L'idea di Daniele Duca contiene una grande portata di intimità e accompagna l'osservatore in un modo silente in cui la consistenza, il ritmo, i riflessi e i passaggi tonali del bianco e nero sono i veri interpreti di una storia interiore capace di far dimenticare l'ossessione del riconoscimento a favore della libera interpretazione. Dalle tracce alle trame. Dalle cose a ciò che fa accadere le cose. Attenzione alle domande e non alle risposte. Sono questi gli ingredienti di nuova sintassi della fotografia. Il racconto di Daniele Duca procede per continue aperture e coinvolge il lettore con una richiesta: quella di completare autonomamente la visione, di chiudere quel cerchio di apparenze e trasformarlo in un sentimento.

Dai peperoni di Weston ai peperoni di Daniele Duca. Frutta, legumi ed ortaggi hanno da sempre avuto l'onore di una posa fotografica, iniziando con i dagherrotipi. Nel corso dell'Ottocento questi importanti cibi, indispensabili risorse per l'uomo, sono stati fotografati in forma soprattutto di documentazione ed illustrazione, con splendide carte salate, quindi albumine, fino ai primi autocromi degli inizi del Novecento. Questi ortaggi cominciano a diventare oggetto di indagine fotografica sperimentale ed artistica intorno agli anni 20 del XX secolo, con le splendide fotografie di Albert Renger-Patzsch e ritroviamo negli anni 30 i peperoni di Weston, incuriosito, forse, dalle strepitose forme naturali dei medesimi, che apparivano lette dall'obbiettivo in una forma specifica, come straordinarie composizioni surrealiste un po' metafisiche. Da qui inizia l'avventura del peperone nell'immagine fotografica che, ripercorrendo vari decenni, arriva alle straordinarie composizioni di Daniele Duca. Una grande sfida per un grande ortaggio, inconfondibile nel suo mondo.

Alinari rende omaggio a Nino Migliori e ai suoi settant'anni di attività nella fotografia: una vita di studio e di ricerca appassionati, mentre l'Italia si andava trasformando dopo l'uscita dalla guerra. Un'Italia che vediamo nelle immagini di Migliori tra l'Emilia e il Sud realizzate tra il 1953 e il 1957. Migliori è l'autore che meglio di ogni altro rappresenta la storia della fotografia nel congiungere la tradizione dei fotografi delle origini con le sperimentazioni artistiche moderniste. Un grande innovatore fortemente legato allo studio delle tecniche dei pionieri della fotografia: proprio per questo Migliori più di ogni altro meglio rappresenta questa profonda unione storica tra passato e presente, tra tradizione e innovazione, sempre proiettato verso il futuro. Un omaggio quindi al grande fotografo e all'Italia da lui ripresa in anni importanti come quelli del neorealismo, un omaggio alla Fotografia che da 180 anni accompagna l'uomo, straordinariamente ripreso dallo sguardo di Migliori. Migliori è "la Fotografia" dalle sue origini a oggi, in un continuo evolversi e trasformarsi con un occhio fermo sulla tradizione e sulle tecniche. La storia del linguaggio fotografico di Migliori è lunga e complessa, risulta difficile se non impossibile incasellarla in momenti o etichette, la sua fotografia è una storia impegnata di ricerche e di studi profondi sulle possibilità di espressioni linguistiche del mezzo fotografico e non solo.

"Repubblica e Costituente sono parole che hanno attraversato e qualche volta abitato insieme la storia italiana. Questo volume vuole essere un invito ad ascoltare quelle parole come risuonarono nel 1946-1947, in quell'Italia alla quale il primo grande moto autenticamente popolare della nostra storia, la Resistenza, aveva restituito libertà, orgoglio, dignità. Un invito a sentire di nuovo il suono di quelle parole attraverso le voci, i volti, i gesti, le presenze dei protagonisti della nascita della Repubblica e della sua Costituzione. Le fotografie di quegli anni ci raccontano l'apparire politico degli italiani come libere singolarità che vogliono contare e decidere, ci fanno vedere il prendere parola e il prendere figura del cittadino repubblicano nelle piazze, nelle manifestazioni, nei seggi elettorali. Le voci di alcuni dei padri e delle madri costituenti ci dicono la passione, il rigore, l'entusiasmo e lo spirito di dedizione di una politica che promuoveva, accoglieva, guidava il protagonismo dei cittadini per farne l'anima e il motore della democrazia italiana. Insieme, fotografie e voci raccontano il costituirsi della cittadinanza repubblicana come impegno personale per la cosa pubblica e concorso alla determinazione della politica nazionale. Rivedere i volti e i gesti degli italiani del 1946-1947 e riascoltare le voci dei costituenti è un modo per custodire il senso e l'avvenire della politica come responsabilità individuale e comune, come virtù civica e passione civile. È un modo per mostrare, specie ai giovani, la bellezza della politica e per dare spazio alla sper

Il catalogo presenta una selezione di ottanta fotografie che ripercorrono i primi quarantaquattro anni della carriera del maestro francese, dalla sua prima fotografia scattata nel 1929 a soli diciassette anni, fino alla sua opera del 1973, periodo storico in cui i protagonisti dei suoi lavori diventano soggetti e luoghi a lui molto cari come quelli delle banlieue parigine. Con il suo spirito curioso, Doisneau è riuscito a mostrare il mondo che vedeva e che viveva attorno a lui. Un vero e proprio narratore della realtà che ha saputo, in maniera sublime, immortalare e trasmettere la vera vita di tutti i giorni della capitale francese. Le sue fotografie raccontano una Parigi in fermento fatta di attimi ordinari, di gesti della vita compiuti con semplicità e autenticità, di personaggi accomunati da un'anima generosa. I suoi scatti sono dominati da una forte carica emotiva, da un atteggiamento di tenero e benevolo divertimento nei confronti della sua epoca che non deve tuttavia fuorviare dal cogliere la profondità della riflessione, l'autentica insolenza nei confronti del potere e dell'autorità e l'irriducibile spirito di indipendenza. I visitatori potranno immergersi nei luoghi affascinanti della Ville Lumière tra le botteghe di un tempo, i bambini che giocano per strada, gli innamorati, gli animali, i momenti di festa e lo scorrere di una semplice, ma emozionante quotidianità.

Il numero IX di "Studi Tizianeschi", ricco di una varietà di contributi, segue l'impostazione ormai consolidata della rivista. Quattro saggi costituiscono la prima sezione del volume. Si inizia con il testo di Peter Lüdemann, che torna a discutere sul significato della cosiddetta Vecchia di Giorgio da Castelfranco. Heiner Borggrefe, da parte sua, presenta una ricerca originale sull'Ecce Homo tizianesco del Kunsthistorisches Museum di Vienna. Di particolare impegno e novità di idee risulta il saggio di Jane Shoaf Turner e Paul Joannides, che analizzano la versione Rokeby della fortunata composizione di Tiziano raffigurante Venere e Adone. Paola Artoni, infine, sviluppa ulteriormente le sue ricerche sul marchio tipografico veneziano dei Bindoni, che raffigura Tobiolo e l'angelo, confrontandolo con l'omonima composizione di Tiziano. Nella seconda sezione vengono proposte varie ricerche di carattere strettamente archivistico e documentario.

Il libro di Peter Lüdemann è il logico e indispensabile pendant di "Le botteghe di Tiziano", di Giorgio Tagliaferro e Bernard Aikema, con Matteo Mancini e Andrew John Martin. In quel volume, gli autori presentarono, una ricerca approfondita incentrata sulle modalità di produzione di Tiziano pittore, così come si erano sviluppate, in maniera diversificata e variegata, in un arco di tempo che copre quasi settant'anni di attività artistica. Piuttosto che di una bottega, sarebbe il caso di parlare di un "sistema Tiziano", come si annotava nella Premessa del volume su "Le botteghe"; in effetti, per realizzare una produzione artistica sempre più vasta per una clientela sempre più "internazionale", Tiziano fu costretto a realizzare, perfezionandolo nel corso degli anni, un organismo estremamente flessibile e prammatico, per affrontare una varietà crescente di esigenze diverse. In questo modo venne creato un "marchio" Tiziano, un brand che si stabiliva, verso la fine del sedicesimo secolo, a livelli europei. Saltano all'occhio le grandi varietà di formato, di tecnica, di qualità artistica, di finalità del prodotto grafico chiamato in causa, ma si rivelano, tuttavia, delle grandi linee, delle costellazioni che Lüdemann, opportunamente, riassume nelle sue conclusioni. Di questo e molto altro parla questo libro importante, impegnativo e innovativo.

Con il volume "Fermo immagine" l'opera di Sellerio viene presentata nella sua completezza attraverso 150 fotografie selezionate dall'artista tra le immagini più celebri ma anche tra alcuni scatti inediti e di vita familiare. Tra le voci dei fotografi italiani della seconda metà del Novecento che con la personale esperienza, ci hanno dato un'identificazione precisa del paesaggio e della dimensione sociale della propria terra, quella di Enzo Sellerio è sicuramente una delle più autorevoli. Trasmettendo per cinquant'anni al mondo il canto compiuto di una Sicilia non ancora travolta dalla globalizzazione del costume e del pensiero, Sellerio ci permette di riconoscere, con immediatezza, l'identità di quella sua terra natale, quasi riuscendo a sovrapporsi, con la propria indagine e con la sua persona, all'identità del territorio. La raccolta di fotografie selezionate per questa antologica è un'ulteriore conferma di come la fotografia sia stata per Sellerio un'estensione della sua ricerca, cacciatore non solo di oggetti ma soprattutto di emozioni, suggestioni, memorie che manufatti e fotografie possono trasmettere nel tempo: e se i suoi libri nascono come "una collezione di trouvailles, riunite per accumulazione spontanea, un riflesso della mia vita, o almeno della sua parte migliore", come lui stesso ha detto, essi rappresentano anche una nuova occasione per rileggere un importante capitolo di letteratura fotografica italiana.

"Daniele Duca è riuscito in un compito affascinante, ha restituito un'identità mista a dignità a diversi formati della nostra pasta, in una chiave ritrattistica di livello molto elevato, che si fonde senza forzatura alcuna con l'arte. Egli ha lavorato sulla forma, esaltandone i particolari e regalandoci delle visioni insolite e inedite, riuscendo a dare molteplici interpretazioni alle sue inquadrature. In questo libro c'è la testimonianza che la pasta è cultura, passione e tradizione. Nonostante i cambiamenti epocali nelle abitudini, resta un elemento costante e invariato della vita quotidiana. Essa diventa pretesto che aggrega le persone nel momento del suo consumo. Queste immagini di certo sfideranno il tempo e ci aiuteranno a comprendere, semmai ce ne sarà il bisogno, l'importanza culturale e il valore che la pasta riveste sin dalla sua nascita, in Italia e in tutto il pianeta."

Brassaï, fotografo nato in Ungheria ma naturalizzato francese, ha dedicato più di cinquanta anni di attività artistica a immortalare in ogni sfaccettatura la sua città adottiva. Brassaï scopre la capitale francese ancora bambino, ai primi del Novecento e all'epoca di Marcel Proust, e la città prende vita davanti ai suoi occhi, mentre percorre i sentieri bucolici del Bois de Boulogne, ammira la visuale dall'"imperiale" dell'omnibus, o passa i pomeriggi a giocare con una barchetta che solca le acque del laghetto del Jardin du Luxembourg; successivamente, commemorerà questi ricordi d'infanzia in un film. Nel corso degli Années Folles, la scena artistica parigina è vivacissima e, al ritorno dal periodo di studi trascorso a Berlino, Brassaï diventa amico di Henry Miller, Dalì, Picasso, Matisse, Giacometti e Jaques Prévert, e realizza alcuni dei suoi scatti più rappresentativi sulla Parigi notturna. Prosegue poi sublimando i diversi quartieri parigini, e celebrando l'amore eterno della città con le immagini degli eleganti clienti intenti ad ammirare le vetrine in rue de Rivoli, degli operai addetti alla lavorazione del carbone sulle rive della Senna, del contrasto provocato dai raggi del sole sui gargouille di Notre-Dame, del Pont des Arts avvolto da una vellutata nebbia notturna, e della pura maestosità di monumenti parigini quali la Tour Eiffel o l'Arc de Triomphe.

"Da 10 anni lavoriamo insieme. Questo libro raccoglie e organizza le riflessioni che abbiamo prodotto e offerto in questo periodo a team di vertice di quasi 100 aziende italiane e non. Tutto ebbe inizio nel corso di un incontro a cena durante il quale discutemmo di come, sia nel management sia nell'arte, stesse prevalendo un'idea tra il romantico e il messianico per cui l'artista come il manager, solo davanti al suo problema, al suo destino, alla sua opera e alla sua solitaria immaginazione, producesse il risultato sublime frutto della sua genialità e di una sorta di incrocio magico tra creatività e competenza. A noi questa idea non piace. Noi crediamo che i grandi risultati, le svolte culturali, i vantaggi competitivi duraturi siano opere collettive. Risultato di tentativi e sforzi di persone competenti che cercano insieme in un laboratorio, che ricorda una bottega rinascimentale, il significato del loro agire e con esso le chiavi per determinare svolte competitive. Noi crediamo che tali svolte sboccino e fioriscano in territori adatti ad accoglierle, ma anche che i terreni vadano dissodati, arati e seminati con la cura del farmer che apprezza la circolarità stagionale e l'asprezza bizzarra e imprevedibile dei climi".