Pubblicato nel 1892, 'La signora Treibel' presenta, soprattutto attraverso i dialoghi che li vedono protagonisti, una nutrita galleria di personaggi, appartenenti alla borghesia berlinese del secondo Ottocento. In questa 'commedia narrata' - secondo l'indovinata definizione di Walter Müller-Seidel - della quale colpisce in primo luogo la coralità, Fontane si conferma capace di guardare alle sue creature con distacco e ironia. Il carattere satirico del romanzo è stato del resto sottolineato dallo stesso autore, in una celebre lettera al figlio Theo: 'Obiettivo della vicenda: mostrare quanto sia vuoto, retorico, menzognero, altezzoso, insensibile il punto di vista della borghesia, che parla di Schiller ma pensa solo al denaro'. Di conseguenza, la volitiva e pragmatica Jenny Treibel, malgrado si richiami incessantemente ai valori dello spirito e alla poesia, riuscirà a far valere la propria volontà, scegliendo per il figlio Leopold la ragazza - finanziariamente - più degna. Grazie dunque all'ironia, che non risparmia alcun personaggio del romanzo - dai ricchi borghesi ai boriosi accademici -, alla leggerezza che ne pervade le pagine, e alla brillantezza dei dialoghi, Fontane ci ha regalato una narrazione estremamente gradevole: 'La signora Treibel' appare pertanto da annoverarsi tra le sue opere migliori.

In 'Mathilde Möhring' Fontane concentra la propria attenzione su una classe sociale: la piccola borghesia. Già ben presente in altri testi dello stesso autore, in questo diventa la protagonista assoluta della scena: e ciò forse ne spiega la minore stratificazione linguistica rispetto a opere come 'L'Adultera' o 'Effi Briest', lo 'Stechlin' o 'Frau Jenny Treibel'. È la storia di una doppia emancipazione: di una classe, la piccola borghesia, posta di fronte alla necessità di una ascesa sociale per evitare la caduta nel proletariato, e di una donna che a essa appartiene. Grazie alla sua 'virile risolutezza, virile fiducia in sé stessa, virile intelligenza', Mathilde elabora e persegue il suo progetto matrimoniale che non trova, a differenza di quanto accade ad altri personaggi di Fontane, un ostacolo insormontabile nell'ordine sociale esistente, né antagonisti che siano in grado di contrastarne le idee e le azioni. Una volta rimasta vedova, tuttavia, non si metterà alla ricerca di una nuova unione, concentrandosi piuttosto sullo sviluppo delle proprie capacità per ottenere l'abilitazione all'insegnamento. Ecco quindi delinearsi chiaramente una 'crescita', cui corrisponde una maggiore complessità e profondità psicologica del personaggio.

La pittura fiamminga e olandese - famosa, nel Rinascimento, per l'abilità di artisti come Jan van Eyck e Hans Memling di imitare puntualmente le forme della natura - fu oggetto, nel corso del Cinquecento, di un'intensa rielaborazione dei propri metodi e mezzi operativi, proponendo non soltanto una continua sperimentazione sul piano tecnico ed esecutivo, ma anche una straordinaria varietà di stili e tendenze figurative. Nel Manierismo nederlandese l'attenzione degli artisti sembra essersi decisamente spostata dall'imitazione dei fenomeni naturali all'emulazione delle opere precedenti, per cui maestri come Pieter Bruegel, Hendrick Goltzius e molti altri potranno essere lodati dagli scrittori contemporanei in virtù delle loro impareggiabili capacità metamorfiche: l'imitazione delle maniere altrui diventa, così, un criterio ricorrente nella valutazione delle creazioni pittoriche. Il volume di Ricardo de Mambro Santos affronta questo problema fondamentale della cultura figurativa cinquecentesca, fornendo, da un lato, un itinerario interpretativo rigoroso quanto stimolante ed esaminando, dall'altro, alcuni esempi emblematici della produzione pittorica nordica, analizzata sulla base delle coeve testimonianze iconografiche e letterarie.

«Sono già molti gli anni dedicati da Hetty Paërl, saggista e scrittrice olandese, a ricercare, indagare, studiare le origini ed i caratteri di Pulcinella. Tutto è cominciato con la leggenda di Jan Klaassen, il trombettiere del principe d'Olanda Guglielmo II, diventato burattinaio dopo la morte del suo padrone. Jan Klaassen, da ex suonatore di tromba reale, inventò, per sbarcare il lunario e sostenere la propria famiglia, Jan Klaassen, il terribile burattino che ha divertito e diverte tuttora adulti e bambini nelle strade e nelle piazze di Amsterdam. Hetty Paërl ha intuito che Jan Klaassen potesse avere una qualche similitudine con i tanti e tanti burattini, fra cui Pulcinella, che sin dalla fine del secolo sedicesimo avevano raggiunto ogni piazza d'Europa. Ora, con questo suo libro, Hetty Paërl, lasciati per un attimo soltanto burattini baracche e burattinai, sgranellando le tante storie di Pulcinella, ci svela una antica e nuova grande verità. Ci rivela il segreto non segreto di Pulcinella. Ambiguità ed ambivalenza sono i caratteri di Pulcinella che agli occhi di Hetty Paërl diventano le sacre stigmate di una maschera magica. La più misteriosa ed intrigante maschera della cultura europea.» (Tommaso Esposito)

Questo libro è il frutto di una ricerca storica ideata dal maestro Giuseppe Zozi e realizzata negli anni 1976/77 da due classi delle scuole elementari di Sant'Oreste, che dal 1943 al 1944 fu sede del Comando Tedesco del Sud. La ricerca si basa sul racconto orale del quotidiano che la storia ufficiale non riporta, e che spesso si perde con la scomparsa delle persone che ne sono state testimoni. La memoria del vissuto locale s'intreccia così a uno dei momenti più drammatici dalla storia d'Italia: il risultato è costituito da queste pagine, nelle quali il sentimento di appartenenza al proprio luogo d'origine renderà forse al lettore un piccolo ma inestimabile servizio, ricordandogli episodi - vissuti o raccontati - che fanno parte della storia familiare di ciascuno di noi.

Opera al bivio propone un'analisi circostanziata di due campi specifici della ricerca storico-artistica, direttamente vincolati allo studio delle fonti: la Letteratura artistica di Julius von Schlosser e la Storia della critica d'arte di Lionello Venturi. Partendo da una lettura sistematica della riflessione estetica crociana, il contributo di Ricardo de Mambro Santos mette puntualmente in evidenza le profonde cesure metodologiche che contrassegnano le indagini promosse dai due studiosi, sottolineando, con particolare attenzione, il ruolo svolto dalla concreta analisi dell'opera d'arte nel processo di ricostruzione storiografica.

Considerato un importante documento della tendenza classicista inaugurata a Roma da Annibale Carracci, nei primi anni del Seicento, il 'Trattato della pittura di Giovan Battista Agucchi' è stato a lungo interpretato dagli storici dell'arte sulla base di una simile premessa ermeneutica. Le pagine di Ricardo de Mambro Santos propongono un puntuale riesame delle posizioni teoriche agucchiane, analizzate in stretta connessione con la produzione artistica di Carracci e Caravaggio, nell'intento di sottolinearne la comune attenzione nei confronti della sfera fenomenica. In tal modo, lo studioso potrà cogliere gli aspetti più innovativi dell'opera di questi maestri, restituendo alla riflessione di Agucchi una matrice esegetica ancora lontana dalla dottrina è rigorosamente selettiva del bello è codificata da Giovan Pietro Bellori. Un'ampia raccolta di scritti agucchiani e la pubblicazione di uno studio inedito di Carlo Volpe arricchiscono ulteriormente il quadro critico delineato nel presente volume.

In un dato momento della storia della pittura europea, gli individui si introducono nell'immagine: non gli essere umani in generale, né le personificazioni di questa o quest'altra categoria morale o sociale, bensì persone particolari, dotate di un nome e di una biografia (che noi talvolta ignoriamo nei giorni nostri); in altre parole, sorge allora il genere del ritratto. Non vediamo più in questi dipinti personaggi riconducibili a meri schemi, intenti ad agire come dei segni, ma al contrario esseri ordinari, che potremo ancora incontrare tutti i giorni uscendo di casa. Questa rivoluzione si è prodotta all'inizio del XV secolo, in modo esemplare nel Nord Europa, nelle contrade allora appartenenti alla Francia o, più esattamente, a uno dei suoi domini è il ducato di Borgogna - che acquista, in questo periodo, una notevole autonomia. Siccome la maggior parte dei pittori coinvolti in questo movimento provenivano da una stessa regione - le Fiandre - siamo soliti affermare che le loro opere appartengono all''arte fiamminga'. In questi dipinti vediamo raffigurate le prime persone che ci assomigliano, benché i volti dei nostri contemporanei dimostrino raramente il grado di concentrazione e di intensa interiorità che contrassegna questi nostri remoti antenati.

La bellezza può risiedere anche nel gesto più umile. Quando Steen e Ter Borch, De Hooch e Vermeer, Rembrandt e Hals ci aiutano a scoprire la bellezza delle cose nelle cose, non si comportano affatto come alchimisti intenti a trasformare in oro non importa quale porzione di fango. Questi artisti hanno compreso, tuttavia, che una donna che attraversa il cortile o una madre che spella una patata possono essere belle quanto le divinità dell'Olimpo, e ci invitano a condividere tale convinzione: ci insegnano a vedere meglio il mondo, non a cullarci in dolci illusioni; non inventano la bellezza, ma la scoprono (e permettono anche a noi di scoprirla). Minacciati oggi dalle nuove forme di degradazione della vita quotidiana, siamo tentati, nell'osservare le loro opere, di ritrovarvi il senso e la bellezza dei nostri gesti più elementari.

Fonte indispensabile per lo studio della cultura figurativa nordica a cavallo tra il Rinascimento e il Manierismo, lo scritto di Karel van Mander costituisce il primo tentativo sistematico di descrivere ed esaminare le parabole artistiche al di là delle Alpi. Biografie, aneddoti e acute osservazioni critiche compongono un sorprendente mosaico narrativo dalla portata insieme storica e teorica. La presente edizione offre al lettore italiano la prima versione integrale del trattato di Van Mander, proponendo una traduzione dal fiammingo arcaico condotta secondo rigorosi strumenti ermeneutici. Un ricco apparato critico funge da introduzione al volume.

Le efficaci evocazioni degli amici e di quanti incontrarono il filosofo, i rapidi tratti con i quali Klever presenta alcuni dei temi principali della riflessione di Spinoza ci conducono lungo le strade di Amsterdam, nei villaggi di Voorburg e di Rijnsburg, nell'Olanda del tempo. Il lettore moderno può osservare il filosofo, come recita il titolo di questa raccolta, 'da vicino', immaginarlo intento a riflettere alla scrivania o impegnato a osservare e sperimentare, nel suo laboratorio, con crogioli e alambicchi le proprietà e la composizione del salnitro, o sorprenderlo mentre intaglia o tornisce le lenti affascinato dal mondo microscopico o lontano che esse gli permettevano per la prima volta di osservare.

Un uomo anziano che vive fra i suoi orsi di peluche in una casa trascurata, sviluppa un patetico affetto per ragni, topi, anitre e altri animali. Una donna anziana, che una volta teneva in piedi una famiglia e un'impresa, ora non riesce più neanche ad accendere la radio. Avvenimenti ed equivoci assurdi sono segni rivelatori dell'incipiente demenza. L'uomo e la donna erano un tempo marito e moglie. Le loro due figlie, allontanatesi quasi completamente dal padre dopo la separazione dei genitori, si sentono ora in dovere di offrire ad entrambi aiuto, per contribuire a mantenere in carreggiata le loro vite.

Introduzione di Francesco Petroselli. Con un saggio di W. Theodor Elwert.

Pubblicato per la prima volta in Olanda nel 1604, 'Het Schilder-Boeck' ovvero 'Il Libro della Pittura di Karel van Mander' costituisce una monumentale impresa teorico-critica riguardante l'ambito pittorico nederlandese del tardomanierismo. L'indagine condotta da Ricardo de Mambro Santos individua le categorie critiche distintive della produzione artistica transalpina, cogliendovi i presupposti storici di una progressiva autodeterminazione culturale. Il dialogo con le tradizioni antica e italiana e il confronto incessante con le élites intellettuali nederlandesi permettono allo studioso di interpretare il programma didattico elaborato da Van Mander in termini di graduale sedimentazione teorica, chiarendone uno dei più importanti traguardi ermeneutici: istituire, all'interno di una variabile griglia di riferimento contestuale, l'indispensabile complementarità tra riflessione estetica ed effettiva creazione pittorica.

La Letteratura artistica dell'austriaco Julius von Schlosser viene inquadrata e analizzata all'interno di una stimolante cornice esegetica: l'intensa amicizia intellettuale che legò, per oltre tre decenni, lo storico dell'arte al filosofo italiano Benedetto Croce. Nell'indagare la produzione scientifica di Schlosser sulla falsariga delle disquisizioni crociane - contenute, in modo paradigmatico, nelle pagine memorabili dell'Estetica e della Teoria e storia della storiografia - il presente contributo intende sottolineare la natura profondamente innovativa della riflessione epistemologica dell'austriaco, nel tentativo di stabilire un importante riassestamento metodologico: condurre la disamina sulle fonti scritte, vincolate ai diversi settori dell'attività artistica, secondo una prospettiva di ricerca squisitamente storica, evitando l'adozione di pedissequi schematismi ermeneutici.

Tracce, impronte di un percorso Nord-Sud ambivalente e complesso: ne emergono le scambievoli penetrazioni fra Italia, Fiandre e Paesi Bassi, nella ondeggiante altalena fra classicità e naturalismo.

Il titolo, tratto dalle Considerazioni sulla pittura di Giulio Mancini (1617-21), intende evocare quel clima di passaggio e di osmosi che, sin dalle origini dell'Europa moderna, vide comunicare la cultura nederlandese e quella italiana. Questa raccolta intende proporre al lettore attento una serie di approfondimenti su alcuni temi fondamentali della storia dell'arte fiamminga e olandese nel periodo che va dal XVI al XVII secolo. Molti degli artisti trattati condivisero l'interesse per l'arte italiana e si recarono nella penisola assimilando in vario modo temi e forme della tradizione figurativa nostrana. In tal modo, il topos del viaggio non appare qui soltanto come metafora, ma anche come concreto spostamento, materiale e spirituale, compiuto dall'artista allo scopo di acquisire nuove conoscenze.

«'L'Arte è un'infinità corsa'. Lo affermo perché, credo e non solo per me, creare un'immagine sia un evento straordinario, come dare alla luce un bambino: formare e proteggere ciò che la natura ha stabilito. In questi ormai già vent'anni di lavoro, la cosa più difficile è stata difendere la 'mia Natura', la mia fotografia, specchiarmi dentro, anche per trovarmi immutato: dai primi passi, fuori e dentro il quartiere, il mondo cioè, dove ho iniziato a crescere, fino ad ora. La fotografia mi consente di sentire, e far sentire spero, in modo dirompente, la bellezza del corpo umano, dell'uomo, della sua sostanzialità non della sua forma, e al tempo stesso di tracciare la mappa della mia vita. » (Dino Pedriali)

Nello studio di ogni scienza è sempre indispensabile rifarsi al principio della scienza stessa, cioè domandarsi perché esista e quali siano le ragioni della sua istituzione, in modo che sia più facile intenderne le metodologie attuali e i fini che persegue. È dunque indispensabile rifarsi al significato della presenza dell'opera d'arte nella realtà storica odierna, e alle ragioni che ci spingono a interessarcene.