando in tangenziale comincia a uscire fumo dal cofano».