L'esperienza ci conferma che le attività presentate in questo volume guidano a bilanciare le risorse fisiche e mentali della persona e, se occorre, possono portare fuori dall'impasse, e ricondurre nel flusso della creatività. Un significativo contributo che viene offerto all'insegnante di strumento che può trovare in queste pratiche un'utile metodologia per mantenere un buon clima di apprendimento durante l'ora di lezione, per aiutare l'allievo a sviluppare motivazione e concentrazione e per educare a un più consapevole uso del corpo in funzione del fare musica con impegno, risultati e gioia. In appendice: Strumento musicale con i DSA.

Prima di avvicinarsi ad una macchina da presa e ad un software di montaggio per la creazione del proprio film è necessario compiere un lungo viaggio nella storia del cinema e scoprire come si è arrivati alla definizione del genere documentario. Solo allora, dopo aver analizzato il rapporto tra musica e cinema e dopo aver esplorato i mezzi e le tecniche di realizzazione, si potrà creare un vero documentario musicale. A tal fine il presente saggio fornirà una breve guida pratica per l'utilizzo del software Final Cut Pro X.

Il libro parla di tutte le gabbie, i gessi e le impalcature invisibili che la didattica vocale moderna ha costruito attorno alla voce nell'illusione di controllarla meglio (e col risultato di soffocarla), e di come imparare a liberarsene. Questo tipo di controllo statico e rigido, introdotto nel canto dalla foniatria artistica un secolo e mezzo fa e basato su una serie di azioni muscolari volontarie localizzate, si sta dimostrando col tempo sempre più nocivo e va pertanto sostituito con un diverso paradigma tecnico-vocale. È ora di svegliarsi insomma dall'ipnosi collettiva del controllo meccanico diretto della voce (fallimentare utopia, prodotta dalla scienza dell'Ottocento) e tornare a quella concezione tecnico-vocale olistica e naturale, che ha fatto grande nei secoli la scuola di canto italiana storica.

Quello che segue è un vero e proprio 'viaggio' tra una delle opere più significative di Bach seguendo l'itinerario da lui tracciato con una esauriente documentazione: mentre possiamo trovare numerose biografie di questo straordinario compositore, non abbiamo ancora un'analisi completa e dettagliata delle sue opere organistiche eccezion fatta per la guida alle opere di Bach compilata dal grande Fernando Germani e da quella del suo allievo James Edward Goettsche che segue comunque quella del suo illustre Maestro. Con il lavoro di Sandro Carnelos, si spera di dare una ulteriore possibilità agli amanti della musica organistica, agli studenti dei Conservatori e agli organisti in generale che avranno così una occasione in più per comprendere e accostarsi alla musica del grande Bach. Contiene tutta la partitura registrazione, diteggiatura e pedaleggiatura.

Stimolata dalla attuale tendenza della pedagogia strumentale di prendere in considerazione i contributi scientifici offerti dalla psicologia e dalle neuroscienze sulla teoria dell'apprendimento, l'autrice affronta quasi tutti i principali argomenti propri della teoria musicale di base attraverso lo stimolo della creatività, dell'ascolto, dell'esperienza della musica di insieme e del suonare procedendo per scoperte all'interno della dimensione ludica. Suddiviso in moduli, questi non procedono tanto seguendo una prospettiva cumulativa e lineare di gradualità del sapere (dal più semplice al più complesso) ma avanzano rispettando la natura della conoscenza secondo la quale la competenza finale e complessa da raggiungere si manifesta non più come somma delle parti ma luogo in cui il tutto dipende dalle parti e le parti dipendono dal tutto, in quanto , da esso, continuamente modificate. Età di lettura: da 7 anni.

Un progetto compositivo proposto in forma laboratoriale la cui pianificazione attuativa ha coinvolto alcuni alunni di una Scuola media a lndirizzo musicale. La trasfigurazione didattica da un lato ha imposto una scelta dei contenuti musicali, accomunati da una peculiarità strutturale passata alla storia come pattern cromatico discendente, dall'altro ha richiesto una coloritura espressiva mediata da alcuni testi poetici di Vivian Lamarque, particolarmente adatti a rivisitare creativamente con i ragazzi quel clima di malinconico disagio esistenziale a loro tanto caro.

'Recitar cantando' è trattato-manuale sulla corretta dizione dell'italiano, fuori d'ogni regionalismo ed uso corrente: in linea quindi alla teoria partorita lungo i secoli dai massimi letterati e assodata dalla musica operistica che non può inclinare ad alcun soggettivismo né temporanea moda. Composto in Giappone dove fu edito nel 2010, vede ora la luce nell'Italia che, causa la confusione linguistica, rischia smarrir la retta sua pronuncia, con pericolo grave all'esecuzione operistica, nella quale tengono attualmente il campo molti cantanti stranieri. Si pregia di 113 esercizi in poesia, tentando in questo d'avvicinare il fruitore ai più alti esempi della tradizione operistica italiana, e memorando quanto scrisse Giuseppe Verdi: 'Bisogna ricordarsi che la voce umana è sì il migliore degli strumenti ma va anche sposata alla poesia e questa ha bisogno di una idealità altissima.'

52 canoni a due; tre e quattro voci (rist. anast. Venezia; 1785). Ediz. speciale

Tra le innumerevoli opere d'arte che arricchiscono la Pontificia Basilica di Sant'Antonio, come i dipinti, i bassorilievi, le sculture, le dorature, i manufatti lignei e marmorei, vanno certamente ricordati i molti Organi a canne che, nel corso di otto secoli di storia, hanno accompagnato e scandito la vita liturgico-musicale di questo mirabile complesso devozionale. Il volume ricostruisce le vicissitudini di storia organaria e ricorda i vari Organi che si sono avvicendati sotto le grandi cupole del Santuario Antoniano: dalle prime notizie del Trecento sino ai nostri giorni. La pubblicazione è completata dalla descrizione tecnica dell'attuale strumento: uno tra i più grandi e importanti d'Europa; costruito tra il 1895 ed il 1931 dalle prestigiose ditte 'Carlo Vegezzi Bossi' e 'Vincenzo Mascioni', possiede più di 6000 canne (la più grande misura più di 7 metri di lunghezza), un centinaio di registri sonori, cinque casse espressive e 2 consolles (una di 5 tastiere e una di 3).

Cinquant'anni di vita societaria offrono l'occasione per precisare gli orientamenti che la musicologia ha seguito tra il 1964 e il 2014 e nel contempo per considerare il ruolo che la Società Italiana di Musicologia ha rivestito nell'ambito della ricerca, della formazione, della didattica e della produzione nel contesto nazionale e internazionale. Undici saggi affidati ad altrettanti autori che hanno ricoperto e ricoprono tuttora un ruolo importante all'interno della SIdM e nel mondo musicologico (Nino Albarosa, Bianca Maria Antolini, Mario Baroni, Alberto Basso, Marco Capra, Etienne Darbellay, Sergio Durante, Enrico Fubini, Nicoletta Guidobaldi, Guido Salvetti, Luigi Ferdinando Tagliavini) affrontano, dandone conto ciascuno attraverso il proprio linguaggio e la specificità del proprio ragionare, sia gli esiti conseguiti in peculiari settori, sia i risultati concreti ottenuti da istituzioni o enti attraverso il loro operato. Dalla riflessione sul passato emergono anche alcune linee di tendenza per il futuro che si auspica siano confortate dalla convergenza di azioni sinergiche e dal supporto di nuove tecnologie.

Francesco Lamperti è il grande maestro di canto che nell'Ottocento, andando contro le nascenti tendenze foniatriche della didattica vocale, riaffermò autorevolmente i principi tecnico-vocali della scuola italiana del belcanto. Alla voce 'oscurata' e alle vocali 'geneticamente modificate' di Garcia egli oppose così il suono 'puro' e 'limpido' di Tosi e Mancini; alla voce portata 'avanti' e 'proiettata' (cioè timbrata artificialmente) oppose il 'porgere il suono' e la 'pronuncia dolce e chiara' come cause della perfetta sintonizzazione e della risonanza libera del canto; alla respirazione anatomicamente segmentata oppose la respirazione naturale globale; agli 'intubamenti' dello spazio di risonanza, realizzati abbassando direttamente la laringe e alzando direttamente il palato molle, oppose la belcantistica 'voce spiegata', realizzata 'dilatando' passivamente 'il fondo della gola'. Mentre la didattica vocale foniatrica si stava richiudendo sempre di più in un'angusta visione meccanicistica e laringocentrica, la didattica belcantistica di Lamperti, soccombente all'inizio, spiegava le ali e spiccava il volo, elaborando e approfondendo i concetti per lo sviluppo armonioso della voce.

Gli argomenti trattati nel libro: Il sistema pitagorico; Il sistema zarliniano; Accordature mesotoniche; Intonazione temperata; Il sistema di intonazione di Hindemith; Il sistema modale: I modi greci, I modi latini; Il sistema tonale; La retorica; Il 'significato' della musica; I nuovi sistemi musicali post-tonali.

Cronodiànoia è un neologismo che sta a significare il pensiero e sentimento del tempo. L'autore porta avanti con questo libretto di una settantina di pagine in versione bilingue italiana ed inglese un lungo percorso di riflessione, sui linguaggi del XX e XXI secolo e la dimensione temporale della musica, iniziato nel 2002 con 'Introduzione alla modalità e al pensiero musicale moderno' (Bérben 2002). Il desiderio è quello di compiere un passo ulteriore oltre l'estetica post-moderna, e di liquidare definitivamente alcuni retaggi del XX secolo, primi tra tutti il rifiuto o l'incapacità di relazionarsi alla dimensione emotiva della musica, ed in secondo luogo il rifiuto di prenderne in considerazione la dimensione percettiva. Uno dei fondamenti del suo lavoro è il recente libro di J. Sloboda, 'Music and Emotions', ancora pressoché sconosciuto in italia. La dimensione temporale acquista una nuova importanza col prestare grande attenzione alle durate e alla ricchezza dei diversi flussi temporali. Mentre risuonano intorno ai principi di questa estetica i valori scelti da Calvino nelle sue 'Lezioni americane'.