Il volume nasce dall'interesse di riportare alla luce uno tra gli autori del paesaggismo piemontese, vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Allievo di Lorenzo Delleani, Giuseppe Augusto Levis realizza una vasta produzione di opere che diventano fedele testimonianza del contesto storico a lui contemporaneo: dalle riprese en plein air delle valli alpine ai panorami tratteggiati durante la sua permanenza nella ex-Tripolitania (oggi Libia), sino al reportage della Prima guerra mondiale. Il volume si apre con il Diario Levis, un racconto autobiografico ottenuto dall'accostamento di una serie di fotografie scattate nell'intero arco della vita, a documentare i luoghi, le persone care, i viaggi, gli scorci del lavoro all'aperto. Tecniche fotografiche diverse s'incontrano, componendo un panorama visuale, un diario intimo e personale per immagini che introduce alla ricca sezione dedicata alla pittura. La pubblicazione, composta da numerosi saggi che ripercorrono le diverse tappe della biografia e dell'opera, si pone come strumento utile a rappresentare lo stato attuale delle ricerche sull'artista. Ne fanno da corredo i ricchi apparati, tra cui quello dedicato al fondo fotografico di stereoscopie che diventa, non solo testimonianza dell'interesse per il nuovo strumento espressivo da parte di Levis, ma spunto per l'avvio di nuovi studi.

L'album dei così detti Fasti veneziani di Antonio Guardi è uno dei capolavori del disegno veneto del Settecento. Rappresentanti episodi della storia della Serenissima e liberamente ispirati a dipinti realizzati prevalentemente nel Cinquecento come parte della decorazione di Palazzo Ducale ma non solo, i fogli testimoniano le prodigiose capacità metamorfiche del segno guardesco, capace di trasformare quei modelli in opere d'arte autonome e esemplari di una via veneziana alla stagione rococò.

Marrone e viola: non un accordo, ma una sorvegliata dissonanza che non smette di vibrare, come le intelligenze inquiete. È una coppia di colori densi che Cremona usa a partire dagli anni cinquanta, attivando il loro potere di saturazione fino a togliere l'aria dalla superficie delle tele, dallo spazio che le attornia, dalla mente di chi le guarda.

Una monografia dedicata a Leonardo Bistolfi, tra i maggiori protagonisti del simbolismo europeo, che porta in luce la vita segreta della sua scultura, a quarant'anni dall'ultima pubblicazione. Il volume traccia il profilo di Leonardo Bistolfi nella storia dell'arte italiana di inizio Novecento tra frequentazioni, affinità elettive e grandi rifiuti, portando il lettore all'interno della mappatura di una collezione che, per sempre, ne custodirà segreti e virtù.

Il catalogo accompagna la prima personale dell'artista in un'istituzione museale italiana. Dipinti su tela e carta che colpiscono per la tecnica raffinata e molteplici suggestioni.

Alla vigilia del quarantennale dell'apertura al pubblico del Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, avvenuta il 19 dicembre 1984, il catalogo raccoglie gli studi sul percorso che ha portato l'istituzione, decennio dopo decennio, a una posizione di assoluto rilievo nel contesto dell'arte internazionale. La restituzione storica si intreccia alla schedatura delle opere, documentando una collezione esemplare che, nei quindici anni trascorsi dall'ultima pubblicazione, si è arricchita di un nucleo importante di nuove acquisizioni. 'Costruire una collezione museale, è compito di grande importanza e delicatezza. È necessario vivere intensamente il presente e allo stesso tempo proiettarsi nel lontano futuro e immaginare i visitatori che verranno nelle sale del Museo o che leggeranno questa pubblicazione'. (Carolyn Christov-Bakargiev)

Alla vigilia del quarantennale dell'apertura al pubblico del Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, avvenuta il 19 dicembre 1984, il catalogo raccoglie gli studi sul percorso che ha portato l'istituzione, decennio dopo decennio, a una posizione di assoluto rilievo nel contesto dell'arte internazionale. La restituzione storica si intreccia alla schedatura delle opere, documentando una collezione esemplare che, nei quindici anni trascorsi dall'ultima pubblicazione, si è arricchita di un nucleo importante di nuove acquisizioni. 'Costruire una collezione museale, è compito di grande importanza e delicatezza. È necessario vivere intensamente il presente e allo stesso tempo proiettarsi nel lontano futuro e immaginare i visitatori che verranno nelle sale del Museo o che leggeranno questa pubblicazione'. (Carolyn Christov-Bakargiev)

Il volume è dedicato a Luci d'Artista, il progetto d'arte pubblica della Città di Torino, nato nel 1998 dalla convinzione che l'arte contemporanea dovesse contribuire al bene comune e abitare le vie, le piazze e i palazzi cittadini. Oggi è una collezione di trentasei opere di luce, che ogni anno, la notte, trasformano la città in un museo open-air. Pubblicato in occasione del venticinquesimo anniversario del progetto, Luci d'Artista. Museo a cielo aperto ne ricostruisce la storia, dall'installazione delle prime opere a quello che oggi appare come un museo unico: luminoso e notturno, pienamente accessibile e capace di mostrare un nuovo paesaggio urbano. Nelle pagine del libro, la sezione dei saggi offre una riflessione sui caratteri peculiari del programma, attraverso le prospettive del management culturale e delle politiche pubbliche, della storia dell'arte e dell'arte pubblica, della comunicazione e delle pratiche educative. Un'antologia di testi, restituisce voce a Fiorenzo Alfieri, l'assessore visionario ideatore del progetto, al quale il volume è dedicato. Luci d'Artista. Museo a cielo aperto è un libro che offre un ricco percorso visivo scandito da oltre cento immagini a colori, accompagnato e approfondito dalle schede delle trentasei opere luminose, presentate in una cronologia che si estende dal 1998 al 2022. Luci d'Artista. Museo a cielo aperto è un progetto della Città di Torino, realizzato dalla Fondazione Torino Musei. Edito da Allemandi, è il terzo titolo che la Società editrice dedica a questo progetto torinese di respiro internazionale, dopo Luci d'Artista a T

Il catalogo raccoglie i contributi dei curatori del Museo Egizio, e non solo, elaborati per la mostra «Antichi Egizi: maestri dell'arte». Alcuni saggi raccontano le origini, le peculiarità e le principali problematiche che riguardano lo studio della storia dell'arte dell'antico Egitto. Seguono diciotto schede che descrivono le tecniche di realizzazione, gli stili e la funzionalità degli oggetti protagonisti della mostra, collocati in ordine cronologico. Chi legge potrà, dunque, avere notizie sul contesto di ritrovamento di un frammento iscritto proveniente da un edificio di Eliopoli, comprendere l'uso delle statuette di ippopotamo in faiance, conoscere il nome dei geni protettori dei vasi canopi, e molto altro, compiendo un lungo viaggio nel tempo che li condurrà dall'Epoca Predinastica all'Età Greco-Romana. La mostra, documentata nel libro, inaugura un percorso pluriennale ideato per portare i visitatori e le visitatrici alla scoperta di civiltà antiche e moderne e delle opere d'arte a cui queste hanno dato vita. Un'iniziativa dedicata alla propedeutica dell'arte sviluppata dall'Ufficio Cultura della Ripartizione Cultura Italiana al Centro Trevi di Bolzano.

Artista e scrittrice, Bona Tibertelli de Mandiargues (Roma, 1926-Parigi, 2000) è una delle protagoniste del Surrealismo nella sua declinazione al femminile, oggi finalmente al centro dell'attenzione di critica e pubblico. La sua singolare vicenda, ricostruita per la prima volta tra le pagine del catalogo, la avvicina a figure come Leonora Carrington, Meret Oppenheim, Dorothea Tanning, Dora Maar, Remedios Varo. Attraverso la pittura e una peculiare tecnica di assemblage tessile, Bona esplora i temi dell'eros e del fantastico, della metamorfosi e dell'androgino, in un processo alchemico che trasforma la materia, creando una personalissima visione del mondo. Donna affascinante, molto ammirata e generatrice di passioni travolgenti, Bona rifiuta esplicitamente i ruoli di donna-musa e donna-bambina, prevalenti nell'ambito del Surrealismo. Si identifica invece, almeno a partire dagli anni settanta, con la lumaca, animale ermafrodita e figura ambivalente, al tempo stesso amichevole e ripugnante, incarnazione dell'informe surrealista. Per l'artista, la lumaca è simbolo dell'androgino, di fragilità e forza, e del continuo arrovellarsi della sua mente inquieta. Il catalogo accompagna la prima grande retrospettiva dedicata all'artista, curata da Antonella Camarda e Giuliana Altea al Museo Nivola di Orani. Esito di un'ampia ricerca d'archivio, il volume documenta la mostra, con una sezione di saggi di approfondimento e le illustrazioni a colori di 38 opere, datate dal 1950 al 1997.

«Nel Paese più bello del mondo ci sono moltissime località meravigliose, così tante che non si contano. Così tante che non è facile mettersi d'accordo sul loro numero esatto, né tanto meno sul conto delle meraviglie. Del resto, è nella natura delle cose nutrire incertezze e avere sempre un piccolo buco da riempire». La forma spezzata è un'opera d'arte visiva in forma di libro. È una fiaba, inventata, scritta e disegnata da un artista contemporaneo. Le parole si intrecciano alle illustrazioni, una serie di tavole a matita, inchiostro, acquarello e collage che danno vita ai personaggi e agli ambienti. Dedicata ai giovani lettori, la narrazione si apre a diversi gradi di profondità che ne fanno un testo dalla lettura molteplice. Il racconto suggerisce riflessioni e svela connessioni al territorio della provincia italiana, per farsi emblema di consuetudini atemporali ed extraterritoriali. Servendosi di elementi tratti dalla cronaca, la storia e la cultura locale, Eugenio Tibaldi costruisce il ritratto di un territorio, fornendo a chi legge indizi narrativi e visivi che lo portano alla scoperta di un paese qualunque, il paese più bello del mondo. 'La forma spezzata' è un progetto artistico di Eugenio Tibaldi, prodotto dalla Fondazione Pietro e Alberto Rossini e curato da Francesca Guerisoli. Il libro è il risultato della collaborazione con la casa editrice Allemandi. Età di lettura: da 6 anni.

L'opera di de Chirico, che nei primi anni si può dividere in fasi precise, stili, soggetti, iconografie e temi poetici, ha permesso di dare a ogni tomo un carattere monografico, che lo rende valido e fruibile anche come opera a sé stante. Il primo volume «L'opera tardo romantica e la prima metafisica» comprende tutti i dipinti e i disegni tra l'autunno del 1908 e febbraio del 1919 e tutte le riprese, copie o varianti di soggetto metafisico (circa 70 opere) documentate tra il 1922 e il 1943. I volumi dal secondo al sesto coprono l'arco temporale da febbraio 1919 all'autunno 1943 e catalogano circa 1200 dipinti documentati tra le due guerre. Un'ampia cronologia ragionata e illustrata si integra col commento iconografico e stilistico delle opere nelle singole schede. Ogni volume è la trattazione più completa e aggiornata oggi disponibile per la comprensione di un artista circondato di enigmi e misteri: una vicenda creativa e intellettuale tra le più avvincenti e importanti del XX secolo.

L'opera di de Chirico, che nei primi anni si può dividere in fasi precise, stili, soggetti, iconografie e temi poetici, ha permesso di dare a ogni tomo un carattere monografico, che lo rende valido e fruibile anche come opera a sé stante. Il primo volume «L'opera tardo romantica e la prima metafisica» comprende tutti i dipinti e i disegni tra l'autunno del 1908 e febbraio del 1919 e tutte le riprese, copie o varianti di soggetto metafisico (circa 70 opere) documentate tra il 1922 e il 1943. I volumi dal secondo al sesto coprono l'arco temporale da febbraio 1919 all'autunno 1943 e catalogano circa 1200 dipinti documentati tra le due guerre. Un'ampia cronologia ragionata e illustrata si integra col commento iconografico e stilistico delle opere nelle singole schede. Ogni volume è la trattazione più completa e aggiornata oggi disponibile per la comprensione di un artista circondato di enigmi e misteri: una vicenda creativa e intellettuale tra le più avvincenti e importanti del XX secolo.

Gianfilippo Usellini (Milano 1903 - Arona 1971) studiò all'accademia di Brera dove, dal 1960, insegnò composizione. Partecipe del clima del Novecento elaborò un linguaggio sottilmente ironico che fonde suggestioni della pittura metafisica a stilemi quattrocenteschi (affreschi nel palazzo del Governo a Sondrio, 1932; nel battistero di Broni, 1936; vetrate per la chiesa del nuovo Ospedale maggiore di Milano, 1939; ecc.). Fu anche illustratore e scenografo. Opere nelle Gallerie comunali d'arte moderna di Roma e di Milano.

Una piccola storia dell'architettura contemporanea raccontata dagli architetti, attraverso 34 interviste realizzate da Stefano Bucci per il Corriere della Sera.

Un viaggio appassionante nel mondo dell'arte, tra aste, mercanti e collezionisti ma anche un'indagine sulle regole del gioco che disciplinano i meccanismi di una magnifica ossessione. Il libro è diviso in 7 capitoli: si va dai trucchi del mestiere alle inchieste sui falsi, dalla storia del gusto all'esercizio della connoisseurship.

Le oltre 250 opere d'arte raccolte in questo libro interpretano la Channukkah, la lampada rituale usata per celebrare Channukkah, la festa ebraica delle luci. Commissionate ad artiste e artisti, architetti, illustratori e designer tutte insieme formano il Museo dei Lumi di Casale Monferrato, una collezione unica al mondo che testimonia la memoria e la storia della comunità ebraica, presente in questa citta piemontese da 500 anni. Presentazione di Luigi Cerutti. Prefazione di Roberto Gabey e Noemi Di Segni.

Il volume presenta i risultati delle indagini e degli studi promossi e coordinati dal Comitato scientifico per il restauro del Duomo di Modena tra il 2008 e il 2014, in occasione dell'ultima campagna di restauri che ha interessato il monumento, riconosciuto nel 1997 dall'UNESCO Patrimonio Mondiale dell'Umanità insieme alla torre Ghirlandina e a Piazza Grande. Si tratta di un importante patrimonio di nuovi dati che sono stati raccolti e interpretati grazie a un innovativo approccio interdisciplinare. Essi hanno, da un lato, accompagnato e orientato gli interventi di restauro e consentito, dall'altro, di avvalorare nuove ipotesi interpretative sulle fasi costruttive del monumento e sui suo comportamento nel corso dei secoli, di precisare il progetto originario di Lanfranco e i termini del reimpiego di materiale proveniente dalla città romana.

'Lo sguardo della fotografia sulla città ottocentesca. Milano 1839-1899': una mostra che indaga il rapporto tra la fotografia e i mutamenti che caratterizzano una città, Milano, avviata nell'Ottocento a divenire capitale culturale ed economica del nuovo Stato unitario. Un'indagine capillare svolta soprattutto sui preziosi fondi fotografici del Civico Archivio Fotografico di Milano e sulle fonti dell'epoca, manoscritte e a stampa, per far emergere nella sua ampiezza la storia della fotografia milanese e dei suoi protagonisti. Dalle incisioni alle vedute fotografiche dei grandi fotografi professionisti, tra i quali basti fare i nomi di Luigi Sacchi, Pompeo Pozzi, Giulio Rossi, Hippolyte Deroche e Francesco Heyland, il volume offre un ampio spettro di approfondimenti, dal rapporto dei fotografi con l'Accademia di Brera, o con le Istituzioni scientifiche, al rapporto tra fotografia e architettura e tra fotografia e sviluppo urbano. Ulteriori elementi d'indagine sono poi offerti dallo spoglio delle riviste d'epoca, anche del settore scientifico, dal regesto dei trattati d'argomento fotografico pubblicati a Milano, per concludere con le sezioni dedicate alle schede scientifiche delle fotografie e alle biografie dei fotografi, che restituiscono la mappa del professionismo milanese. Un utile strumento per gli studi e una rigorosa ricerca storica che contribuiscono a ribadire la centralità e l'importanza della fotografia all'interno della cultura dell'Ottocento.

Agli showroom Olivetti si deve la diffusione nel mondo della filosofia e dello stile dell'azienda di Ivrea: luoghi dove arte, design e architettura si fondono per promuovere prodotti aziendali legati agli ideali di bellezza e di attenzione al contesto sociale.

L'arte di Corrado Bonomi è ironica e giocosa, ricca di visioni e immaginari legati all'infanzia, alle estati trascorse al mare, con la testa nell'acqua, come ricorda nelle pagine autobiografiche di questo libro. Acque chete è un viaggio nella sua ricerca concettuale e al tempo stesso ironica. Le venti opere pubblicate in questo catalogo, illustrate nelle tavole a colori attraverso vedute d'insieme e particolari, sono datate dal 1987 a oggi e comprendono l'inedito Nel ventre della balena. Sono le opere esposte in Acque Chete, la mostra personale concepita dall'artista per le sale dell'Acquario Civico di Milano. Tra i dipinti, le sculture e le installazioni, predomina il mare, il leitmotiv che fin dagli anni ottanta attraversa il sistema poetico di Corrado Bonomi, sensibile anticipatore di quella attenzione ambientale oggi divenuta così urgente. Come ha scritto Alberto Fiz, curatore della pubblicazione, «Appare quasi scontato affermare che le tante installazioni prodotte da Corrado Bonomi siano ecosostenibili, anticipando temi ambientali oggi di gran moda, assai meno alla fine degli anni ottanta. Ma la vera peculiarità di questi lavori sta nel desiderio ossessivo di archiviare l'infinito assegnando a ciascun elemento del puzzle una posizione all'interno di una mappa mentale dove compaiono oceani e continenti, disposti ogni volta in maniera differente».

Aperçues è la parola chiave che intitola la pubblicazione, un progetto d'artista concepito da Nina Carini, esponente della giovane generazione artistica italiana, per documentare la propria ricerca. Tratta dall'omonimo libro di Georges Didi-Huberman, Aperçues apre alla dimensione delle immagini intraviste, a ciò che appare e velocemente scompare, lasciando in realtà tracce e frammenti di emozioni e pensieri. Il catalogo documenta la mostra personale di Nina Carini negli interni della basilica di San Celso a Milano: a partire dalle installazioni scultoree, sonore e ambientali realizzate in dialogo con il luogo e la sua architettura, si estende a un archivio di opere datate dal 2017 al 2023. Esito di studio e riflessione, le opere di Carini sono forme aperte e permeabili che superano la specificità dei media, impiegando la parola, il suono, la poesia. Come si apprende dalla conversazione tra l'artista e il filosofo Davide Dal Sasso, pubblicata in catalogo, per Carini si tratta di Lavorare sull'aria. La pubblicazione, a cura di Angela Madesani e Rischa Paterlini, è arricchita dai saggi delle curatrici e da un testo di Dal Sasso.

Il volume offre un inedito sguardo sull'Astrattismo e l'Informale attraverso le scelte del collezionismo aziendale Olivetti e quello della Città di Ivrea, a testimonianza di un clima culturale storica-mente fondato sul dialogo e sul confronto tra pubblico e privato. I linguaggi che hanno dato vita a queste due luminose costellazioni dell'arte del Novecento, sono documentati dalle 90 opere illustrate nella pubblicazione. Il libro inizia con le opere di Picabia, Balla, Kandinskij e Miró, con rimandi al Futurismo e alle radici dell'Astrattismo. Alla seconda metà degli anni cinquanta risalgono le opere di Eva Fischer, Ennio Morlotti e Tancredi Parmeggiani. Le due collezioni si intrecciano, registrando un'attenzione tesa a recepire il dinamismo della scena locale, come testimoniano i dipinti di Annibale Biglione e Filippo Scroppo, fondatori della sezione torinese del Mac-Movimento Arte Concreta a Torino e l'interesse per i grandi protagonisti internazionali dell'Informel, tra i quali Pierre Alechinsky e Hans Hartung, con lavori degli anni sessanta. Il catalogo è il quinto della collana «Olivetti e la cultura nell'impresa responsabile», legata all'omonimo ciclo espositivo presentato nelle sale del Museo Civico Garda di Ivrea. Segna una nuova tappa nel percorso di valorizzazione della raccolta di opere d'arte Olivetti e del patrimonio storico dell'Associazione Archivio Storico Olivetti.

Le fotografie che Massimo Listri ha dedicato negli anni alle biblioteche di tutto il mondo sanno cogliere il fascino incantato e la straordinaria bellezza di queste architetture, destinate nei secoli a conservare e far conoscere i libri. Il grande scrittore e poeta Jorge Luis Borges, che in gioventù aveva fatto il bibliotecario, diceva che una biblioteca è un vero e proprio universo. Dall'antica biblioteca dell'Abbazia di Melk - dove è stato girato il film Il nome della rosa - alla Public Library di Taipei, una bio-architettura contemporanea affacciata su un parco pubblico, Massimo Listri compie un viaggio nei luoghi di culto della lettura e della cultura. Il volume propone in edizione aggiornata una selezione di Il fascino delle biblioteche, un libro edito nel 2002 che ha segnato una tappa importante nella storia quarantennale della Casa editrice. Lo riproponiamo come prima uscita della collana 'Gran Riserva', in occasione della mostra Il fascino delle biblioteche. Massimo Listri, aperta nelle sale di Palazzo Giusiana a Ivrea, durante l'anno di Ivrea Capitale italiana del libro 2022. Arricchito da 9 nuove fotografie, il volume è corredato dai testi di Umberto Allemandi e di Costanza Casali e dal saggio di Umberto Eco De bibliotheca. Le 18 tavole a colori sono accompagnate dalle notizie sulle biblioteche fotografate e da un'antologia di citazioni letterarie tratte da pagine di Thomas Mann, Virginia Woolf, Jorge Luis Borges, Giorgio Bassani, Georges Perec.

Il nome di Giorgio Soavi (1923-2008) è sinonimo dello stile Olivetti. Intellettuale poliedrico, scrittore e fine conoscitore delle arti grafiche è stato anche un intelligente collezionista di opere d'arte. I quadri - ha confidato in un suo libro del 1993 - si acquistano per poterne scrivere. Soavi era entrato in Olivetti a 24 anni, incontrando per la prima volta Adriano Olivetti «nel suo ufficio in quella grande fabbrica di vetro e cemento progettata dagli architetti Figini e Pollini». Nella portaerei, come l'aveva soprannominata, fa esperienza di una «nuova realtà alleata all'utopia». Dopo un primo incarico alle Edizioni di Comunità, dagli anni '50 inizia a curare i progetti d'arte ed editoria dell'azienda. Il volume contiene una ricca antologia di testi: la scrittura di Giorgio Soavi scorre tra i libri, gli oggetti, i documenti e le opere di artisti come Alberto Giacometti, Marino Marini, Graham Sutherland, Jean-Michel Folon. Il catalogo completa la collana 'Olivetti e la cultura nell'impresa responsabile', nata per documentare il ciclo di sei mostre realizzate al Museo Civico Garda di Ivrea in collaborazione con l'Archivio Storico Olivetti.

Il catalogo documenta la terza mostra realizzata dal Museo Civico Garda di Ivrea nell'ambito del ciclo 'Olivetti e la cultura nell'impresa responsabile', concepito per far conoscere al grande pubblico un patrimonio di opere d'arte, fotografie, filmati e documenti commissionati dalla società Olivetti per affermare il valore della cultura come fattore di crescita della società, dalla fabbrica al territorio.

La monografia, riccamente illustrata, documenta l'ultimo decennio di ricerca di Alex Pinna, la sua produzione artistica nel campo della scultura, del design e dei gioielli. Al lavoro dalla metà degli anni novanta e con un ricco itinerario espositivo sulla scena nazionale e internazionale alle spalle, Alex Pinna ha costruito nel tempo un immaginario abitato da figure che rappresentano il mondo e il corpo con lievità e ironia, utilizzando il bronzo, la resina e i metalli preziosi e passando dal formato ambientale a quello incantato del minuscolo. Ispirato dall'universo ludico e immaginifico della cultura infantile, dei fumetti e delle favole, l'artista concepisce la scultura come un modo e una presenza per alleggerire lo spazio. Nelle sue opere si riscopre il piacere dell'eleganza delle figure, nella leggerezza dei contorni come nella essenzialità dei volumi. La pubblicazione ripercorre la cronologia dei suoi cicli di opere recenti, interpretati dalla scrittura e dalle riflessioni di Vittoria Coen, Gaetano Centrone, Paola Stroppiana, Lella Valtorta e da un contributo di Paolo Fresu.

Incastonata tra le colline del Monferrato, La Crescentina è una casa di campagna che ospita la Collezione Monteforte-Miraglio e che sostiene l'arte attraverso un programma di mostre e incontri culturali. Quando venne acquistata a metà degli anni ottanta dall'architetto Alessandro Monteforte, la struttura necessitava di importanti lavori di recupero, ma fin da subito cominciò a essere vissuta come luogo di incontro e scambio culturale. Per oltre trent'anni, La Crescentina è stata protagonista di grandi amicizie vissute all'insegna dell'arte e a partire dal recupero di questa preziosa memoria, il libro ripercorre la mappa degli artisti che come Urano Palma e Aldo Mondino hanno realizzato interventi appositamente ideati per la casa. 'In Habitat', ovvero il frutto di questa ricognizione, è la mostra che ha inaugurato l'attività espositiva della Crescentina; attraverso la selezione di alcuni artisti della Collezione Monteforte-Miraglio, ovvero Fabrizio Garghetti, Piero Gilardi, Maïmuna Guerresi, Aldo Mondino, Ernesto Morales, Urano Palma, Gina Pane, Paul Renner e Giovanni Tamburelli, In Habitat ha sancito la scelta di dedicare il progetto della Crescentina al connubio fra arte e natura.

Il catalogo, edito in occasione della mostra Il corpo del colore alla Fondazione Carispezia a La Spezia, presenta un'ampia antologia della collezione dell'avvocato Giuseppe Iannaccone: «la più importante raccolta privata di pittura italiana degli anni trenta o, più precisamente, della stagione neoromantica di quel decennio», come scrive Elena Pontiggia, nel saggio che introduce la pubblicazione. Le novantaquattro opere, illustrate a colori e raccolte nelle sei sezioni che scandiscono il percorso espositivo, raccontano il mutamento propositivo che, tra la fine degli anni venti del Novecento e il decennio successivo, porta pittori e scultori ad abbandonare gli ideali classicheggianti e a esprimere istanze nuove. Al classicismo si sostituisce il romanticismo, un espressionismo passionale che attraversa le tendenze postclassiche di Primitivismo, Scuola romana, Sei di Torino, Chiarismo, Corrente. Protagonisti di un'arte nuova, artisti come Birolli, Sassu, Scipione, Mafai, Raphäel, Guttuso, Fontana, affrontano i temi della quotidianità e quelli universali della guerra, degli affetti, della socialità. Il colore acquista corpo e assoluta centralità, come accade nella Battaglia dei tre cavalieri di Aligi Sassu, un'opera a lungo considerata perduta e oggi restituita al pubblico nel suo originario splendore. Rifiutata al Premio Bergamo nel 1941, questa «Guernica italiana» racconta una storia di dissidenza e di opposizione al fascismo. Illustrata in copertina, è l'immagine guida della mostra e di questo catalogo.

Diplomato all'Istituto Avogadro di Torino, città nella quale è nato, Marco Vitali ha appreso l'arte della progettazione nello studio dell'ingegner Gigi Cappa Bava. È questo l'inizio di una lunghissima carriera, segnata dalla specializzazione in edilizia sanitaria, che lo ha portato a disegnare costruzioni molto complesse, improntate dai molteplici e articolati requisiti organizzativi, strutturali, e fondate su un sapere multidisciplinare in continuo aggiornamento. «Per me è fondamentale - spiega Marco Vitali - dare forza al ruolo del colore che, specialmente negli ospedali, è utilissimo nel creare atmosfere non traumatiche. Senza contare il grande utilizzo che ho fatto dei luminosi e duraturi rivestimenti di alluminio, che sottolineano la valenza tecnologica di ogni struttura sanitaria, e l'uso del mattone a vista, che nei centri storici e in campagna favorisce l'inserimento ambientale delle residenze e il cui invecchiamento è addirittura foriero di migliorie estetiche». Il volume edito di Allemandi documenta il percorso di Mario Vitali, attraverso quindici architetture residenziali e sanitarie, disegnate e realizzate dal 1980 al 2012, proposte tra le pagine attraverso l'obiettivo del fotografo Gianfranco Verrua.