Chiara Lee e freddie Murphy, curatori e sound artist, sono gli intrusi della «Seconda Risonanza» della GAM, legata a ritmo, struttura e segno. Autori di colonne sonore e musiche per installazioni, oltre che curatori del public program «Evolving Soundscapes» del MAO Museo d'Arte Orientale di Torino, sviluppano una pratica che si muove tra sperimentazione e riletture di forme musicali tradizionali. Con l'aiuto di altri intrusi - intrusi degli intrusi - il duo trasforma l'anima delle scale del museo in uno strumento fittizio, «un cembalo formato da gradini», rinominato «Scalémbalo», creando un inedito mondo musicale carico di significati. Il quaderno diventa la chiave per esplorare questo mondo sonoro, un viaggio in cui chi ascolta lo Scalémbalo «coincide con chi lo suona».

Questo manuale di giardineria non è solo un testo irrinunciabile per tutti coloro che si interessano di giardini, professionisti o amatori, ma anche una piacevolissima lettura che non può mancare nel personale repertorio di ogni persona colta che sia consapevole del vitale rapporto dell'uomo con la natura.

La vita di un collezionista non si misura in anni ma in opere. Opere acquisite, desiderate o semplicemente opere che hanno un significato nella propria biografia, che scandiscono momenti importanti. Il risultato è una biografia avventurosa scandita da centinaia di mostre, aerei, amici, opere possedute o ripudiate, ma anche un manuale di sopravvivenza per chi si vuole avvicinare al mondo dell'arte.

Rurale. Termine perfetto per descrivere il lavoro di Hilario Isola che si è ispirato alla salvaguardia della natura e dell'ambiente con opere di tema rurale.

Catalogo della prima retrospettiva a Roma dedicata all'opra multiforme e pionieristica di Salvatore Scarpitta che ripercorre il percorso creativo dell'artista italoamericano, uno dei protagonisti più innovatori del linguaggio artistico della seconda metà del 900.

Pochi giardini al mondo esprimono l'idea di giardino dell'Eden come quello di Ninfa: un mondo antico e originario in cui ancora si avverte la presenza del mito. Una volta varcato il cancello d'ingresso di questo luogo di sogno, non c'è visitatore che non percepisca la differenza tra «un mondo di fuori» e «un mondo di dentro». Alla comparsa dell'uomo sulla terra quel mondo unitario e armonioso era la normalità, mentre oggi può essere apprezzato solo in proporzioni assai ridotte e fortemente minacciate. Il fascino unico di Ninfa risiede nel connubio tra l'avvolgente mistero delle imponenti e silenziose rovine e la natura circostante, piena di esuberanti fioriture, profumi inattesi, suono cristallino delle acque, canti di uccelli e voli di farfalle. Con il loro impegno appassionato, i Caetani hanno salvaguardato le vestigia di una storia millenaria, custodendo il genius loti di Ninfa e creando un giardino (inteso come «casa» di tutti gli esseri viventi, dalla magnolia al lombrico, dal cedro all'usignolo) la cui bellezza è offerta al godimento dell'umanità intera.

Viaggiando oltre il perimetro dell'immagine è una mostra che non punta solo a valorizzare lo straordinario lavoro di cinque artisti - Corrado Bonomi, Gianni Cella, Piero Gilardi, Plumcake e Aldo Spoldi - per la loro capacità di anticipare temi centrali della alienazione dell'individuo al tempo della sistematizzazione della comunicazione capitalizzata di massa. Viaggiando oltre il perimetro dell'immagine piuttosto, per non vivere esclusivamente in una dimensione teorica slegata dai problemi della nostra realtà post-internet, prende forma per mezzo di un dialogo proficuo con le sale fortemente caratterizzate di Palazzo Saluzzo Paesana di Torino del primo '700. Il risultato - documentato in questo catalogo - ha portato alla definizione non semplicemente di una collettiva tradizionale, bensì a sette mostre site specific, nate dall'esigenza di far convivere e far parlare opere di medium e anni differenti realizzate dallo medesimo artista nel corso della sua lunga carriera. Questo è sembrato l'unico modo per non ingabbiare ed etichettare, bensì per far emergere le molteplici sfumature delle ricerche di Bonomi, Cella, Gilardi, Plumcake e Spoldi. Sfumature che sono dovute proprio dalla loro scelta di relazionarsi con spirito critico e pungente ai cambiamenti della loro contemporaneità, dal '68 ad oggi. Conseguentemente si è scelto di evidenziare che le singole opere sono sempre state concepite al pari di interventi di tipo ambientale, ovvero in dialogo/risposta al contenitore che li ospita. Scelta che ha portato a rendere evidente la volontà di questi artisti di estendere il perime

Lo studente di pittura Giovanni Carnovali, il Piccio, aveva undici anni quando il suo professore Giuseppe Diotti, all'Accademia Carrara di Bergamo, gli diede da copiare un'antica incisione riproducente un brano della celebre processione cesarea di Andrea Mantegna oggi a Hampton Court. La rassegna qui documentata, prevalentemente grafica, parte proprio da questa primizia scolastica, prima di saggiare le disinvolte evoluzioni di lapis prodotte negli anni della maturità e oltre. Registrazioni, sempre, di un occhio in bilico tra realtà e mito, di uno stile polarizzato tra obiettività e retaggio della Maniera cinquecentesca. Insieme alla parabola stilistica, viene saggiata la gamma delle modalità esecutive e degli sbocchi fruitivi. Trovano quindi accostamento documenti dal vero (persone, vedute, paesaggi), esemplari di «storia» realmente preparatori di pitture, oppure derivazioni più o meno variate dai suoi «capodopera» installati in chiese o in saloni della buona società lombarda. Per l'ambito condizionato dalla deliberata volontà di esibizione virtuosa (sia nella creazione di getto sia nella conduzione meditata) ricorrono carte entrate originariamente in album o montate sotto vetro. La reputazione del pittore linguisticamente più avanzato del medio Ottocento italiano fa tuttora i conti con tante stucchevoli imitazioni di suoi emuli. La mostra e il catalogo vogliono contribuire alla discriminazione delle mani, con una sezione specificamente concepita, ricorrente a disegni e piccoli oli dovuti alla cerchia. Espediente che, nel contempo, vale a illuminare il contesto. Intorno all

Una monografia dedicata a Leonardo Bistolfi, tra i maggiori protagonisti del simbolismo europeo, che porta in luce la vita segreta della sua scultura, a quarant'anni dall'ultima pubblicazione. Il volume traccia il profilo di Leonardo Bistolfi nella storia dell'arte italiana di inizio Novecento tra frequentazioni, affinità elettive e grandi rifiuti, portando il lettore all'interno della mappatura di una collezione che, per sempre, ne custodirà segreti e virtù.

Il catalogo accompagna la prima personale dell'artista in un'istituzione museale italiana. Dipinti su tela e carta che colpiscono per la tecnica raffinata e molteplici suggestioni.

Alla vigilia del quarantennale dell'apertura al pubblico del Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, avvenuta il 19 dicembre 1984, il catalogo raccoglie gli studi sul percorso che ha portato l'istituzione, decennio dopo decennio, a una posizione di assoluto rilievo nel contesto dell'arte internazionale. La restituzione storica si intreccia alla schedatura delle opere, documentando una collezione esemplare che, nei quindici anni trascorsi dall'ultima pubblicazione, si è arricchita di un nucleo importante di nuove acquisizioni. 'Costruire una collezione museale, è compito di grande importanza e delicatezza. È necessario vivere intensamente il presente e allo stesso tempo proiettarsi nel lontano futuro e immaginare i visitatori che verranno nelle sale del Museo o che leggeranno questa pubblicazione'. (Carolyn Christov-Bakargiev)

Alla vigilia del quarantennale dell'apertura al pubblico del Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, avvenuta il 19 dicembre 1984, il catalogo raccoglie gli studi sul percorso che ha portato l'istituzione, decennio dopo decennio, a una posizione di assoluto rilievo nel contesto dell'arte internazionale. La restituzione storica si intreccia alla schedatura delle opere, documentando una collezione esemplare che, nei quindici anni trascorsi dall'ultima pubblicazione, si è arricchita di un nucleo importante di nuove acquisizioni. 'Costruire una collezione museale, è compito di grande importanza e delicatezza. È necessario vivere intensamente il presente e allo stesso tempo proiettarsi nel lontano futuro e immaginare i visitatori che verranno nelle sale del Museo o che leggeranno questa pubblicazione'. (Carolyn Christov-Bakargiev)

'Disegna, dipinge, scolpisce, scrive, qualche volta canta. Per Domenica Regazzoni vita e arte sono la stessa cosa, coincidono perfettamente, e davvero non è un modo di dire, ma la pura verità'. Inizia così il saggio che Luca Beatrice, curatore del volume, dedica all'artista. Nata in Valsassina nel 1953, Domenica Regazzoni inizia il proprio percorso negli anni Settanta includendo figurazione e astrazione, pittura e scultura. La sua opera è volta a valorizzare le affinità elettive tra diverse espressioni artistiche partendo da un dna personale e familiare che vede, nella musica, il filo conduttore: il padre Dante è stato uno dei più grandi liutai del Novecento. Le mostre, nate dai sodalizi con Mogol e Lucio Dalla, oppure ispirate all'arte della liuteria o della poesia Haiku, hanno viaggiato soprattutto in Cina e Giappone. Tra le numerose pubblicazioni, la raccolta di poesie di Antonia Pozzi Canto Segreto, per la collana all'insegna del pesce d'oro di Vanni Scheiwiller, 1992, ColoreIncanto, Gribaudo, 1996, Regazzoni & Dalla, Galleria Blu, Milano 1998, Haiku Viennepierre, 2000, Dal legno al suono a cura di Gillo Dorfles, SKIRA, 2003, Scolpire la musica a cura di Martina Corgnati, SKIRA, 2008, Convergenze parallele, a cura di Ivan Quaroni, Allemandi 2015, Haiku a cura di Silvia Evangelisti, Silvana Editoriale, 2021.

Il primo dei 13 cicli della sua pittura ebbe inizio nella seconda metà degli anni 60, cominciò a considerare i segni come personaggi e a dipingere le loro vicende.

Artista sommo, geniale e poliedrico, Giovan Lorenzo Bernini è stato uno dei grandi protagonisti dell'arte italiana ed europea del Seicento. Grazie a una inesauribile carica inventiva, al suo spirito imprenditoriale, alla sua eccezionale capacità di stabilire forti legami con i committenti e con i collaboratori e allievi e a una straordinaria abilità tecnica, rinnovò profondamente l'arte della scultura e realizzò assoluti capolavori e opere colossali che hanno lasciato un segno ineludibile nella città di Roma. Il catalogo, che prende avvio dall'insuperabile testo di Wittkower, 'Gian Lorenzo Bernini. The sculptor of the Roman Baroque' del 1955, comprende le sculture dalle iniziali prove giovanili, realizzate insieme al padre Pietro, fino alle ultimissime prove, declinandole in ordine cronologico. Le singole schede riportano i dati, tecnici, documentali e bibliografici, e la storia critica dell'opera, in un serrato e illuminante confronto tra testi e documenti dell'epoca e la letteratura artistica attuale. A cura di Maria Grazia Bernardini, il volume è corredato da una meticolosa campagna fotografica presso ogni detentore di opera ed è arricchito da un superbo portfolio interpretativo di Massimo Listri.

La prima parte del volume è dedicata alle opere più importanti trattate dalla Galleria Giamblanco nei suoi trent'anni di attività, con particolare attenzione ai capolavori di alcuni dei principali protagonisti del Barocco, da Bartolomeo Cavarozzi a Bernardo Strozzi, da Nicolas Régnier a Mattia Preti. La seconda parte presenta invece al pubblico numerosi dipinti inediti, che costituiscono aggiunte significative al catalogo di artisti di primo piano come Elisabetta Sirani, Annibale Carracci, Giambattista Tiepolo e molti altri. Il catalogo presenta quindi un'antologia della grande pittura italiana e internazionale, senza trascurare importanti artisti attivi in Piemonte e ben rappresentati nelle collezioni artistiche di casa Savoia come Daniel Seiter, Charles Dauphin, Claudio Francesco Beaumont e Vittorio Amedeo Cignaroli.

Beauty amid war, la bellezza in mezzo alla guerra è il tema del lavoro di Fatimah Hossaini, artista fotografa afgana. Per la realizzazione della raccolta, ha chiesto a donne pashtun, tagiki, hazare, qizilbash e uzbeche di posare di fronte alla sua macchina fotografica con i loro abiti distintivi. Le fotografie esaltano i colori e il potere degli stili, invitando a conoscere un volto diverso di queste donne, generalmente viste come deboli e come vittime. Testi di Fatimah Hossaini, Rachel Deghati, Reza Deghati, Anilda Ibrahimi, Fevsiye Rahgozar Barlas, Shirin Zahara, Nunzio Fiore.

Il nuovo catalogo delle maioliche e delle ceramiche del Museo Nazionale del Bargello di Firenze si è reso necessario visto il significativo incremento di pezzi rispetto all'ultimo studio risalente al 1971. A oggi la raccolta è composta da circa mille esemplari in maiolica e ceramica invetriata realizzati da officine italiane fra il X e il XX secolo e da una pregevole selezione di manufatti prodotti dai vasai moreschi attivi in Spagna; su tutti risalta per qualità e valenza storica il nucleo di vasellame istoriato di provenienza medicea confluito al Bargello con l'apertura al pubblico del museo nel 1865. L'ampliamento della collezione è stato possibile tramite le acquisizioni fatte dallo Stato e, soprattutto, grazie alle numerose donazioni di privati cittadini, collezionisti, antiquari e studiosi che dal 1866 continuano senza sosta sino a oggi, rivelandosi una risorsa preziosa per l'arricchimento delle raccolte museali.

Tra la provincia e il mondo, due vite per l'arte - quella dell'autrice e quella di Giobatta Meneguzzo - si intrecciano in una singolare biografia, rincorrendosi al di là delle generazioni sullo sfondo di un Veneto passato in pochi decenni dalla malora al miracolo economico. Una storia novecentesca che diventa anche una storia del Novecento, tra vite di artisti e vicende di esseri umani. Introduzione di Massimo Minini.

Il nuovo catalogo delle maioliche e delle ceramiche del Museo Nazionale del Bargello di Firenze si è reso necessario visto il significativo incremento di pezzi rispetto all'ultimo studio risalente al 1971. A oggi la raccolta è composta da circa mille esemplari in maiolica e ceramica invetriata realizzati da officine italiane fra il X e il XX secolo e da una pregevole selezione di manufatti prodotti dai vasai moreschi attivi in Spagna; su tutti risalta per qualità e valenza storica il nucleo di vasellame istoriato di provenienza medicea confluito al Bargello con l'apertura al pubblico del museo nel 1865. L'ampliamento della collezione è stato possibile tramite le acquisizioni fatte dallo Stato e, soprattutto, grazie alle numerose donazioni di privati cittadini, collezionisti, antiquari e studiosi che dal 1866 continuano senza sosta sino a oggi, rivelandosi una risorsa preziosa per l'arricchimento delle raccolte museali.

Il volume nasce dall'interesse di riportare alla luce uno tra gli autori del paesaggismo piemontese, vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Allievo di Lorenzo Delleani, Giuseppe Augusto Levis realizza una vasta produzione di opere che diventano fedele testimonianza del contesto storico a lui contemporaneo: dalle riprese en plein air delle valli alpine ai panorami tratteggiati durante la sua permanenza nella ex-Tripolitania (oggi Libia), sino al reportage della Prima guerra mondiale. Il volume si apre con il Diario Levis, un racconto autobiografico ottenuto dall'accostamento di una serie di fotografie scattate nell'intero arco della vita, a documentare i luoghi, le persone care, i viaggi, gli scorci del lavoro all'aperto. Tecniche fotografiche diverse s'incontrano, componendo un panorama visuale, un diario intimo e personale per immagini che introduce alla ricca sezione dedicata alla pittura. La pubblicazione, composta da numerosi saggi che ripercorrono le diverse tappe della biografia e dell'opera, si pone come strumento utile a rappresentare lo stato attuale delle ricerche sull'artista. Ne fanno da corredo i ricchi apparati, tra cui quello dedicato al fondo fotografico di stereoscopie che diventa, non solo testimonianza dell'interesse per il nuovo strumento espressivo da parte di Levis, ma spunto per l'avvio di nuovi studi.

L'album dei così detti Fasti veneziani di Antonio Guardi è uno dei capolavori del disegno veneto del Settecento. Rappresentanti episodi della storia della Serenissima e liberamente ispirati a dipinti realizzati prevalentemente nel Cinquecento come parte della decorazione di Palazzo Ducale ma non solo, i fogli testimoniano le prodigiose capacità metamorfiche del segno guardesco, capace di trasformare quei modelli in opere d'arte autonome e esemplari di una via veneziana alla stagione rococò.

Marrone e viola: non un accordo, ma una sorvegliata dissonanza che non smette di vibrare, come le intelligenze inquiete. È una coppia di colori densi che Cremona usa a partire dagli anni cinquanta, attivando il loro potere di saturazione fino a togliere l'aria dalla superficie delle tele, dallo spazio che le attornia, dalla mente di chi le guarda.

Il quaderno è la testimonianza di un'intrusione nella mostra Italo Cremona. Tutto il resto è profonda notte, allestita alla GAM di Torino dal 24 aprile all'8 settembre 2024. Dipinti, sculture e video appartenenti alle collezioni GAM, selezionati senza l'applicazione di filtri cronologici o filologici, fanno risuonare il momento dell'incontro tra ciò che sta fuori e ciò che sta dentro, tema portante nella pittura di Cremona. Lo sguardo si muove tra stanze in penombra e muri disadorni, finestre che si aprono su sconfinati orizzonti e desolanti visioni di periferie urbane, ordinati studi d'artista e assolate pareti di mattoni rossi, ambienti in cui la presenza umana è soltanto supposta, mai dichiarata esplicitamente.

Il quaderno è la testimonianza di un'intrusione nella mostra Italo Cremona. Tutto il resto è profonda notte, allestita alla GAM di Torino dal 24 aprile all'8 settembre 2024. Dipinti, sculture e video appartenenti alle collezioni GAM, selezionati senza l'applicazione di filtri cronologici o filologici, fanno risuonare il momento dell'incontro tra ciò che sta fuori e ciò che sta dentro, tema portante nella pittura di Cremona. Lo sguardo si muove tra stanze in penombra e muri disadorni, finestre che si aprono su sconfinati orizzonti e desolanti visioni di periferie urbane, ordinati studi d'artista e assolate pareti di mattoni rossi, ambienti in cui la presenza umana è soltanto supposta, mai dichiarata esplicitamente.

Un grandissimo pittore, due dipinti magnifici e una Pinacoteca rinnovata. Questi gli elementi che caratterizzano una mostra raffinatissima, che vede protagoniste due pale d'altare, splendenti per qualità e rare per contenuto, di Ubaldo Gandolfi, che fu uno dei protagonisti della pittura italiana del secondo Settecento. A esse sono affiancati il disegno preparatorio per l'una e il bozzetto per l'altra, entrambe opere commentate e discusse da Donatella Biagi Maino, principale esegeta dell'arte di questo grande, per meglio comprendere non solo le modalità attuative delle sue lucenti pitture ma soprattutto i percorsi della sua ispirazione e del suo credo nell'età che fu segnata dalla presenza forte di Benedetto XIV, il cui lungo pontificato mutò le sorti della cultura cattolica, e non solo.

La storia della Galleria Allegretti contemporanea è durata dal 2004 al 2014. Il libro è un racconto personale e schietto di quegli anni intensi; è la storia corale di un luogo che per qualche tempo è diventato uno spazio pubblico, di incontro e di vita, ben oltre il concetto tradizionale di galleria.

Tra le pagine del catalogo, le opere di Aldo Spoldi e i suoi personaggi fantastici si rincorrono, socializzano e danzano liberi, mettendo in scena La guerra dei mondi, un conflitto immaginario e giocoso. «Le opere si muovono, evolvono, si accoppiano, si riproducono. Radicate o rizomatiche si fanno avanti, si fanno linea. Assomigliano a uno squadrone che si mette in cammino: il 1968 attacca con garbo il 1977, il 1977 intende comandare il 2000 che intende a sua volta contrastare il 2023», racconta Spoldi con un'ironica metafora militare che ha dato il titolo alla sua mostra personale nelle sale della Fondazione Stelline di Milano, aperta nella primavera 2023. I venti lavori illustrati a colori sono accompagnati dai saggi di Alberto Fiz, curatore della mostra e del volume, di Loredana Parmesani e Alessandra Klimciuk e da un testo di Aldo Spoldi.

La pubblicazione nasce in occasione dei quarant'anni di attività di Gianni Cella, fondatore, insieme a Romolo Pallotta e Claudio Ragni, di Plumcake, lo storico collettivo che ha iniziato a esporre nel 1982, con opere che hanno reinterpretato in chiave ludica gli stili pop, ispirandosi al mondo dei fumetti e della comunicazione di massa. Il volume riporta tra le pagine la mostra 'Plastiche apparenze', curata da Alberto Fiz alla Fondazione Stelline di Milano nel 2023, una ricostruzione dell'itinerario dei Plumcake e un approfondimento della ricerca individuale avviata da Gianni Cella nel 2000. Il catalogo presenta un ricco corredo di immagini a colori e contiene i saggi di Alberto Fiz, Marianna Cappia, Barbara Cottavoz, Alessandra Klimciuk e un testo di Gianni Cella.